La 6ème édition du Festival Format Court s’est achevée joyeusement ce dimanche 06 avril 2025 au Studio des Ursulines (Paris, 5ème), en présence de notre parrain, Vincent Macaigne, nos 3 jurys et les équipes de films primés.
Cette semaine, nous avons mis à l’honneur le cinéma dans sa grande et belle diversité à travers de nombreux rendez-vous : 4 séances compétitives, 4 thématiques (Vincent Macaigne, Ville de Paris, Festival de Rotterdam, Lynch), 2 rencontres professionnelles, une Master Class avec Boris Lojkine et notre tout premier Lab. 80 invités (réalisateurs, scénaristes, comédiens, producteurs, programmateurs, directeurs de la photographie, compositeurs, preneurs de son, critiques, ..) ont participé à cette nouvelle édition. On en est ravi !
36 films ont été programmés au festival, en présence de nombreux spectateurs : près de 800 personnes ont assisté au festival, merci à eux !
Les 18 films sélectionnés cette année en compétition officielle ont été évalués par nos jurys. Un Prix du public a également été attribué par les spectateurs qui ont voté à l’issue de chaque séance pour leur film favori. Enfin, un pot de clôture a succédé à la remise des prix de cette sixième et fabuleuse édition !
Grand Prix : Adieu Tortue de Selin Öksüzoğlu. Dotation de 1 000 € remis par Format Court
Prix du scénario : Un Hijo & un Padre de Andres Ramirez Pulido. Deux consultations de scénaristes dotées par La Cité européenne des Scénaristes (valeur 800€)
Prix de l’image : Ambroise Pujo pour Tapage de Joséphine Madinier. Prêt de matériel lumière doté par Transpa pour un prochain tournage (valeur 1 500€ HT)
Prix de la création sonore : Fabrice Devienne, Noëmy Oraison, Thibault Macquart et Stéphane Huchard pour Sous le gel de Glasgow de Léo Devienne. Prêt de matériel son doté par Tapages & Nocturnes pour un prochain tournage (valeur 1 000€ HT)
Prix d’interprétation : Bétina Flender pour Une fille comme toi de Nathalie Dennes. Portrait prestige doté par le Studio Harcourt Paris
Jury presse
Composition : Manon Marcillat (Trois Couleurs, La perche est dans le cadre), Franck Finance-Madureira (FrenchMania, Têtu), Elie Bartin (Super Seven, Les Cahiers du Cinéma), Clément Colliaux (Libération, Critikat), Mathi Adjinsoff (Culture aux trousses)
Prix de la presse : Un Hijo & un Padre de Andres Ramirez Pulido. Abonnement d’un an offert à l’offre VOD de Bref Cinéma
Prix du Jury étudiant : Mille moutons de Omer Shamir. Abonnement d’un an offert à l’offre VOD de Bref Cinéma
Prix du public
Vote du public : Chère Louise de Rémi Brachet. Acquisition du film lauréat par la plateforme UniversCiné, abonnement d’un an offert à l’offre VOD de Bref Cinéma
Orbites, court métrage de Sarah Seené, vient de remporter le Grand Prix Canadien et le Prix de la Critique internationale FIPRESCI au festival Regard à Saguenay. Le film dévoile une série de conversations entre la réalisatrice et sa protagoniste Marie-Christine Ricignuolo, jeune femme qui a perdu la vue à cause d’un glaucome congénital. Marie-Christine réapprend à voir le monde et toute sa beauté, qu’elle a toujours énormément admirée, grâce aux bouts de ses doigts. Elle utilise désormais un nouveau sens pour absorber les plus belles choses du monde : la nature, les fleurs, le soleil, son enfant, son compagnon. La réalisatrice française, installée au Québec depuis 2016, nous raconte le parcours de création de son nouveau projet.
Format Court : En quoi ton travail de photographe influence-t-il ta manière de faire du cinéma ?
Sarah Seené : Mon langage réside dans l’image. Quand je réalise un film, ce sont les images qui naissent d’abord dans ma tête. J’en visualise précisément les cadrages, les couleurs, les textures. C’est pour cette raison que je me charge de la direction de la photographie et de la caméra. Je ne pourrais pas réaliser un film sans le filmer. C’est ma signature, mon regard. J’envisage mes films comme des photographies en mouvement. D’ailleurs, en tant que spectatrice, ce qui m’attire quand je vais voir un film au cinéma ou en festival, c’est l’image. La plupart du temps, je ne lis pas le synopsis en amont car j’aime me réserver la surprise de son contenu. C’est davantage le visuel ou l’affiche du film qui me pousse à aller le voir.
Le thème de l’anticapacitisme est très présent dans ton travail. Qu’est-ce qui t’a poussé à l’explorer et pourquoi ce sujet t’interpelle-t-il particulièrement ?
SS : Le handicap est un sujet auquel je suis sensible depuis mon enfance. J’ai grandi aux côtés d’une maman en situation de handicap. Je vis moi-même avec plusieurs handicaps invisibles (notamment des acouphènes permanents – auxquels j’ai dédié le court-métrage Le silence a disparu, 2020) et des douleurs chroniques. Je crois fortement que le handicap est très mal connu socialement parce qu’on manque de représentations et surtout de nuances. La plupart du temps, les personnes en situation de handicap sont montrées à travers des prismes et des regards misérabilistes, angéliques ou inspirateurs qui sont problématiques parce qu’ils continuent de perpétuer des stéréotypes. Depuis quelques années, mon travail en photographie et en cinéma se fonde sur des collaborations avec des personnes concernées par le handicap desquelles je brosse le(s) portrait(s) en prenant soin de ne pas les réduire à leur handicap. J’ai à cœur d’apporter de nouvelles représentations lumineuses et poétiques tout en cherchant à faire valser les tabous à propos du handicap.
Avais-tu déjà une relation avec Marie-Christine avant de tourner ce documentaire ? Comment ce rapport a-t-il influencé ton approche ?
SS : J’ai découvert Marie-Christine sur les réseaux sociaux au printemps 2021. J’avais à l’époque envie de réaliser un projet photographique à propos des mères ayant un handicap visuel. Je suis tombée sur son compte Instagram (@mariechristinericignuolo) en faisant mes recherches et j’ai été subjuguée par son naturel et son humour sur les vidéos qu’elle partageait pour parler de la cécité. Je l’ai contactée pour lui parler de mon projet. Elle a immédiatement fait preuve d’un grand enthousiasme et nous nous sommes retrouvées quelques jours après pour aller marcher ensemble au jardin botanique de Montréal. On a toutes les deux senti une grande connexion entre nous, ce fut le début d’une belle amitié. Dans les mois qui ont suivi, j’ai photographié Marie-Christine et son fils Liam. Pour voir ce que ça donnait, je les ai aussi filmé·es en Super-8 noir et blanc. En voyant le résultat sur la pellicule développée, j’ai pris conscience que mon projet à propos des mères aveugles allait se resserrer sur le portrait de Marie-Christine et qu’il allait prendre la forme d’un film. Je sentais qu’une grande profondeur et de belles possibilités créatives pourraient naître à travers un projet cinématographique.
Les images manipulées dans le film ont une esthétique très marquée. De quelles inspirations visuelles es-tu partie et quelle technique as-tu utilisée pour obtenir cet effet si singulier ?
