Mihai Grecu est un auteur expérimental qui sait jouer avec les émotions du spectateur. Son dernier film, « We’ll become oil », dresse un tableau noir et hyper esthétique du monde contemporain centré sur son fondement énergétique, le pétrole. Un peu comme dans son précédent film « Centipede sun », le réalisateur roumain crée des images épurées qui nous font pénétrer dans un univers visuel et sonore hypnotique où la matière et les éléments prennent vie et nous amène à une profonde réflexion sur notre propre nature et l’époque que nous traversons. Avec « We’ll become oil », la terre, l’air, le feu et l’eau, entre harmonie et déséquilibres, suscitent la fascination.

Le film débute par un lent panoramique qui nous fait découvrir le paysage magnifique et aride d’une montagne hérissée de pics se dressant sous un soleil de plomb. Dans l’environnement sonore, des fréquences radio se brouillent et font écho aux commentaires techniques de quelques pilotes aéroportés. Survolant en rase-motte l’étendue désertique, des hélicoptères de combat entrent dans l’image pour se livrer à une troublante chorégraphie. Dans la tempête de sable que soulève le mouvement des rotors, ils ont l’air de danser, par paire ou en ronde, semblant célébrer le triomphe technologique et destructeur. Soudain, comme pris d’une folie incontrôlable qu’on mesure être celle des hommes, les hélicoptères se ruent les uns sur les autres, s’écrasant au sol dans un chaos de flammes et d’émanations toxiques. Une épaisse fumée noire s’élève au-dessus des dunes de sable. Dans un plan large, le nuage obscur envahit tout l’espace d’un paysage à l’état sauvage, emplissant l’atmosphère d’un tourbillon délétère. Comme dans les incendies des puits de pétrole irakiens, un feu ardent jaillit du sol, dressant au dessus de lui des colonnes de gaz apocalyptiques. Un plan aérien nous fait survoler un paysage côtier, en arrière-plan, d’intarissables feux de puits s’embrasent, la caméra plane au-dessus d’un lac d’essence pour nous plonger dans les envoutants reflets irisés d’une marée noire globale.

« We’ll become oil » est un film magnétique qui, en jouant sur la force des éléments, parvient avec subtilité à nous faire saisir la beauté dans la dévastation. S’emparant du rapport paradoxal entre la nature et les hommes, il fait l’allégorie d’une époque destructrice de prédation et de folie humaine, celle de la fin du pétrole.

Xavier Gourdet

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Fiche technique

Synopsis : Des étendues désertiques portent les stigmates d’un méta-conflit, au delà des controverses politiques ou idéologiques visibles. Un état de crise continue et inexplicable envahit l’espace, transformant des paysages minéraux en scènes de guerre. L’histoire du pétrole prend le dessus sur l’Histoire.

Genre : Animation, Expérimental

Durée : 8’

Année : 2011

Pays : Roumanie

Réalisation : Mihai Grecu

Scénario : Mihai Grecu

Production : Mihai Grecu

Musique : Yann Weissgerber

Effets spéciaux : Rémi Levallois, David Louis, Sébastien Eballard, Mihai Grecu

Article associé : la critique du film

Fiche technique

Synopsis : Une lettre d’amour des limbes du souvenir où se mêlent charme rétro des pellicules Super 8 et science-fiction futuriste.

Genre : Fiction, Expérimental

Durée : 10’

Pays : France

Année : 2011

Réalisation : Jacky Goldberg

Scénario : Jacky Goldberg

Image : Jacky Goldberg

Montage : Carole Lepage

Son : Vincent Villa

Musique : Nicolas Rabaeus

Interprétation : Cassandre Ortiz

Production : GREC

Articles associés : la critique du film, l’interview de Jacky Goldberg

Le cru 2012 de la 34e édition du Festival International de Clermont-Ferrand a un goût de Kazak. Lauréat du Prix Procirep 2011 du meilleur producteur, Kazak Productions s’est vu en effet offrir une carte blanche lors du plus grand festival de court métrages. À l’image de leur « ligne éditoriale » qui se veut contemporaine, hétéroclite et osée voire radicale, ils nous proposent ici une sélection diversifiée et tranchée.

L’occasion de voir ou de revoir entre autres, des films comme : « Impaled » du provoquant Larry Clark (2006 – 38’) qui nous propose un casting de jeunes hommes pour un rôle d’acteur porno ; la première version de Tomboy en plus dérangeante, « Même pas mort » de Claudine Natkin (2006 – 15’ – Kazak Productions), « Moonlight Lover » de Guilhem Amesland (2010 – 27’ – Caïmans Productions) avec le fameux Vincent Macaigne ; le génialissime « Junior » de Julia Ducournau ou comment faire de la puberté un évènement fantastique (2011 – 21’30’’ – Kazak Productions), le film d’animation sur-primé « La Saint-Festin » de Léo Marchand et Anne-Laure Daffis (2007 – 15’40’’ – Lardux Films) ; ou encore le film barré « Dans leur peau » d’Arnaud Malherbe (2007 – 22’ – R !Stone Productions).

Pas moins de trois films produits par Jean-Christophe Reymond et toute son équipe de chez Kazak Productions sont également en compétition dans la sélection nationale. Entre le 27 janvier et le 3 février, on aura donc l’opportunité de voir le dénonciateur « Parmi nous » de Clément Cogitore, le décalé « Double mixte » de Vincent Mariette et le très attendu « Ce qu’il restera de nous » de Vincent Macaigne qui passe pour la première fois derrière la caméra.

« Parmi nous » de Clément Cogitore

Le pitch du film annonce ceci : Amin, jeune clandestin, vient de rejoindre un campement dans la forêt. Chaque nuit est l’occasion de tenter de gagner la zone portuaire et d’embarquer sous les camions. À la lecture de ces quelques lignes, on pense encore avoir affaire à un film avec pour thème les clandestins et leur – triste – destin. Mais si on se penche un peu plus sur le cas Cogitore en association avec l’énergie de Kazak Productions, on devine déjà que ce film-là sera à part.