SS : J’ai eu la chance de faire une résidence d’un an au centre d’artistes Main Film à Montréal entre 2022 et 2023. J’ai pu réaliser certaines séquences d’Orbites sur une tireuse optique incluant une caméra Bolex. C’est un dispositif qui permet de réaliser des effets « spéciaux », des manipulations analogiques à partir de footage Super-8 ou 16mm pour le rephotographier sur 16mm. Sur cette tireuse optique, j’ai beaucoup travaillé la technique du bipack qui m’a notamment été enseignée par les cinéastes Alex Larose et Erin Weisgerber. Le principe du bipack consiste à juxtaposer au moins deux pellicules en « sandwich ». Cette superposition analogique offre un résultat différent d’une superposition numérique au montage. Elle permet de créer des sortes de pochoirs dans les zones claires ou foncées en fonction du matériel source s’il est négatif ou positif. J’ai également utilisé de la peinture sur pellicule comme je l’avais fait avec Guillaume Vallée dans mon premier (Il fait gris dans ta tête, tout à coup, 2018) film co-réalisé avec lui.
Selon toi, que rajoute l’usage de la pellicule dans le film Orbites ?
SS : La pellicule fait partie intégrante du projet. D’abord, parce que j’ai très peu tourné : la plupart du temps, je filmais 10 minutes en tout sur une journée. Parfois moins, exceptionnellement plus. L’emploi de la pellicule induit une temporalité très lente et indéniablement une économie très différente du numérique. Chaque image tournée a un coût et comporte un risque de ne pas voir le jour (pour une multitude de raisons techniques) donc elle est très précieuse. Aussi, parce que quand j’ai tourné Orbites, je ne voyais pas l’image sur un écran, je ne pouvais pas vérifier les images qui ont été tournées. Je devais attendre que les pellicules soient développées puis numérisées pour voir les images. Comme je travaille toujours de cette manière, ça fait tout simplement partie de ma pratique. Ce qui a été nouveau avec Orbites, ça a été de travailler avec une tireuse optique après les sessions de tournage, comme je le mentionnais plus haut. Ça a été confrontant car c’est encore plus long et complexe que simplement tourner en pellicule. Cet apprentissage impliquant beaucoup d’essais-erreurs s’est révélé enrichissant et passionnant mais il a mis à l’épreuve mon corps et notamment mes douleurs chroniques car c’est un dispositif très physique. Une fois développée, lorsque la pellicule issue des sessions de tireuse optique donnait quelque chose qui me plaisait, je ressentais une joie extraordinaire parce qu’encore une fois, c’était précieux.
As-tu réalisé des repérages dans la maison de Marie-Christine avant le tournage ? Le film a-t-il été principalement découpé ou certaines images ont été captées de manière plus spontanée ?
SS : Nous avons souvent tourné dans l’appartement de Marie-Christine mais aussi dans d’autres lieux, notamment en extérieur, dans la nature. Le film a essentiellement été planifié. Comme j’ai créé des mises en scène avec des costumes, des accessoires, des éclairages particuliers (qui incluent parfois des animaux), il était indispensable pour moi de planifier. Pour le tournage d’Orbites, j’ai même dessiné mes images dans un cahier avant de les tourner sur lequel je me basais à chaque session. Cependant, il y a quand même eu quelques rares prises que j’ai choisi de tourner sur le moment, notamment une séquence en noir et blanc où Marie-Christine fait danser des bulles près d’un lac sous la pluie. Pour l’anecdote, un gros orage commençait tout juste à gronder et la pluie à tomber mais j’ai quand même voulu qu’on tourne quelques minutes car la lumière était incroyable.
La musique du film crée une atmosphère hypnotique, onirique. Comment s’est déroulé le travail sur la bande sonore et quelle était l’intention derrière cette approche musicale ?
SS : Depuis le début du projet de film, je souhaitais faire appel à la compositrice et harpiste Sarah Pagé dont j’ai connu le travail quand elle collaborait avec la chanteuse Lhasa. J’ai été honorée qu’elle accepte de composer la musique d’Orbites. Je savais que nos univers allaient merveilleusement fonctionner ensemble. C’est à partir des rushes que je lui envoyais au fur et à mesure des numérisations pendant qu’elle était en résidence au Japon que Sarah travaillait sur la musique du film. Pendant que je commençais le montage image, elle m’a proposé une première mouture qui m’a totalement séduite. On a gardé cette base originale à la harpe électronique qu’elle a par la suite agrémenté d’autres sons. J’avais le désir que le public se sente enveloppé par le film. Je voulais que la musique nous invite dans la bulle de Marie-Christine pour qu’on passe un moment avec elle. Son travail musical est combiné à celui du concepteur sonore Andrés Solis Barrios qui a fait un travail remarquable lui aussi. J’ai donné comme consigne à Andrés de travailler à partir de sons caressant et duveteux. Il a également travaillé avec une gamme de sons maritimes et lunaires très subtils, à peine perceptibles, qui ajoutent énormément à l’atmosphère poétique dont je rêvais pour ce film.
Comment s’est déroulé le processus de montage ? Y avait-il beaucoup d’extraits de l’interview que tu as choisi de ne pas intégrer ?
SS : Le montage a été un grand défi pour moi, pour une raison technique : le laboratoire avec lequel je travaillais pour le développement des pellicules a eu un bris de machine. Une grande partie de mes images m’a donc été livrée avec… trois mois de retard ! Ce qui veut dire que j’ai fait mon montage-image dans un premier temps avec très peu de footage. En attendant, j’ai dérushé le son et j’ai beaucoup travaillé le montage son pendant ces trois mois. Cette contrainte technique s’est finalement révélée intéressante parce que j’ai pu travailler en profondeur le propos du film par l’agencement des voix. J’ai finalement fait le montage-image sur les deux dernières semaines avant le calendrier de post-production. Ça a été un gros rush pour moi et mes collaborateur·ices mais on a su s’adapter.
Comment perçois-tu les différences entre les milieux du cinéma, et en particulier du court métrage, au Québec et en France ?
SS : Ce qui me plaît au Québec, c’est qu’il y a un champ des possibles immense pour qui souhaite devenir artiste. Je suis autodidacte et je n’ai pas de diplôme qui me valide en tant qu’artiste. Mon expérience personnelle me laisse penser qu’il est plus difficile en France d’être considéré·e comme artiste si on n’a pas fait les Beaux-Arts, une haute école ou si une institution réputée ne nous a pas dit « C’est bon, tu es artiste ». Le milieu de l’art y est très académique et très élitiste. Au Québec, artiste est un métier. En France, c’est différent, la perception de l’artiste me semble souvent erronée. À Montréal et au Québec en général, on trouve une communauté de cinéastes hyper vibrante. Les sphères du cinéma documentaire et du cinéma expérimental que je côtoie sont « tissés-serrées » comme on dit ici. Le mentorat est très développé au Québec, tout comme le réseautage. On se rencontre, on collabore, on s’engage plus facilement qu’en France, selon moi. On se sent plus vite à sa place dans le milieu du cinéma et notamment du court-métrage. Et puis, les Conseils des arts qui octroient des subventions permettent de réaliser des films sans forcément devoir dépendre d’une boîte de production, ce qui me semble assez rare en France.
Quel rôle joue le festival Regard dans la diffusion et le parcours du film Orbites ?