Effectivement, « Parmi nous » offre une vision très contemporaine des états d’âme d’un jeune clandestin : celle de sa confrontation avec les jeunes d’une rave party ayant lieu dans la même forêt que là où il se réfugie. La découverte de la musique techno, avec l’état de transe qui va avec, transforme notre héros qui devient alors un de plus parmi eux, parmi nous et ce, quelles que soient ses origines. On se retrouve donc face à une introduction plutôt classique, voire déjà vue, avec le débarquement de nouveaux clandestins dans un campement au cœur d’une forêt. Le film prend ensuite une toute autre allure, caractéristique assez typique des films qu’on voit sortir de chez Kazak Productions, en entraînant le spectateur là où il ne s’y attend pas.

Lorsqu’on dit que « Parmi nous » est un ovni, c’est que la patte de Clément Cogitore y est aussi et surtout pour quelque chose. Ce jeune réalisateur de moins de 30 ans en est déjà à son quatrième film et c’est sans parler des multiples installations, travaux vidéo et expositions photos qu’il a également réalisés. Lorsqu’on sait qu’il a étudié aux Arts Déco et qu’il sort du Fresnoy avec qui plus est, la participation à plusieurs résidences d’artistes, on comprend mieux son souci de l’esthétique qui ressort de ce court-métrage. Malgré une image très – trop – sombre, quelque peu floue de temps à autre et une caméra qui bouge continuellement, on est transporté à l’intérieur même de la trame, jusqu’à resentir l’humidité de cette forêt.

Clément Cogitore est non seulement à cheval entre l’Art vidéo et un cinéma plus dramaturgique, il l’est aussi entre la fiction et le documentaire, avec lui, les frontières n’existent pas. Il en va de même pour les personnages de ce film pour lesquels il n’y a plus de limites, si ce n’est celles de la survie. Si bien que durant 30 minutes, on tremble, on danse et on pleure à l’écoute d’un des clandestins arrêtés criant son invulnérabilité et face à cette image finale qu’on vous laisse découvrir.

« Ce qu’il restera de nous » de Vincent Macaigne

Au départ, on a appris à retenir le nom de Vincent Macaigne en tant que comédien. Très présent certes sur les planches, on l’a aussi vu dans de nombreux films, dont « Un monde sans femmes » de Guillaume Brac, moyen-métrage ultra sélectionné, sur-primé et récemment nominé aux Césars. On en garde l’image d’un type au physique opposé à celui du beau gosse, souvent dans des rôles de paumé ou de défaitiste, mais absolument inoubliable tant il en impose. Il sait en effet nous faire passer du rire aux larmes en un rien de temps et toutes ses interprétations sont remarquables. Si bien que lorsqu’on apprend que Vincent Macaigne passe derrière la caméra, on est bien sûr curieux du résultat, même si son expérience mise en scène, au théâtre, a forcément joué au niveau de la direction d’acteurs dans ce film.

« Ce qu’il restera de nous » raconte la confrontation explosive de deux frères suite à la mort de leur père. Pendant 40 minutes, nous avons donc affaire à un trio de comédiens en confrontation hystérique : les deux frères et l’épouse de l’un d’eux, interprétée par la génialissime Laure Calamy. Il y a très peu de décors (les bords de la Loire, une maison familiale, une voiture), très peu d’effets de réalisation, mais plutôt une volonté de simplicité de manière à ce que les comédiens à eux seuls puissent occuper tout l’espace et concentrer toute notre attention sur ce qu’ils se balancent à la figure.

Ce film est avant tout une histoire de rencontre : celle des trois personnages qui finalement ne se sont jamais vraiment parlés, celle de Jean-Christophe Reymond qui s’est s’embarqué avec Vincent Macaigne pour réaliser un film sans moyens et celle de ce dernier avec le cinéma en tant que réalisateur. On imagine en plus qu’il subsiste une rencontre implicite : celle de Vincent Macaigne avec ses propres démons. À travers ce film, il crie enfin ce qu’il a à dire ou bien, il met à l’épreuve ses comédiens en les faisant exploser littéralement, les deux étant notables.

On osera dire qu’on sort fatigué d’autant de cris et de violence verbale, voire affecté par autant de provocation, particulièrement avec la séquence de Laure Calamy se recouvrant le visage de rouge à lèvres. Le résultat est néanmoins intéressant : on pourrait y voir seulement un exercice d’acting avec une histoire de famille en fond et pourtant, on est pris aux tripes par la crudité et la vérité qui en ressortent. Désormais, on a donc envie de retenir le nom de Vincent Macaigne dans la catégorie des réalisateurs.

« Double mixte » de Vincent Mariette

Vincent Mariette, pour celles et ceux qui auraient oublié, c’est le réalisateur du film « Le meilleur ami de l’homme » avec pour rôles principaux, Moustic et un berger allemand et qui a probablement été le court-métrage le plus vu et le plus apprécié de la Collection Canal +.

Son nouveau film « Double mixte » n’a pas grand-chose à voir avec le précédent si ce n’est de jouer à nouveau la carte de l’humour noir en utilisant des personnages pourtant assez clichés. Encore une fois, le spectateur est dubitatif à savoir s’il doit rire ou plaindre les personnages paumés/ angoissés que peint Vincent Mariette, un bodyguard barré, sa sœur nymphomane et un personnage anxieux.

Le trio de comédiens qui interprète ces personnages fonctionne à merveille : Gilles Cohen, égal à lui-même, est parfait en flic névrosé, Claude Perron, malheureusement sous-employée dans le cinéma français, est jouissive dans son rôle de folle à lier et Alexandre Steiger, quant lui, est définitivement un acteur à suivre, même si trop souvent engagé pour des personnages similaires, de type un peu obtus, dépassé par la situation.

On notera le travail de Julien Poupard à l’image (qui est doublement présent à Clermont-Ferrand puisqu’il est également chef opérateur sur « Courir » de Maud Alpi) qui sait recréer une ambiance froide, pesante voire presque étouffante, un peu passée de mode justement pour qu’on ne sache pas vraiment situer le film dans le temps. La musique d’Emmanuel d’Orlando joue un peu le même rôle, à la fois ultra contemporaine et vieux jeu, mêlant le classique et la techno.

Avec « Double mixte », on a donc affaire à un film qui ressemble à une simple comédie teintée de psychologie, mais qui finalement casse les clichés et permet au spectateur de ne jamais être passif. On aurait pourtant souhaité que Vincent Mariette adopte un ton encore plus décalé, tant les éléments absurdes sont réunis dans son dernier film. S’il ne gagne pas le Grand Prix de Clermont-Ferrand, il a néanmoins tous les atouts pour passer au long-métrage avec une signature bien identifiée.