SS : Regard présente la première mondiale du film. Je suis extrêmement heureuse qu’elle ait lieu dans ce festival dans lequel je me rends pour la toute première fois. J’en ai entendu énormément de bien. Regard offre justement beaucoup d’opportunités de rencontres nationales et internationales et il présente des films de cinéastes dont j’adore le travail. Et puis symboliquement, j’aime le nom de ce festival que je perçois comme un écho paradoxal à mon court-métrage qui aborde la cécité. D’ailleurs, le lendemain de la projection à Regard, je présenterai une projection spéciale d’Orbites en vidéo-description dans une bibliothèque en marge du festival pour un public de personnes aveugles et malvoyantes.
Ça y est ! Nous sommes ravis de vous annoncer le programme complet du Festival Format Court 2025, qui démarre le mercredi 2 avril au Studio des Ursulines (Paris 5e). Cette année encore, nous célébrons du mercredi 2 au dimanche 6 avril la créativité et l’innovation cinématographique avec la présence de nombreux invités (jurys & équipes de film). De très nombreux professionnels sont attendus pendant ces 5 jours de festival !
Le festival s’annonce intense avec 4 séances de compétitions ainsi que 4 séances thématiques, sous le parrainage de Vincent Macaigne. La soirée de clôture, avec l’annonce du palmarès, promet d’être un autre temps fort de cette 6ème édition.
Restez informé des dernières nouvelles et mises à jour sur nos réseaux sociaux. Le catalogue de la manifestation est disponible et téléchargeable dès maintenant.
Programmation
Ouverture du festival. Focus Parrain : Vincent Macaigne, mercredi 02 avril à 18h30, en sa présence. Billetterie sur place et en ligne.
Ce qu’il restera de nousde Vincent Macaigne, fiction, 39′, 2011, France, Kazak Productions, Grand Prix, Prix de la presse Télérama et Mention spéciale du Jury jeunes au Festival de Clermont-Ferrand 2012, nommé au César du meilleur court-métrage 2013
Un monde sans femmesde Guillaume Brac, fiction, 57′, 2011, France, Année Zéro, Nonon Films, Prix du meilleur court-métrage 2011 décerné par le Syndicat Français de la Critique de Cinéma, Grand Prix Europe et prix Cinécinéma au Festival de Brive en 2011, nommé au César du meilleur court-métrage 2012
Adieu tortue de Selin Öksüzoğlu. Fiction, 24’, France, 2024, Apaches films, Préludes, Sis Films. Sélectionné au Festival de Berlin 2024
Better than Earth de Sherif El Bendary. Fiction, 23’, Égypte, Suède, France, 2024, Fikra, Les Cigognes Films, Studio Africa Films. Sélectionné au Festival du Film Francophone de Namur 2024
Miracle à Maiori d’Anouk Baldassari-Phéline. Documentaire, 30’, Italie, France, 2024, autoproduction. Première du film. En présence de la réalisatrice et d’Antoine de Baecque critique et directeur de thèse
Qu’importe la distance de Léo Fontaine. Fiction, 18’, France, 2023, Offshore. Sélectionné au Brussels Short Film Festival 2024. En présence du réalisateur, de la comédienne Sylvia Homawoo et des producteurs
Rencontre professionnelle. Atelier de la SRF (complet !), jeudi 03 avril, 15h30, Mairie du 5è : « La collaboration entre compositeur, superviseur musical et cinéaste : de la rencontre à la création ». Intervenants : Valentin Hadjadj (compositeur), Varda Kakon (superviseuse musicale), Stéphane Ly-Cuong (cinéaste) et Michel Petrossian (compositeur). Atelier animé par Quentin Lazzarotto et Bojana Momirovic (cinéastes membres de la SRF).
– Atelier gratuit, dans la limite des places disponibles
– Réservations obligatoires : coordinationformatcourt@gmail.com
– Merci d’indiquer votre nom et prénom et de préciser si vous êtes membre ou non de la SRF
C’est dimanche ! de Samir Guesmi, fiction, 30′, 2008, France, Kaléo Films. Prix du public au Festival de Clermont-Ferrand 2008. En présence du réalisateur
Negative space de Max Porter & Ru Kuwahata, France, 2017, 6’, Animation, 5’, France , 2017, Ikki Films. En lice pour l’Oscar du meilleur court-métrage d’animation 2019
Cola de León de Sonia Franco, Fiction, 22’, France, 2023, Micro climat studios. Sélectionné au Seattle Latino Film Festival 2024. En présence de la réalisatrice
L’heure de l’ours de Agnès Patron. Animation, 14’, France, 2019, Sacrebleu Productions. César du meilleur court-métrage d’animation 2021. En présence de la réalisatrice
Joana dans l’univers de Jonathan Millet, Fiction, 20’, France, 2023, Films Grand Huit. Sélectionné au Festival Côté Court 2024. En présence du producteur Jules Reinartz
À Marée haute de Camille Fleury. Fiction, 30’, France, 2024, Les 48° Rugissants. Sélectionné au FIFIB 2024. En présence du producteur Victor Thomas, de la comédienne Luna Hô Poumey et du comédien Maxime Roy
Esquisse d’Albert d’Hugues Perrot. Fiction, 17’, France, 2024, Hippocampe Productions. Première du film. En présence du réalisateur et du producteur Jordane Oudin
1 Hijo & 1 Padre d’Andrés Ramírez Pulido. Fiction, 25’, France, Colombie, 2024, Alta Rocca Films, Valiente Gracia. Sélectionné au festival de Locarno 2024
La Fille qui explose de Caroline Poggi et Jonathan Vinel. Animation, 19’, France, 2024, Atlas V. Sélectionné au festival de Locarno 2024. En présence des réalisateurs
Car Wash de Laïs Decaster. Documentaire, 13′, France, 2024, Lorca Productions. Prix Jean Vigo du court-métrage 2024. En présence de la réalisatrice (sous réserve)
Rencontre professionnelle. Table ronde réalisateur·ices & producteur·ices(complète !), vendredi 4 avril à 15h30, Mairie du 5è (Salle Agora) : « Écriture, développement, réseautage : comment construire son parcours et son projet jusqu’au dépôt aux aides sélectives ». Intervenants : Morad Kertobi, chargé de mission court métrage et première œuvre au CNC, échangera avec la réalisatrice Cristèle Alves Meira et le producteur Lionel Massol (Films Grand Huit)
Deluge de Meejin Hong, animation, 12′, 2024, États-Unis, autoproduction.
I wan’na be like you de Margit Lukács et Persijn Broersen, animation, expérimental, 13’, 2024, autoproduction, Pays-Bas, France, Belgique, Royaume-Uni, Allemagne.En présence de la réalisatrice Margit Lukács
My Brother, My Brother de Abdelrahman et Saad Dnewar, animation, 19′, 2024, Égypte, Allemagne, France, Punchline Cinéma, Dnewar Films, Milkman Films. Mention spéciale au Festival de Clermont-Ferrand 2025. En présence du réalisateur Abdelrahman Dnewar
Commute de Henry Hills, expérimental, 9′, 2024, autoproduction, Autriche, République Tchèque
Père et fille de Quentin Papapietro, fiction, 36′, 2024, France, Le plein de super, 10:15 Productions !. En présence du réalisateur et du producteur Julien Naveau
Sous le gel de Glasgow de Léo Devienne. Fiction, 30’, France, 2024, Dirty Tools, Zayanfim. Première du film. En présence du réalisateur et des comédiens Louise Ferry et Gaël Kamilindi
Mille moutons d’Omer Shamir. Fiction, 24’, France, 2024, La Cellule Productions. Sélectionné au festival de Clermont-Ferrand 2025. En présence du réalisateur
Une fille comme toi de Nathalie Dennes. Fiction, 19’, France, 2024, The Living, Kalpa Films. Sélectionné au festival d’Amiens 2024. En présence de la réalisatrice et du producteur Tristan Bergé
Adieu Émile d’Alexis Diop. Fiction, 25’, France, 2024, Barney Production, Remembers. Sélectionné au FIFIB 2024. En présence du réalisateur, de la productrice Judith Abitbol et des comédiens Benjamin Sulpice et Arthur Beaudoire
La toute première Master Class de Format Court aura comme invité Boris Lojkine, réalisateur et co-scénariste de L’Histoire de Souleymane, qui a obtenu deux prix à Cannes dans la section Un Certain Regard (Prix du jury, prix du meilleur acteur pour Abou Sangaré). Il a également obtenu quatre récompenses aux César : meilleur scénario original, meilleur montage, révélation masculine pour Abou Sangaré et meilleure actrice dans un second rôle pour Nina Meurisse.
Comment savoir…? de Joachim Larrieu. Fiction, 18’, France, 2023, J’ai grandi ici. Sélectionné au FIFIB 2024. En présence du réalisateur
Crave de Mark Middlewick. Fiction, 12’, France, Afrique du Sud, 2023, Jabu-Jabu, Rikiki Films. Sélectionné au Festival de Clermont-Ferrand 2024. En présence du comédien Thimotée Robart
The Oasis I deserve d’Inès Sieulle. Documentaire, expérimental, animation, 22’, France, 2024, Too Many Cowboys. Présélectionné au César du meilleur court-métrage documentaire 2024. En présence de la réalisatrice
Chère Louise de Rémi Brachet. Fiction documentaire, 24’, France, 2024, Mabel Films. Sélectionné au Festival Cinémed 2024. En présence du réalisateur et de la productrice Joséphine Moularque
TAPAGE de Joséphine Madinier. Fiction, 25’, France, 2024, Les Films du bazar. Sélectionné au Festival Que du Feu 2024. En présence de la réalisatrice
Focus David Lynch, dimanche 06 avril, 16h30. Séance présentée par Marcos Uzal, Rédacteur en chef des Cahiers du cinéma.Billetterie sur place et en ligne
Six Men Getting Sick de David Lynch, expérimental, 4′, 1967, États-Unis
The Grandmother de David Lynch, fiction, 34’, 1970, États-Unis
Out Yonder : Neighbor Boy de David Lynch, fiction, 11’, 2006, États-Unis
The Darkened Room de David Lynch, expérimental, 12’, 2006, États-Unis
Boat de David Lynch, expérimental, 8’, 2006, États-Unis
The Alphabet de David Lynch, expérimental, 4’, 1968, États-Unis
Remise des prix, Dimanche 06 avril, 19h. En présence des jurys et lauréats (en entrée libre)
En pratique
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg (sortie rue de l’Abbé de l’Épée), Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton (mais apprêtez-vous à marcher un peu…)
– Billetterie relative au festival sur place et en ligne
– Tarifs : 8,50€. Réduit : 7€. Masterclass Lojkine : 5€. Carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma
Achats en ligne majorés de 0,40€ par place (frais de gestion)
Cette année, le Festival Format Court a mis en place des nouveaux rendez-vous professionnels : le Lab, l’atelier SRF autour des interactions entre compositeurs, superviseurs musicaux et cinéastes, mais également une table ronde à destination des réalisateur·ices et producteur·ices. Le thème retenu pour cette première rencontre est : « Écriture, développement, réseautage : comment construire son parcours et son projet jusqu’au dépôt aux aides sélectives ».
Chaque année, un nombre très important de projets de courts-métrages se voient refuser les aides sélectives (régions, CNC…) permettant de financer son film. Le CNC constate, à travers l’expertise artistique des professionnels qui siègent au sein des commissions d’aides sélectives, qu’en grande partie, les dossiers reçus sont inaboutis : le dépôt peut être prématuré, l’auteur ou le producteur précipitent fréquemment des candidatures où l’on sent que le scénario et la trajectoire globale du projet ne sont pas suffisamment mûrs.
Il est certes question d’écriture et de réécriture, de lisibilité du projet et de ses intentions, mais également du parcours du cinéaste et/ou du producteur qui l’accompagne.
Lors de cette table ronde basée sur l’interaction avec le public, organisée le vendredi 4 avril prochain à 15h30 à la Mairie du 5è (Salle Agora), Morad Kertobi, chargé de mission court métrage et première œuvre au CNC, échangera avec la réalisatrice Cristèle Alves Meira et le producteur Lionel Massol (Films Grand Huit) qui partageront leurs expériences personnelles : les débuts, les premières demandent d’aides, l’intégration au réseau, la construction d’un parcours.
Entre informations et conseils, cette table ronde a pour vocation de préciser les facteurs essentiels qui impactent les chances de succès des projets de courts-métrages candidats aux aides sélectives, notamment du CNC.
En savoir plus sur nos invités
Comédienne de formation, Cristèle Alves Meira est d’abord metteuse en scène de théâtre. Elle a mis en scène Les Nègres, Splendid’s de Genet, Vénus de Suzan-Lori Parks au théâtre de l’Athénée-Louis Jouvet. Elle réalise un premier documentaire au Cap-Vert, Som & Morabeza, où elle se pose la question de l’immigration dans les milieux lusophones en Afrique à travers le thème de la musique ; puis, sous le prisme de la jeunesse angolaise pour traiter de ses réalités sociales avec Born in Luanda.
Elle réalise ensuite deux courts métrages de fiction, un film d’été et un film d’hiver, dans le village de sa mère au Portugal : Sol Branco sélectionné dans de nombreux festivals puis Campo de Víboras, sélectionné entre autres au Festival de Cannes à la Semaine de la Critique en 2016 où elle revient en 2019 avec Invisível Herói qui remporte au Festival de Clermont-Ferrand le Prix du Meilleur Film Européen. Son dernier court-métrage Tchau Tchau est sélectionné entre autres à Clermont-Ferrand 2021.
Son premier long métrage intitulé Alma Viva a été sélectionné à La Semaine de la Critique en 2022 et représente le Portugal aux Oscars en 2023. Il est sorti en salle au Portugal en octobre 2022 et en France en avril 2023 ainsi qu’à l’étranger (Suisse, Belgique, Espagne, Mexique, Brésil…). Elle développe actuellement son deuxième long-métrage Joe en co-production entre la France (les Films Pelleas, Take Shelter) et le Portugal (O Som e a Furia). Elle se prépare à tourner un prochain court-métrage Le Cri du Diable en France.
Diplômé de L’École des Gobelins, Lionel Massol commence à travailler à 21 ans en tant que chargé de production dans différentes sociétés de production cinéma. Il s’y découvre un réel intérêt pour la gestion au quotidien d’une société, le développement, le financement et l’accompagnement des auteurs. Sur le plan de la fabrication, il se spécialise dans la direction de post-production. En 2015, Lionel créé Films Grand Huit avec Pauline Seigland, rencontrée pendant ses études. En un peu plus de 7 ans, ils produisent une trentaine de courts-métrages sélectionnés dans les plus grands festivals internationaux (Semaine de la Critique, Locarno, Telluride, Venise, Toronto, Rotterdam, Palm Springs, Annecy, etc.). L’un de leurs films remporte le European Film Award du court-métrage en 2018, un autre le César du court-métrage 2019 et en 2022, deux autres de leurs films remportent le César du meilleur court de fiction et celui du meilleur court documentaire. Un de leurs courts a été shortlisté aux Oscars et deux ont été nommés aux Annie Awards. La société a remporté le Prix du jeune producteur France Télévisions en 2018 et le Prix Procirep du meilleur producteur de courts métrages en 2021. Aujourd’hui, ils accompagnent les réalisateurs.rices (Giacomo Abbruzzese, Jonathan Millet, Camila Beltrán, …) dont ils ont produit les courts vers le long métrage.