Camille Monin

Fiche techique

Synopsis : Une histoire tragique, celle de deux frères qui font face à la mort de leur père. L’un a été aimé et l’autre injustement délaissé par le père qui ne lui laisse rien. Le favori, celui qui en a le moins besoin et qui est le plus désintéressé par l’argent, hérite de tout.

Réalisation : Vincent Macaigne

Genre : Fiction

Durée : 40’

Pays : France

Année : 2011

Scénario : Vincent Macaigne

Image : Vincent Macaigne

Son : Romain Vuillet

Musique : Nihil Bordures

Montage : Vincent Macaigne

Interprétation : Thibault Lacroix , Laure Calamy , Anthony Paliotti

Montage Son : Julien Ngo-Trong

Mixage Son : Ivan Gariel

Production : Kazak productions

Article associé : – Kazak x 3, le reportage sur la société de production Kazak Productions

C’est ce mardi 31 janvier que notre fameuse soirée Format Court est prévue, avec le concours de Collectif Prod et l’Espace Beaujon. Jazz, couleurs, hommes-objets, angoisse, humour, consumérisme et voyeurisme au programme.

Films programmés

Dripped de Léo Verrier. Animation, 8′10″, 2010, France

Synopsis : New York, 1950. Passionné de peinture, Jack écume les musées à longueur de journée. Il y vole des tableaux qu’il cache ensuite chez lui pour…

Articles associés : la critique du film, l’interview du réalisateur

Csicska de Attila Till. Fiction, 20′, Hongrie, 2011

Synopsis : Istvan Balogh, agriculteur hongrois, a le contrôle total de sa femme, de sa famille et de son esclave. Les personnages croisent leur destin tragique à cause de leurs relations extrêmes. Ce film a été inspiré par les souvenirs de personnes qui ont survécu à de telles situations.

Articles associés : la critique du film, l’interview du réalisateur

Conversation piece de Joe Tunmer. Expérimental, Fiction, 7′, 2009, Royaume-Uni

Synopsis : Un dimanche matin, Jean remarque que son vase préféré a été ébréché. Elle accuse Maurice, son mari, qui nie en bloc. Mais Jean veut absolument savoir ce qui s’est passé. Dans cette extraordinaire comédie musicale, chaque syllabe prononcée correspond à une note précise de “Conversation piece”, un morceau improvisé en 1966 par le cornettiste de jazz Rex Stewart.

Article associé : la critique du film

La inviolabilidad del domicilio se basa en el hombre que aparece empuñando un hacha en la puerta de su casa d’Alex Piperno. Fiction, 7′ 2011, Uruguay-Argentine

J’entends donc je suis

On effleure la beauté d’un film non seulement dans sa propension à offrir une vision transparente du monde mais également dans la valeur donnée à l’imaginaire des personnages, c’est-à-dire à la possibilité de voir figurer l’univers mental du protagoniste à l’écran. Dans le cas de “Noise” (littéralement “Le bruit”), un court-métrage inclassable mêlant les techniques du stop-motion, du dessin, et de l’incrustation virtuelle, il s’agit de laisser poindre visuellement les sensations d’un homme isolé dans une chambre. L’argument mince ne fait pas d’ombres à une innovation plus probante: ce sont les sons, les bruits du monde environnant, qui provoquent l’apparition des objets mentaux du protagoniste. Se laisser enivrer par une combinatoire proprement phénoménale, telle est donc l’expérience proposée par le couple de réalisateurs polonais, Katarzyna Kijek et Jarosław Adamski, en compétition au Festival de Clermont-Ferrand.

Les bruits qui enferment

“Noise” ne surprend pas par la complexité de son intrigue, ou bien devrais-je écrire de ses micro-intrigues dont l’espace d’un immeuble donne le cadre: un homme fait un trou dans un mur, un autre joue de la trompette, un couple se dispute. Le mouvement de caméra fait d’abord fi des frontières physiques pour se déplacer de personnage en personnage, d’appartement en appartement, d’étage en étage, et, plus significativement, d’un univers sonore à un autre. Il s’agit d’un mouvement aérien, lumineux, dénué de toute pesanteur et de toute fluidité, qui traverse les murs à la manière du son.

Bientôt les plans se focalisent sur un protagoniste d’une vingtaine d’année qui pénètre dans le hall de l’immeuble, avant de trouver refuge chez lui. Le spectateur devient témoin de son ultra-sensibilité envers les bruits, ces derniers remplissant le champ sous formes d’objets physiques et mouvants. La suite du film ne fait qu’accroître le trouble et la paranoïa du protagoniste, formulée par la rapide pulsation des objets-bruits. C’est une expérience de réclusion à partir de sons en tous genres (notes de musique, cliquetis, bruits de métal, etc.), n’hésitant pas à solliciter le célèbre jazzman Tomasz Stańko.

Ainsi, c’est sous les auspices de l’enfermement, physique et mental, que se place “Noise”. En effet, les bruits du dehors s’avèrent nécessairement des sources violentes de désagrément pour le protagoniste reclus. La cage d’escalier, présente tout au long du film, acquiert le rôle de cage mentale où les différentes formes encombrent un espace réduit et perturbé.

Du son naîtra l’image

Du trouble psychologique de l’homme, le spectateur est invité à en considérer l’origine sonore et la formulation physique. Le stop-motion, technique de tournage image par image, permet de créer cet étonnant phénomène autant que de rendre vivante, à l’écran, l’oscillante et inharmonieuse humeur du protagoniste.

Dans la vie, le propre du son est de ne pas pouvoir être matérialisé. Désireux de dépasser cet état de fait, le duo Kijek/Adamski — tous deux issus des arts plastiques — a eu l’idée d’inventer une forme complètement novatrice où les bruits présideraient à l’apparition d’objets visuels, de telle manière qu’à chaque bruit correspond un objet visible, identifiable mais dont la présence paraît souvent incongrue. Ce n’est assurément pas une correspondance parfaite entre les sons et les images qui est recherchée ici; au contraire, les carrés noirs d’une grille de mots croisés, devenus des volumes mouvants, s’accompagnent par exemple de notes de musique électronique. Plus qu’une série de sons distincts les uns des autres, les cinéastes créent un univers sonore, presque musical, qui se fond parfaitement avec la matière visible de ces mêmes bruits, source de désarroi pour le protagoniste. Les deux auteurs disent se fonder sur le phénomène de “synesthésie” (du grec syn, union, et aesthesis, sensation) par lequel s’associent deux ou plusieurs sens. Ici, le son devient image et cette transmutation s’opère selon une chorégraphie de signes enchanteresse et fantasque. Une danse visuelle représentant les projections issues de l’imagination, interprétables comme les “suppositions fantasmatiques” du protagoniste.