Morad Kertobi est chargé de mission au CNC. Après avoir géré plusieurs mécanismes d’aide (programmes audiovisuels, aide au développement de scénarios de long métrage), et animé le Département Court métrage, il est actuellement en charge de l’accompagnement des auteurs émergents du court métrage.
En pratique
– Atelier complet – Atelier gratuit dans la limites des places disponibles – Vendredi 4 avril 15h30, Mairie du 5e (salle Agora) – Réservations sur : coordinationformatcourt@gmail.com
Mercenaire (2024), dernier court-métrage du cinéaste montréalais Pier-Philippe Chevigny, fait l’actualité des festivals francophones. Il a fait ses débuts au Festival international du film de Toronto, 2024 (en première mondiale), figurant dans le TIFF’s Top Ten et a reçu le Prix spécial du jury international à Clermont-Ferrand. Aujourd’hui, le réalisateur présente son film au Festival Regard à Saguenay, où il a été membre du jury en 2024.
Dans Mercenaire, nous suivons David, un ex-détenu récemment libéré qui se voit contraint de travailler dans un abattoir afin de pouvoir se réinsérer dans la société. Angoissé par la violence de son lieu de travail, il cherche un emploi dans divers domaines, mais se heurte constamment au refus des employeurs, une réalité sociale au Québec, où l’industrie des abattoirs accueille énormément d’anciens prisonniers qui n’arrivent pas à s’insérer dans d’autres professions. Malgré la contradiction apparente – un homme condamné pour meurtre se sent oppressé dans un abattoir –, la mise-en-scène immersive nous rapproche du protagoniste, suscitant une empathie essentielle à notre engagement dans l’histoire.
Format Court : Ayant grandi dans une région marquée par la présence du crime organisé, tu as réalisé un film qui traite d’un sujet que tu connais personnellement. Comment crois-tu qu’un rapport personnel impacte le processus de création et de production d’un film ?
Pier-Philippe Chevigny : C’est certain qu’il y un investissement émotionnel particulier de la part du créateur, et peut-être une plus grande liberté aussi d’aborder un sujet en toute confiance et en toute connaissance de cause. Toutefois, je ne pense pas que ça garantisse forcément un meilleur film, ni un film plus authentique. La plupart des films que j’ai faits s’intéressaient à des sujets très loin de moi et j’arrivais à m’en approcher par un rigoureux travail de recherche. Pour moi, le cinéma c’est souvent l’occasion, justement, de s’intéresser à l’autre. Non pas que les questions de souveraineté narrative ne soient pas pertinentes; au contraire, il faut y être sensible et on ne peut pas dire n’importe quoi. Mais il y a une façon de le faire qui est longue et exige beaucoup d’écoute.
Le format carré impose une proximité accrue avec l’acteur, mettant en avant les nuances subtiles de son personnage, souvent sous une tension constante. Quels ont été les défis et les avantages de l’utilisation de ce ratio d’image dans Mercenaire ?
PPC : Au départ, l’idée du format carré est venue d’un raisonnement éthique : il s’agissait de cacher le plus possible l’abattoir lui-même, de montrer le moins possible la souffrance animale. Il s’agissait de reléguer tout cela à l’arrière-plan pour concentrer notre attention sur le personnage de David. Le choix d’un ratio d’image étroit était donc une façon de refermer le cadre le plus possible. En revanche, ça accentuait l’effet d’enfermement que l’on ressent dans le film. C’est l’histoire d’un homme qui sort de prison et qui se rend compte qu’il n’est toujours pas libre : il est, de facto, emprisonné dans ce cadre étroit et étouffant. Je pense que le spectateur le ressent aussi comme un effet d’emprisonnement.
Le découpage semble minutieusement calculé, avec des mouvements de caméra précis qui suivent les gestes du personnage. Comment s’est fait ce processus ? Pourquoi as-tu choisi de ne pas travailler avec une caméra fixe ?
PPC : Mercenaire s’inscrit dans la continuité de mes films précédents, où les choix de mise en scène convergent vers le désir de générer un effet d’immersion dans le récit. Il s’agit de placer le spectateur dans la posture d’un accompagnateur, quelqu’un qui serait présent aux côtés du protagoniste en guise de soutien moral. Le choix d’une caméra portée “à « hauteur d’homme », comme le veut la fameuse expression, qui suit David à la trace provient donc de ce désir d’inviter le spectateur à sentir presque une certaine responsabilité à l’égard de cet homme. Mercenaire, c’est aussi l’histoire d’un homme rejeté de tous, qui n’a personne à ses côtés… à l’exception du spectateur lui-même. Le choix des cadrages en plongée dans la nuque de David converge aussi dans cette direction : on a l’impression d’être juste derrière lui, on pourrait presque tendre la main, la poser sur son épaule pour tenter de le rassurer…
Les sons des machines dans l’abattoir fonctionnent comme une musique soulignant la tension de certaines scènes. Est-ce qu’ils ont été manipulés pour avoir une plus grande vitesse où sont-ils vraiment fidèles aux sons des machines ? Comment as-tu pensé à cette incorporation ?
PPC : Toute la bande sonore est une pure reconstruction en post-production. Nous avons tourné dans un véritable abattoir, mais c’est une entreprise fermée depuis plus de 6 ans. L’espace était tel quel et toute la machinerie s’y trouvait, mais rien n’était réellement activé pendant que nous tournions. Le bruit des machines, de la ventilation, tout comme les cris des cochons sont donc totalement recréés. C’est certain que, vu le dispositif visuel particulier du film, qui cache davantage qu’il ne montre, le son s’avérait très important pour prolonger le hors champ et nous permettre de croire à cet univers. Mais aussi, le son prend dans le film une valeur expressive : avec ce bruit assourdissant, on ressent encore plus l’hostilité de cet environnement de travail.
Pourquoi avoir choisi de ne pas beaucoup nous raconter le crime de David ? Que crois-tu que ce choix narratif apporte au spectateur ?
PPC : Nous savons qu’il a tué quelqu’un, c’est tout ce qui importe vraiment. Je ne suis pas le plus grand fan des flash-backs au cinéma, ça ne me semble pas important de comprendre les circonstances de son crime. D’autre part, le film choisit de ne pas porter de jugement sur David, de ne pas le condamner. Peu importe ce qu’il a fait auparavant, on rencontre un homme sensible qui fait tout ce qu’il peut pour se libérer de sa propre violence, et c’est la société capitaliste qui l’y condamne.
Comment s’est déroulé le processus de casting ?
PPC : Pour presque la totalité des rôles, j’y suis allé avec des gens avec qui j’avais déjà travaillé par le passé, notamment sur mon premier long-métrage Richelieu (sorti en France sous le titre Dissidente en 2024). Plusieurs de ces rôles ont été écrits avec ces comédiens en particulier en tête : puisque je les connais, puisque je sais comment ils peuvent livrer telle ou telle réplique, ça me permet plus facilement d’anticiper et de visualiser le résultat final. Il n’y a donc pas eu d’audition, puisque j’étais en terrain connu !
Tu as déjà réalisé un long-métrage, Richelieu (2023). Quelles sont les principales différences entre travailler sur un long et sur un court ?
PPC : Ça a été un réel plaisir de retourner au court après le long. Je pense que c’est un exercice très productif, car à bien des égards, faire un court-métrage est plus difficile que de faire un long. C’est plus difficile de générer de l’empathie pour un personnage en 15 minutes qu’en deux heures. Après Richelieu, je me suis lancé rapidement dans le développement de mon deuxième long-métrage et, sachant qu’en moyenne ça prend cinq ans pour financer un long-métrage au Québec, j’ai eu le désir de me lancer dans ce projet de court-métrage pour me tenir actif dans l’intermède. C’est beaucoup de travail faire un court-métrage… Bien que le nombre de jours de tournage soit moindre, c’est souvent autant de préparation pour rechercher et rendre vivant cet univers qu’on tente de créer.
Cette année, le cinéma a perdu un immense metteur en scène, un explorateur des tourments humains et des recoins les plus sombres de l’âme, un créateur à la sensibilité unique, illuminée d’humanité.
Alors qu’il se destine à devenir peintre-plasticien, David Lynch fabrique sa première création cinématographique, Six Men Getting sick, un tableau-film où le cinéma s’impose comme une évidence. Sans jamais abandonner son tablier d’artiste, il enfile alors la casquette de cinéaste et enchaîne ses premiers films : The Alphabet, The Grandmother, puis Eraserhead, son premier long, amorçant ainsi une carrière jalonnée d’œuvres cultes.
Entre deux longs-métrages, Lynch continue d’explorer le format court. Au début des années 2000, il prend une petite caméra digitale de mauvaise qualité comme outil de travail. Libéré de toutes contraintes financières et matérielles, il se saisit des images à la résolution médiocres pour laisser apparaître son univers étrange. Véritables laboratoires d’expérimentations esthétiques, ces films lui permettent d’affiner son univers : du noir profond des chambres obscures aux blancs surexposés de la lumière du jour, entre larmes, confusion et désespoir… mais aussi avec une touche d’absurde et d’humour !
A l’occasion du festival, Format Court est heureux de rendre hommage à son œuvre le dimanche 6 avril à 16h30 grâce à une immersion dans ses courts-métrages figurant au catalogue MK2. On vous propose une sélection de ses premiers courts-métrages tournés en pellicule et de ses courts-métrages en digital, tournés entre 1967 et 2006. Pour présenter cette séance exceptionnelle, Marcos Uzal, Rédacteur en chef des Cahiers du cinéma, sera notre invité.
Programmation (billetterie accessible sur place mais aussi en ligne)
Six Men Getting Sick de David Lynch, expérimental, 4′, 1967, États-Unis
Six figures humaines grotesques vomissent.
The Grandmother de David Lynch, fiction, 34’, 1970, États-Unis
Un jeune garçon malheureux plante une graine étrange qui donne naissance à une grand-mère.
Out Yonder : Neighbor Boy de David Lynch, fiction, 11’, 2006, États-Unis
Deux amis font la rencontre d’un immense monstre humanoïde, le petit voisin.
The Darkened Room de David Lynch, expérimental, 12’, 2006, États-Unis
Une japonaise nous fait visiter son appartement. Soudain, elle évoque la tristesse de son amie qui habite l’appartement d’à côté.
Boat de David Lynch, expérimental, 8’, 2006, États-Unis
Une femme est embarquée sur un bateau pour un trip hébété qui l’emmène vers une destination inconnue.
The Alphabet de David Lynch, expérimental, 4’, 1968, États-Unis
Une femme fait un cauchemar sombre et absurde où elle récite l’alphabet.
En pratique
– Focus David Lynch, dimanche 6 avril 2025, 16h30
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg, Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton.
– Billetterie sur place et en ligne
– Tarifs : 8,50€ Réduit : 7€. Carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma. Achats en ligne majorés de 0,40€ par place. – Événement Facebook
Synopsis : Parce qu’elle a perdu la vue il y a quelques années, Marie-Christine explore la vie d’une manière sensible, depuis la pulpe de ses doigts. À travers son expérience personnelle, elle éveille son fils à la curiosité et à l’émerveillement que lui inspire la beauté de l’univers. Rassemblant une constellation d’images analogiques texturées et un bouquet de nappes sonores caressantes, Orbites incarne une plongée dans la mémoire sensorielle de Marie-Christine et mène une réflexion sur l’aspect fondamental de l’amour et de la transmission.
Selon Pasolini, la poésie ne réside pas dans les livres ou les films, mais dans la vraie vie où nous rencontrons des moments de pure émotion. Dans le documentaire Orbites, de Sarah Seené, nous accompagnons Marie-Christine, une jeune femme quebecoise qui a vécu toute sa vie plongée dans la poésie, qui a toujours vu de la beauté autour d’elle, qui s’est émerveillée devant les couleurs des fleurs et la lumière du soleil. Pourtant, Marie-Christine a perdu la vue il y a quelques années. Capable désormais de voir uniquement des perceptions lumineuses, elle cherche, depuis, à retrouver cette beauté avec la pulpe de ses doigts.
Orbites, film canadien réalisé par une cinéaste française, fait sa première mondiale au festival québécois Regard, le plus important rendez-vous du court-métrage en Amérique. Le film participe à la compétition officielle du festival et est éligible à 5 prix différents, y compris le Grand Prix Canadien.
Pour filmer le personnage, sa famille, son univers, et la nature, la réalisatrice Sarah Seené nous propose un contraste entre des images nettes et classiques et des manipulations de pellicule qui génèrent des vues floues, parfois semblables à des tâches ou à des cellules, unités fondamentales de la matière physique. C’est par cette matière qu’aujourd’hui Marie-Christine perçoit la beauté du monde, utilisant ses mains et non ses yeux. Ces figures forment des constellations, comme des planètes dans une orbite. L’image d’une éclipse solaire, passant de la lumière à l’obscurité, s’associe à celle d’un globe oculaire qui perd sa capacité de vision.
Dans le film, la narration et les visuels sont étroitement liés. Nous entendons la protagoniste parler de comment elle arrive toujours à voir le monde lorsque les images deviennent de plus en plus floues et les couleurs se perdent les unes dans les autres. Marie-Christine explique la passion qu’elle avait pour les pigments de la nature, et la réalisatrice dévoile ces tons à travers le grain du 35 mm, qui les rend non seulement encore plus magnifiques, mais nostalgiques, en accord avec ce personnage qui ne peut plus partager le plaisir visuel, mais qui garde en tête toutes les images qu’elle a vues pendant 30 ans. Le film est un exemple formidable de la manière dont la technique et la poésie se complètent en faveur de l’art cinématographique, le support de la pellicule étant utilisé en faveur du récit.
Les éléments évoqués possèdent aussi une importante dimension tactile : la neige, les fleurs, le soleil, dont la protagoniste aime sentir la chaleur sur la peau… Sa connexion avec la nature n’est pas perdue, mais se traduit via ses autres sens. Elle n’a pas besoin de voir le visage de son compagnon, car tenir sa main établit entre le couple une connexion qu’aucun autre sens ne pourrait former.