Les écarts du cinéma : le son et la vérité

Exercice de style assumé comme tel, “Noise” pose néanmoins une question fondamentale, celle de la capacité de l’être humain à s’affranchir des données réelles pour associer des indices sonores à des situations issues de l’imagination. À la manière du protagoniste, cette union relève de l’expérience quotidienne sans que nous en ayons conscience. Le son nous permet par exemple de mesurer l’espace qui nous sépare d’une personne dans le cas d’un déficit de vision. Mais elle introduit également la possibilité de l’erreur, un doute quant à la situation réelle.

Aussi peut-on supposer les raisons qui ont poussé les auteurs à concilier des techniques cinématographiques a priori inconciliables. Si les dessins et les incrustations acquièrent un rôle si important, c’est précisément parce que, par définition, ils ne peuvent pas figurer la réalité. Les techniques du stop-motion, du dessin et de l’incrustation, forment une poétique de l’écart entre le son et son effet mental, entre le bruit et sa représentation visuelle, entre les images et la réalité. Loin d’être traités avec complaisance ou pur désir plastique, ces écarts s’annulent finalement à la fin du film pour mieux dénoncer la paranoïa et l’idiosyncrasie, et permettre de rétablir la simple et froide vérité: le voisin épié, que le protagoniste croyait meurtrier, vient purement et simplement d’être évincé par sa femme irascible.

Du fantasme à la réalité, du rêve à la vérité, des associations fantasmatiques et colorées à la révélation de la vérité froide et crue; tel est le trajet sous-jacent auquel nous invite ce film déconcertant.

Mathieu Lericq

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Fiche technique

Synopsis : Un travail audiovisuel où le son tient le rôle principal. Les bruits qui s’immiscent dans l’appartement du protagoniste font l’objet de son interprétation, générant des images aléatoires qui entrent en interaction. Privés de leur corrélation visuelle, les sons évoquent des images qui sont souvent à cent lieues de leur source réelle.

Réalisation : Przemyslaw Adamski

Genre : Animation

Durée : 7’

Pays : Pologne

Année : 2011

Scénario : Katarzyna Kijek et Przemyslaw Adamski

Image : Katarzyna Kijek, Przemyslaw Adamski

Montage : Przemyslaw Adamski

Musique : Grzegorz Manko

Animation : Katarzyna Kijek, Przemyslaw Adamski

Interprétation : Wojciech Juchniewicz, Tomasz Stańko, Leszek Musiał, Izabela Pągowska, Oleh Kryzhanovskyy

Production : Małgorzata Kozioł / Studio Munka

Article associé : la critique du film

Comme chaque année au milieu de l’hiver, Clermont-Ferrand devient pour une grosse semaine le centre du monde de la planète Court Métrage. Pour sa 34éme édition et malgré les restrictions budgétaires importantes qu’imposent le climat général de crise, le Festival entend bien conserver toute son attractivité. Des compétitions internationale, française et labo prometteuses, des programmes parallèles originaux (Cuba, mouches et autres bestioles, le manifeste d’Oberhausen…), un marché international du film court toujours dynamique, forment cette année encore les fondements du pèlerinage incontournable pour tous les acteurs de la création de films courts.

Retrouvez dans ce Focus :

– Carte blanche à l’INSAS

– L’interview de Jacky Goldberg, réalisateur de « In Loving Memory » (France, F6)

– La critique de « Night Fishing » de Park Chan-wook et Park Chan-kyong (Corée du Sud, L2)

– L’interview de Theodore Ushev, réalisateur des « Journaux de Lipsett » et membre du Jury International

– La critique de « Choros » de Michael Langan et Terah Maher (Etats-Unis, L3)

– Critique croisée : Le Ciel en bataille de Rachid B. (F4) et Méditerranées d’Olivier Py (F9)

– L’interview de Marc Boyer, producteur et co-fondateur de Lardux Films

– La critique de « Opowieści z chłodni » (Récits de chambre froide) de Grzegorz Jaroszuk

– La critique de « Mon amoureux » de Daniel Metge (France, F7)

– La critique de « Boro in the Box » de Bertrand Mandico (France, F3)

– La critique de « The Pub » de Joseph Pierce (Royaume Uni, L3)

– Le reportage “Soy Cuba”

– La critique de « Senes from the Suburbs (V2) » de Spike Jonze (Etats-Unis, DB 1)

– La critique du « Songe de Poliphile » de Camille Henrot (France, L5)

– La critique de « In Loving Memory » de Jacky Goldberg (France, F6)

– La critique de « Oh Willy » d’Emma de Swaef et de Marc Roels (France, Belgique, Pays-Bas, F6)

– La critique de « We’ll become oil » de Mihai Grecu (Roumanie, L2)

– L’interview de Jean-Christophe Reymond, producteur de Kazak Productions

– Kazak x 3, le reportage sur la société de production Kazak Productions

– La critique de « Noise » de Przemysław Adamski (Pologne, I12)

Mais aussi nos articles déjà parus en lien avec la programmation 2012 :

Compétition internationale

– La critique de « Body Memory » (Keha Mälu) de Ülo Pikkov (Estonie, I13)

Compétition Labo

– La critique de « Killing the Chickens to Scare the Monkeys » de Jens Assus (Suède, Thaïlande, L5)

– L’interview de Jens Assur, réalisateur de « Killing the Chickens to Scare the Monkeys »(Suède, Thaïlande, L5)

– La critique de « Il Capo » de Yuri Ancarani (Italie, L5)

Compétition Nationale

– La critique de « La détente » de Pierre Ducos, Bertrand Bey (France, F1, Scolaire)

– La critique de ‘L’Attaque du monstre géant suceur de cerveaux de l’espace » de Guillaume Rieu (France, F4)

– Le reportage sur « Tempête dans une chambre à coucher » de Laurence Arcadias et Juliette Marchand (France, F5)

– La critique de « Sous la lame de l’épée de Hélier Cisterne » (France, F11)

– La critique de « La France qui se lève tôt » de Hugo Chesnard (France, F11)

– L’interview de Hugo Chesnard, réalisateur de « La France qui se lève tôt » (France, F11)

– La critique de « Petite pute » de Claudine Natkin (France, F12)

– L’interview de Laurie Lévêque, comédienne de « Petite Pute » de Claudine Natkin (France, F12)

Les Collections

– « Pixels » de Patrick Jean (C1)

– La critique de « Turning » de Saul Freed et Karni Arieli (Royaume-Uni, C3)

– La critique de « Casus Belli » de Yorgos Zois (Grèce, C3)

– L’interview de Yorgos Zois, réalisateur de « Casus Belli » (Grèce, C3)

Carte blanche Kazak Productions

– La critique de « Même pas mort » de Claudine Natkin (France, CP 1)

– La critique de « Junior » de Julia Ducornau (France, CP 1)

Programmes scolaires

– La critique de « Bisclavret » d’Emilie Mercier (France, Ecole 3)

– L’interview d’Emilie Mercier, réalisatrice de « Bisclavret » (France, Ecole 3)

Autres

– Serge Bromberg à propos du « Voyage dans la lune » de Georges Méliès (Séance d’ouverture)

– La critique de « Scenes from the suburb de Spike Jonze (Etats-Unis, Canada, Décibels 1 !)

– La critique du « Marin masqué » de Sophie Letourneur (France, Films en Région 1)

– La critique des « Journaux de Lipsett » de Theodore Ushev (Canada, Ushev-Lipsett)

– La critique de « La Madre » d’Alberto Evangelio (Espagne, Carte blanche Etrange Festival 6)

– La critique de « La Gran Carrera » de Kote Camacho (Espagne, Carte blanche Etrange Festival 6)

Si le cinéma de fiction est l’art des points de suspension qui laisserait supposer une reconstruction imaginaire de la réalité, le cinéma documentaire, quant à lui, en serait un peu les deux points qui permettrait de l’expliquer et de la comprendre.

Grâce à l’intiative de passionnés, le Festival Pointdoc permet à tout un chacun de voir des films documentaires passant trop souvent inaperçus. A nouveau, la sélection eccléctique et principalement francophone de cette année nous plonge dans les univers de créateurs peu connus pour la plupart, ayant décidé de prendre leur caméra pour montrer, témoigner, partager, dénoncer ou encore magnifier un évènement qui les a interpellés. Aperçu de 6 docus coeurs.

Antisocial : de la fracture à la misère

Il est intéressant de constater à quel point les films sélectionnés abordent de façon récurrente le thème de la misère sociale. Dans un monde où le mot “crise” est sur toutes les lèvres, les cinéastes veulent en dénoncer les conséquences désastreuses sur les individus en marge du système.

Avec leur film “Tiers-paysage”, ainsi appelé d’après les théories du paysagiste Gilles Clément, (“Tiers-paysage désigne la somme des espaces où l’homme abandonne l’évolution du paysage à la seule nature. Il concerne les délaissés urbains ou ruraux, les espaces de transition, les friches, marais, landes, tourbières, mais aussi les bords de route, rives, talus de voies ferrées, etc …»), le tandem féminin Naïs Van Laer et Yasmine Bouagga dresse un portrait nuancé d’une famille de tziganes de la banlieue de Montpellier. A travers 3 générations de femmes, les réalisatrices rendent compte du passé et de l’avenir, des envies et des préoccupations d’un peuple rejeté de toutes parts. La volonté de rentrer délicatement à l’intérieur, de dépasser les frontières des préjugés donne au film toute sa force et sa sensibilité. Et l’envie de laisser les frontières floues entre la Roumanie et la France permet de donner une impression de voyager à l’intérieur d’une même réalité. Les réalisatrices dépassent le documentaire traditionnel en apportant une touche de poésie grâce à une démarche qui va de l’individuel vers l’universel où la façon d’aborder le sujet permet un questionnement profondément humain.

“Un long cri mêlé à celui du vent” apparaît comme une réflexion esthétique sur les activités que génère le port de Marseille. Mais au lieu de montrer l’homme et ses gestes de travailleur, Julie Aguttes chosit de figer des images fixes et dépourvues d’action. La mer et l’ailleurs côtoient des témoignages audio. La cinéaste parle de la solitude des ouvriers en mêlant finement images fixes et images mouvantes, donnant ainsi écho à l’immobilité d’une classe qui n’a que peu d’espoir en son avenir. Les plans souvent métaphoriques appellent le spectateur à interpréter les images. Enfin, Julie Aguttes associe cinéma et littérature en insérant des extraits d’un roman de Sembène Ousmane, “Le Docker noir”, lus par la comédienne Aurore Clément, ce qui apporte une dimension onirique au film (le titre en est d’ailleurs un extrait). Tous ces choix viennent questionner le documentaire jusqu’à le remettre en question. La réalisatrice se joue de la ligne de démarcation entre les deux genres et accorde plus d’importance aux impressions provoquées par la réalité qu’à la réalité elle-même. Un documentaire d’une mouvance délibérément impressionniste.

“Dans l’ombre” du Belge Bart S. Vermeer met en lumière les conditions de détention des immigrés placés dans des centres fermés dès leur arrivée en Belgique. L’attente interminable et la promiscuité sont le lot de tous les jours. Plaçant sa caméra volontairement à distance et en hors-champ, le réalisateur se rapproche petit à petit de son sujet et suit quelques personnes : une femme albanaise et sa fille, une famille tchétchène, une jeune africaine désillusionnée… Autant d’espoirs mis en sursis, le temps que la Justice tranche. Tous ont quitté leur pays d’origine avec l’espoir d’un avenir meilleur mais arrivés sur place, ils doivent faire face aux réalités d’un système partagé entre la compassion et la méfiance. Vermeer filme les choses à hauteur d’homme, sans condescendance ni idéalisme. Ses plans finaux sur les enfants est une ouverture d’espoir en même temps qu’un questionnement sur le futur de ceux qui grandissent “entre les murs”.