La musique méditationnelle nous plonge dans un état de rêve, le seul moment qui brise le silence visuel de Marie-Christine. Lors de son sommeil, elle voit toujours des images. Tout le court-métrage pourrait être, donc, un rêve de la protagoniste, où elle se contemple de l’extérieur, avec sa nouvelle condition, à redécouvrir le monde et à le partager avec son enfant.
Le film commence sur une note personnelle et même médicale, puis il passe en douceur au thème de la famille. Rester forte et positive devient pour Marie Christine un devoir, car cela ne l’affecte plus uniquement en tant qu’individu, mais en tant que mère. Elle doit rester solide pour donner un exemple à son fils, atteint de sa même condition oculaire, un glaucome congénital.
Orbites est un film profondément fragile et émouvant, d’une finesse émotionnelle et esthétique épatante. Il réunit tout ce qu’il y a de plus délicat : les fleurs, l’enfant, l’amour d’un couple, le toucher, la voix douce. La sensibilité de Marie-Christine à percevoir (avec les yeux, les mains ou le cœur) la beauté dans chaque recoin est contagieuse et a sans nul doute touché la réalisatrice Sarah Seené, qui nous plonge dans cet univers envoûtant.
Du 19 au 23 mars 2025, se déroule la 29ᵉ édition du plus grand événement du court-métrage en Amérique : le Festival REGARD. C’est dans la ville québécoise de Saguenay que la manifestation fait vibrer la communauté locale depuis près de trente ans.
Les 38 programmes du festival présentent plus de 200 films issus de 65 pays différents. Parmi les pépites à ne pas manquer, figurent Orbites de Sarah Seené, Platanero de Juan Franck-Hernandez, Les Faux Sapins de Justine Martin et Mercenaire de Pier-Philippe Chevigny.
L’un des points forts de cette édition est la mise en valeur du cinéma québécois, avec 90 films locaux au programme et un focus dédié aux films tournés loin des grandes villes : Le 100% Régions. De grands noms du cinéma national seront présents lors de cette édition, comme Vincent René-Lortie, qui fera la première de son nouveau court-métrage A Dying Tree. L’auteur avait été nommé aux Oscars de 2023 pour son court métrage Invincible.
A Saguenay, la Compétition Focus constitue une vitrine pour des cinéastes émergents, et se déploie en 5 volets différents : Tourner à Tout Prix (auto-productions), 100 % Régions (qui dévoile la diversité culturelle et géographique du Québec), Americana (films de l’Amérique centrale et latine), Short & Queer (LGBTQIA+) et Regards Autochtones (cinéma des premières nations).
Le Festival est très ancré sur de fortes valeurs de diversité et d’inclusion, il s’engage depuis plusieurs années à créer un espace pour le cinéma autochtone. Le projet Regards Autochtones représente une compétition Focus axée sur le cinéma des Premières Nations, avec un prix spécifique dédié à cet effet, ainsi que plusieurs initiatives pour soutenir cette forme de cinéma.
« On essaie de proposer des activités pour tous les intérêts, d’ouvrir des fenêtres sur des mondes, des idées et des enjeux qui marquent le milieu cinématographique actuel », note à ce sujet la responsable du Marché du court, Mireille Tremblay-Caron.
Format Court couvrira pour la première fois le festival lors de sa 29ème édition. L’occasion d’en savoir plus sur la scène du court métrage québécois et sur la culture cinématographique du pays.
À l’occasion de sa 6ème édition, le Festival Format Court a le plaisir de convier pour la deuxième année consécutive la SRF (La Société des réalisatrices et réalisateurs de films) pour un nouvel atelier, organisé en partenariat avec le Festival. L’an passé, l’objet de la rencontre avait porté sur l’univers visuel des films, en présence d’un directeur artistique et d’une cheffe décoratrice. Cette année, le jeudi 3 avril, à 15h30, la thématique abordée lors de cette rencontre portera sur le sujet suivant : « La collaboration entre compositeur, superviseur musical et cinéaste : de la rencontre à la création ».
Les intervenants de cette rencontre (complète !) seront : Valentin Hadjadj (compositeur), Varda Kakon (superviseuse musicale), Stéphane Ly-Cuong (cinéaste) et Michel Petrossian (compositeur). L’atelier sera animé par Quentin Lazzarotto et Bojana Momirovic (cinéastes membres de la SRF).
Au cinéma, la musique complète l’image, les personnages et l’histoire. C’est une troisième dimension, une profondeur du récit. Dans certains films, elle joue même un personnage à part entière, comme dans la comédie musicale Dans la cuisine des Nguyen ou bien En fanfare (représentés par deux de nos intervenants) où les personnages principaux sont musiciens, compositeurs et même chefs d’orchestre. À travers cette table ronde, nous explorerons la collaboration entre compositeurs, cinéastes et superviseurs musicaux : à quel moment l’écriture de la musique intervient-elle dans la production d’un film ? Comment se déroule la collaboration entre plusieurs compositeurs sur un même projet ? Est-il important que les cinéastes aient une idée précise de la musique ? Quelle est la marge créative des compositeurs dans un film ? Quelle place occupe le superviseur musical ?
Les Ateliers de la SRF (Société des Réalisatrices et Réalisateurs de Films) ont été imaginés pour favoriser les rencontres entre le public et les cinéastes aspirants ou émergents. Ces temps d’échanges, organisés à l’occasion de festivals ou dans des structures de cinéma, sont gratuits et ouverts à tous. Ce sont des moments de transmission privilégiés sur des problématiques concrètes de la création, de véritables boîtes à outils pour les cinéastes de demain.
Nos invités
Valentin Hadjadj est un compositeur français dont le travail s’articule autour d’une musique hybride, combinant instruments et traitements acoustiques et électroniques, toujours axée sur la recherche d’une émotion complexe, entre intimité pudique et une certaine profondeur lyrique. Il est surtout connu pour ses collaborations avec Lukas Dhont (Girl, Close), Thomas Vinterberg (Families Like Ours) et Noé Debré (Le Dernier des Juifs). Son travail comprend une quinzaine de longs métrages tels que Paradise de Jérémy Comte, Rialto de Peter Mackie Burns, Boundary Waters de Tessa Blake, Un Monde Plus Grand de Fabienne Berthaud, Sous les Étoiles de Paris, Au Cœur du Bois, et Les Vieux, tous trois réalisés par Claus Drexel, ainsi que des projets de danse, des ciné-concerts, des documentaires et des séries télévisées. Les projets auxquels il collabore sont régulièrement sélectionnés au Festival de Cannes, à la Mostra de Venise, au TIFF, au BFI de Londres, aux César, aux Oscars et aux Golden Globes.
Stéphane Ly-Cuong a étudié le cinéma à Paris (Paris VIII, Atelier Scénario de la Femis) et à New York (Brooklyn College). Stéphane aime explorer les histoires de la diaspora vietnamienne comme dans son premier long-métrage Dans la cuisine des Nguyen et Saigon Song, son prochain projet. Il est également co-scénariste d’Hiver à Sokcho de Koya Kamura. En tant que comédien, on a pu le voir dans Emilia Perez de Jacques Audiard, ou dans la série Hippocrate de Thomas Lilti.