Etre ou ne pas être : en quête de soi, des autres et de Dieu

La deuxième récurrence flagrante est bien le thème de la quête, de la recherche de soi, de l’amour de l’autre ou d’une dimension spirituelle. Sorte de cardiogramme enregistrant les mouvements du coeur, le cinéma documentaire est un bon révélateur de l’état du monde.

Le court métrage d’Elsa Levy “L’amour à trois têtes” nous parle d’amour à travers trois générations de femmes dont la réalisatrice fait partie. Elle poursuit la volonté de présenter des points de vue singuliers sur l’amour, celui de sa grand-mère, de sa mère et le sien. Ainsi, ce ne sont pas moins de 70 ans d’idées conçues, préconçues et décousues au sujet de Cupidon que balaie le film. Du témoignage de sa grand-mère, on pourra ressentir la nostalgie d’un romantisme épistolaire où les mots pouvaient encore brûler les sens et dépasser les actes et les paroles et la patience être une vertu indispensable. De celui de la mère, c’est le rejet du modèle d’une éducation “classique” et l’importance de l’indépendance, du respect de soi, de l’émancipation féminine, et de la narratrice, c’est un questionnement essentiel et confus (où? qui? pourquoi? comment? quoi?), perdu entre les fondations du passé et l’éclatement du présent, à la recherche de nouvelles balises. Entre pragmatisme détaché et romantisme obligé, les coeurs balancent, et à la narratrice de choisir un dispositif qui déshabille en filmant l’intime, pour mieux se comprendre. A la fois anecdotique et universel, le film d’Elsa Levy questionne les valeurs et les modèles qui nous ont construit et qui se sont effrités au fil du temps. De cette transmision intergénérationnelle, on pourrait croire finalement qu’il serait plus édifiant aujourd’hui de terminer nos contes pour enfants par ceci: “Ils vécurent en partie heureux, se séparèrent et eurent d’autres amours et éventuellement d’autres enfants et surent alors que l’amour et la vie de couple était loin d’être tout rose”.

Nicolas Gayraud filme le quotidien de moniales cloîtrées dans l’abbaye de Bonneval, dans l’Aveyron, une abbaye cistercienne fondée en 1147. “Le Temps de quelques jours” rassemble des témoignages inédits de quelques soeurs (de la plus jeune aux plus âgées en passant par la mère abbesse) et du cuisinier. La recherche de Dieu répond pour la majorité à un besoin de césure avec une société qui ne convient plus. La vie monastique serait “un acte contestataire” selon les mots de la mère abbesse, une volonté de se couper du reste d’un monde qui tourne trop vite, qui s’est éloigné de l’essentiel. C’est dans le respect du rythme des soeurs que le réalisateur les a suivies “des matines aux vespres”, en mangeant avec elles, en vivant avec elles. Le film apparaît comme un questionnement du cinéaste sur la société et sur le chemin de la religion. Chargées de beaucoup de bon sens, les déclarations des soeurs posent un regard sur le monde à la fois critique, contemplatif et amoureux. Les intertitres qui viennnent entrecouper le film, sorte de journal intime de l’artiste documentariste, se mêlent étrangement à la quête spirituelle des soeurs, à leur recherche de l’absolu et de la vérité. La recherche de Dieu n’est décidément pas une cause abandonnée et révolue…

Véritable film ethnographique qu’aurait sans doute apprécié Jean Rouch, “Natpwe, le festin des esprits”, se présente volontairement comme un voyage initiatique dans l’inaccessible pays birman, à Taungbyon, lieu du plus important pélérinage du pays. Les hommes se travestissent en femmes, boivent et dansent pour honorer les dieux et les pélerins déambulent dans les rues pour admirer ces démonstrations exhibitionnistes autorisées. Dès les premiers plans, le film de Tiane Doan Na Champassak et de Jean Dubrel immerge le spectateur au coeur des croyances d’un peuple et d’une culture. Cette sensation de faire partie de la cérémonie ne le quittera jamais tant le film est construit comme une spirale envoûtante à l’image même des transes et des fervents appels des esprits initiés par les fidèles. Les images en noir et blanc prises sur le vif par Champassak, photographe de métier et reconnu de surcroît, apportent l’intemporalité nécessaire à cet évènement qui a lieu chaque année. Le vrai travail des réalisateurs a été réalisé en post-production. Le montage et la bande son intimement liés fonctionnent comme une fascinante danse primitive de laquelle il est impossible de se détacher. Les incantations des moines donnent le rytme aux images, ainsi les choix cinématographiques priment sur la réalité. Plus proche de la fiction que du documentaire et fort éloigné du film didactique par l’absence de commentaire audio, “Natpwe, le festin des esprits” est une oeuvre d’art où les artistes se servent, s’inspirent de la réalité pour mieux la modeler, la pétrir, la recréer afin d’en offrir une interprétation audacieuse.

Marie Bergeret

Consulter les fiches techniques de “Tiers-paysage”, “Un long cri mêlé à celui du vent”, “Dans l’ombre”, “L’amour à trois têtes”, “Le Temps de quelques jours” ,“Natpwe, le festin des esprits”

Pour la seconde anné consécutive, le Festival pointdoc, premier festival de diffusion alternative de films documentaires a ouvert ses fenêtres sur la toile du net en présentant 20 films partagés en deux catégories, “Première création” et “Film jamais diffusé”. La sélection eccléctique et principalement francophone nous plonge dans l’univers de créateurs peu connus pour la plupart, ayant décidé de prendre leur caméra pour montrer, témoigner, partager, dénoncer ou encore sublimer des événements qui les ont interpellés.

Retrouvez dans ce focus :

– Le reportage Pointdoc : Allô le monde ?

Festival pointdoc, les films sélectionnés

– Focus pointdoc 2011

Natpwe, le festin des esprits

Synopsis : Taugbyon, minuscule village du centre de la Birmanie. Lieu de pèlerinage annuel pour des dizaines de milliers de croyants. Pendant cinq jours, fidèles et médiums célèbrent le culte des nats, les esprits du panthéon birman. Cinq jours d’offrandes, de cérémonies, de rituels de possession. Cinq jours de liberté, dans une société verrouillée à l’extrême.

Réalisation : Tiane Doan na Champassak et Jean Dubrel

Genre : Documentaire

Durée : 30’

Année : 2011

Image : Tiane Doan na Champassak

Son : Tiane Doan Champassak

Pays : France

Montage : Amélie Degouys

Montage son et mixage : Romain Colonna d’Istria

Conformation et étalonnage : Stanley Denizot

Production : Tiane Doan na Champassak et Jean Dubrel

Fiche technique

Synopsis : Ce film est l’une des rares expériences d’une rencontre avec des moniales cloîtrées, dans l’abbaye de Bonneval, dans l’Aveyron. Il se présente sous la forme d’une déambulation contemplative. Le film esquisse quelques portraits de femmes et interroge le spectateur sur son rapport aux autres, à la nature et au temps.

Réalisation : Nicolas Gayraud

Genre : Documentaire

Durée : 62’

Année : 2011

Image : Nicolas Gayraud

Son : Nicolas Gayraud

Pays : France

Montage: Nicolas Gayraud, Isabelle Mayor

Mixage : François Dumeaux

Production : Nicolas Gayraud

Article associé : le reportage Pointdoc : Allô le monde ?

Fiche technique

Synopsis : Une exploration des relations amoureuses entre hommes et femmes au travers de trois générations de figures féminines de la même famille: la grand-mère, la mère et la petite-fille – la réalisatrice du film. Ninette, Sylviane et Elsa: trois époques, trois visions, trois expériences qui s’affrontent et se confrontent. Derrière ces histoires d’amour, se dessine un questionnement autour de la transmission intergénérationnelle, de l’image féminine et du rapport mère-fille.

Réalisation : Elsa Levy

Scénario : Elsa Levy

Genre : Documentaire

Durée : 26’

Année : 2011

Image : Paul Guilhaume

Son : Masaki Hatsaui

Pays : Suisse

Montage : Yaël Bitton

Production : HEAD Haute Ecole d’Art et de Design

Fiche technique

Synopsis : La Belgique, au cœur de l’Europe, apparaît pour beaucoup de réfugiés politiques comme la Terre Promise. Mais que faire lorsqu’on est noyé dans un système politique de contradiction et d’apathie et qu’on finit par se retrouver face à l’inverse de la liberté tant souhaitée ?

Réalisation : Bart S. Vermeer

Genre : Documentaire

Durée : 43’

Année : 2011

Image : Pablo Castilla Heredia

Son : Louis Storme

Pays : Belgique

Montage image: Nadia Touijer

Montage son : Loïc Villiot

Musique : Nico Hafkenscheid

Interprètes : Nedah et sa famille, Chava et Husein, Naim et sa famille,

Production : EPEIOS Production / Atelier de Production GSARA / VAF / CBA

Fiche technique

Synopsis : Réalisé avec une famille tsigane vivant dans un bidonville à Montpellier, Tiers-paysage interroge le lieu des marges et ses habitants. Au travers des saisons se déroule le quotidien de cette famille, entre la ferraille, la mendicité, les allers-retours en Roumanie, les moments d’inquiétude et les moments de joie. Trois générations de femmes cohabitent dans ces cabanes précaires, tissent le fil de leurs histoires alors que, derrière elles, les grus étendent l’emprise de la ville.

Réalisation : Naïs Van Laer et Yasmine Bouagga

Genre : Documentaire

Durée : 52’

Année : 2011

Pays : France

Image : Naïs Van Laer et Yasmine Bouagga

Son : Naïs Van Laer et Yasmine Bouagga

Montage : Naïs Van Laer et Yasmine Bouagga

Interprètes : Veta, Mihai, Utsa, Toto, Puiut, Danciu, Mihai, Fernando, Darius, Minerva, Michela, Zina et Elvis Ciurar, Marico, Christophe…

Production : Les films de l’Arrosoir

Fiche technique

Synopsis : À Marseille, il y a ceux qui travaillent sur le port et les autres. Le mythe d’un monde impénétrable et d’une classe ouvrière contestataire est nourri de part et d’autre de cette frontière. Ce film propose une immersion fantastique et fantasmée au cœur de ce monde à part aujourd’hui voué à disparaître.

Réalisation : Julie Aguttes

Genre : Documentaire

Durée : 42’

Année : 2010

Image : Jérôme Olivier

Son : Cédric Deloche

Pays : France

Montage : Pamela Verala

Voix off : Aurore Clément

Production : GREC

Qu’elle ne se vexe pas et vous, chers lecteurs, n’allez pas y voir une dénomination péjorative. Si on peut comparer Christelle Lheureux à un OVNI, c’est avant tout parce qu’il est difficile de la mettre dans une seule et même case cinématographique.

Christelle Lheureux est née en 1972. Elle a étudié aux universités d’Amiens et de Paris 8, aux Beaux-Arts de Grenoble puis Le Fresnoy-Studio national des arts contemporains. Diplômes en poche, elle ne cesse de voyager, essentiellement entre l’Asie (Thaïlande, Chine, Japon), Genève et Paris pour créer et réaliser ses œuvres vidéos qui sont ensuite exposées dans les galeries et festivals aux quatre coins du monde. Entre ses différents travaux artistiques, Christelle Lheureux enseigne à la Haute école d’art et design de Genève (HEAD). En deux mots, pas évident de croiser la vidéaste tant son agenda est chargé. Pourtant, elle a su prendre le temps de nous répondre et surtout de nous envoyer un panel de ses travaux afin de tenter de dresser un portrait de celle à qui nous avons remis le Prix Format Court au dernier Festival du Film de Vendôme pour son film « La Maladie blanche ».

Depuis 1998, Christelle Lheureux créé des installations vidéos sur un mode qui se veut volontiers, plus expérimental ou bien de l’ordre de l’Art Vidéo, mais plus son travail avance et plus la vidéaste se dirige vers une dramaturgie cinématographique probablement plus connue/ accessible du grand public. À cet égard, elle dit ressentir aujourd’hui l’envie et le besoin d’écrire de façon plus narrative, comme le prouve son dernier film « La Maladie blanche », très sollicité et primé en festivals « traditionnels ».

Néanmoins, ce n’est que la forme qui évolue puisque les thèmes de prédilection de Christelle Lheureux restent sensiblement les mêmes. C’est-à-dire la mémoire (conception et attachement aux passé/ présent/ futur), la nature (harmonie avec les plantes et les animaux), le conte (le rêve/ le cauchemar/ l’imaginaire onirique), le regard (la diversité des interprétations, le point de vue des enfants/ adultes). De même que ses films contiennent toujours un certain souci du réalisme. Cela pourrait d’ailleurs sembler contradictoire avec les thèmes qu’elle aborde, lesquels sont relativement éloignés du réel justement.

Si bien qu’on demeure toujours perturbé, tout du moins sensible aux travaux de Christelle Lheureux, comme par exemple « Ghost of Asia » dans lequel, ce sont les enfants qui ont dirigé un comédien. L’image est documentaire/ documentée, voire même presque crue et ce sont les voix des enfants qui rythment la musique et le film en général, mais le montage est travaillé de telle sorte qu’on ne peut que se laisser transporter par une narration particulière qui est celle de Christelle Lheureux. Nous sommes face à une installation en deux fenêtres offrants deux vidéos différentes mais se reflétant : celle des enfants qui « prend son temps » et celle où le comédien évolue, en accéléré comme si, une fois adulte, tout allait beaucoup plus/ trop vite.

On soulignera que pour « Ghost of Asia », de la même manière que pour Second love in Hong-Kong, la vidéaste a collaboré avec son ami Apichatpong Weerasethakul. Tous deux travaillent ensemble depuis une dizaine d’années et on notera par conséquent la corrélation entre les thèmes qu’ils abordent chacun de leur côté (et ensemble) dans leurs œuvres, l’Asie/ l’Europe et cette frontière si fine qui existe entre l’expérimental et la dramaturgie plus classique.

Dans « Second love in Hong-Kong », les deux réalisateurs nous plongent dans une histoire d’amour ou plus exactement, « une seconde histoire d’amour ». Tout est là pour provoquer le spectateur et ne pas en faire un être passif : une femme asiatique vêtue de rouge vif qui se retrouve étonnement seule à errer dans un bois occidental où se font entendre des bruits d’oiseaux et d’avion, puis une voix française par-dessus qui lit le texte d’une bande-dessinée asiatique « Rak kang ti song ti Hong Kong » de Tepakorn Na Tasala. Cette jeune femme est-elle l’héroïne de l’histoire ? On y croit en tout cas et pourtant, dans les dernières minutes du film, celle-ci se met à hurler le nom – à connotation italienne – de Luigi. Ensuite, la voix off reprend, mais cette fois en thaïlandais pour nous raconter la mort d’un chien. Faut-il y comprendre quelque chose ? C’est tout l’art de l’Art Vidéo justement : nous faire entrer dans un univers hors norme/ hors forme pour nous faire part des choses avec une narration plus poétique ou plus violente. Ce qu’il faut peut-être y voir, c’est que l’amour est toujours présent, qu’il soit envers un homme, un autre homme, un ami, un animal ou un membre de la famille (comme dans « Toutes les montagnes se ressemblent ») et que la mémoire est là pour en témoigner, même et surtout, lorsqu’il passe.

De manière générale, Christelle Lheureux aime travailler en collaboration avec d’autres : Sébastien Betbeder, Marie Darrieussecq, Wajdi Mouawad ou encore Christophe Fiat. Au même titre qu’elle s’inspire beaucoup d’œuvres existantes, que ce soit dans la littérature, l’art plastique ou le cinéma. N’a-t-elle pas tout compris à l’Art, autrement dit apprendre des autres, partager les expériences et les regards pour mieux créer individuellement.

Aussi, on notera qu’elle porte une affection particulière aux plans fixes avec des voix-off par-dessus. Des voix-off qui souvent proviennent de personnages totalement extérieurs à ce qui est montré, comme par exemple L’expérience préhistorique, dont la vision et le récit éclairent, voire racontent les images. En bref, l’utilisation de l’expérimental chez Christelle Lheureux ne sert pas juste à provoquer le spectateur mais aussi à l’intégrer à l’histoire. Dans tous les cas, le travail de Christelle Lheureux est absolument unique en son genre, même s’il est justement et finalement identifiable mais malheureusement pas assez connu/ identifié.

Camille Monin

Consulter les fiches techniques de « Ghost of Asia », « Second love in Hong-Kong », « Toutes les montagnes se ressemblent »

Articles associés : l’interview de Christelle Lheureux, la critique de “La Maladie blanche”

Fiche technique

Synopsis : Sous le soleil et dans la neige, elle lui raconte le rêve de la veille. Il lui parle pour la première fois de cette nuit où, dans la montagne, lors d’une randonnée au flambeau, son frère disparût.

Genre : Fiction, Expérimental

Durée : 12’

Pays : France

Année : 2009

Réalisation : Christelle Lheureux et Sébastien Betbeder

Scénario : Christelle Lheureux et Sébastien Betbeder

Image : Kevin Haefelin, Christelle Lheureux, Sébastien Betbeder

Montage : Christelle Lheureux et Sébastien Betbeder

Son : Roman Dymny

Musique : Ensemble 0

Interprétation : Clémentine Poidatz, Manuel Vallade, Adrien Michaux

Article associé : L’OVNI Christelle Lheureux

Fiche technique

Synopsis : Un portrait minimaliste d’une fiction/ non fiction hybride dans la nature. Les réalisateurs se sont concentres sur le personnage imaginaire qu’est Hong (Swan) qui voyage de Thaïlande à Hong-Kong pour son travail de servante. Ce conte est extrait de la bande-dessinée « Rak kang ti song ti Hong Kong », Tepakorn Na Tasala. Le tournage a eu lieu en France avec une actrice d’origine mixte : Tiana Mille. La vidéo transforme l’histoire originaire pour en faire un portrait universel d’une personne déplacée. L’histoire évolue selon que les artistes étendent son univers. L’image de cette femme protagoniste provoque une narration multiple et est ouverte à diverses interprétations.

Genre : Expérimental

Durée : 30’

Pays : France

Année : 2002 – 2004

Réalisation : Christelle Lheureux et Apichatpong Weerasethakul

Scénario : Christelle Lheureux et Apichatpong Weerasethakul

Image : Christelle Lheureux et Apichatpong Weerasethakul

Montage : Christelle Lheureux et Apichatpong Weerasethakul

Interprétation : Tiana Mille avec les voix de Christelle Lheureux et Wachana Koomklong

Production : Pavillon Palais de Tokyo à Paris

Article associé : L’OVNI Christelle Lheureux