Musicienne de formation, après avoir obtenu un premier prix de chant classique à Schola Cantorum, Varda Kakon se consacre à la production de disques. Après avoir fondé sa société de productions indépendante, elle a dirigé le service artistique de Polydor pour Universal pendant 5 ans ainsi que celui de BMG France et a révélé et travaillé avec de nombreux artistes Français et internationaux. Elle a été également membre du jury de la première saison de « A la recherche de la nouvelle star » aux côtés de Lionel Florence, Dove Attia et André Manoukian. Depuis plus de 20 ans elle se consacre à la supervision musicale et à la production de score original pour le cinéma, la télévision et les plateformes. Elle a été présidente du syndicat des superviseurs musicaux français. Elle a supervisé la musique de plus de 200 films et séries, notamment celles des séries : Dix pour cent, Le baron noir, La fièvre, Cat’s eyes… ou des films comme La famille Bélier, Bac nord, Monsieur Aznavour, Django, Les illusions perdues, Ma mère, Dieu et Sylvie Vartan…
Diplômé du Conservatoire de Paris et lauréat du Grand Prix International Reine Elisabeth de composition, Michel Petrossian est actif dans les domaines de la musique de concert et de la musique de film. Il a été conseiller musical et compositeur de En fanfare d’Emmanuel Courcol (sélectionné à Cannes, 7 nominations aux César) et travaille régulièrement avec Robert Guédiguian (Gloria Mundi, Et la fête continue !, La Pie voleuse). Trois CD de ses bandes originales sont publiés par le label Plaza Mayor Company. Ses goûts musicaux sont très larges, allant du répertoire classique à la musique extra-européenne ou le rock progressif. Son savoir-faire lui permet d’utiliser tous les langages et styles musicaux nécessaires à un film, tout en préservant une signature personnelle.
Informations
– Atelier complet
– Atelier de la SRF, jeudi 3 avril 2025 de 15h30 à 17h30
– Mairie du 5e arrondissement : 21, place du Panthéon, 75005 Paris, 2e étage, suivre le fléchage
– Atelier gratuit, dans la limite des places disponibles
– Réservation obligatoire : coordinationformatcourt@gmail.com
– Merci d’indiquer votre nom et prénom et de préciser si vous êtes membre ou non de la SRF
Notre sixième édition approche à grands pas : le Festival Format Court aura lieu du 2 au 6 avril prochain au Studio des Ursulines (Paris 5). Voici la composition de notre jury professionnel qui évaluera les 18 films en compétition.
Formé à la Classe libre du Cours Florent en 2011-2012 puis au Conservatoire national supérieur d’art dramatique jusqu’en 2015, Félix Kysyl fait ses débuts au théâtre entre répertoire classique et contemporain. En parallèle, il fait également ses armes à la télévision dans des rôles récurrents dans Malaterra (2015), dans la mini-série de Michel Bussi, L’île prisonnière (2022) et dans La Fièvre (2024), série politique par le créateur de Baron noir. Au cinéma, après L’Amant d’un jour de Philippe Garrel, on le croise en 2017 dans le biopic consacré à Jean-Luc Godard, Le Redoutable, où il campe le réalisateur Jean-Pierre Gorin. Il partage ensuite l’affiche avec Gérard Depardieu et Catherine Frot dans Des Hommes (2020). En 2024, Alain Guiraudie lui offre le premier rôle de Miséricorde, qui lui vaudra une nomination au César de la meilleure révélation masculine.
Actrice et étudiante en sciences politiques, Clara-Maria Laredo est une jeune femme militante née en Corse, à Bastia, en 2003. Elle sera scolarisée à Ajaccio jusqu’à son départ après le baccalauréat pour Bruxelles. À 16 ans, elle fonde l’association SSP, « Sous le Seuil de Pauvreté », venant en aide aux plus défavorisés, tout en sensibilisant les jeunes à cette même cause. Parallèlement, elle s’engage en politique dans les rangs nationalistes corses. À 18 ans, elle entame des études de sciences politiques à Bruxelles et effectue un stage d’assistante parlementaire au Parlement européen, auprès du député Francois Alfonsi. C’est dans ce cadre que ce dernier lui propose d’écrire pour la revue autonomiste Arritti. Elle se lance alors dans la rédaction et rédige un article sur le film Enquête sur un scandale d’État de Thierry de Peretti. Plus tard, elle apprend que le réalisateur cherche de jeunes acteurs pour son prochain film et décide de participer au casting. C’est ainsi qu’elle fera son entrée dans le cinéma en interprétant le premier rôle du dernier film du réalisateur, À Son Image.
Koya Kamura est un réalisateur Franco-Japonais né à Paris. Diplômé de l’université de Cinéma à Paris VII, il étudie ensuite à Tokyo, à l’université de Keio. A son retour en France, Koya entre chez MTV et GameOne en 2007, puis à la Walt Disney Company en 2008. Koya Kamura renoue avec la fiction avec son premier court métrage Homesick en 2019 (sélection officielle, César 2021). En 2024, son premier long-métrage, Hiver à Sokcho avec Roschdy Zem et Bella Kim est sélectionné au TIFF de Toronto et au SSIFF de San Sebastian. Koya est actuellement en financement de son deuxième long-métrage, Demie Vie, un polar noir au cœur de Fukushima.
Considéré comme l’un des compositeurs les plus talentueux et prolifiques de sa génération, Amine Bouhafa a signé la musique de plus de 90 longs-métrages et séries télévisées. Après une formation aux Conservatoires de Tunis et de Paris, parallèlement à des études d’ingénieur en télécommunication, Amine Bouhafa reçoit en 2015 le César de la Meilleure Musique originale pour Timbuktu d’Abderrahmane Sissako. Il a par la suite écrit les musiques des films Les filles d’Olfa de Kaouther Ben Hania, La prisonnière de Bordeaux de Patricia Mazuy, Motel Destino de Karim Aïnouz, Le Sommet des Dieux de Patrick Imbert, Gagarine de Jérémy Trouilh et Fanny Liatard, Nos frangins de Rachid Bouchareb, Animalia de Sofia Alaoui, Les Harkis de Philippe Faucon, sélectionnés et la plupart récompensés dans les plus grands festivals tels que Cannes et Venise, ou même aux Oscars avec L’Homme qui a vendu sa peau et Les Filles d’Olfa de Kaouther Ben Hania. Il a également récemment signé la bande originale du film Ni chaînes Ni Maîtres de Simon Moutaïrou pour laquelle il reçoit une nomination pour le prix France Musique-Sacem de la musique de film, la série Le Monde de demain de Katell Quillévéré et Hélier Cisterne, et Tapie de Tristan Séguéla et Olivier Demangel. Il travaille actuellement sur la partition du film La petite dernière de Hafsia Herzi et de la série The Deal écrite par Alice Winocour et Jean-Stéphane Bron.
Jeanne Lapoirie achève sa formation à l’École nationale supérieure Louis-Lumière en 1984. Elle travaille plusieurs années comme assistante notamment avec Thierry Arbogast. C’est à ses côtés qu’elle rencontre André Téchiné qui lui fera faire son premier film comme directrice de la photographie en 1993, Les Roseaux sauvages. Le film est sélectionné au Festival de Cannes dans la section Un certain regard. Il remporte le prix Louis-Delluc et quatre César. Elle travaille ensuite aux côtés de nombreux réalisateurs et réalisatrices, français ou étrangers, tels que François Ozon, Robin Campillo, Arnaud des Pallières, Valeria Bruni Tedeschi, Catherine Corsini, Paul Verhoeven… sur plusieurs films sélectionnés dans de grands festivals tels que Cannes, Venise, Berlin, Locarno, Toronto… Elle a aussi travaillé avec Michel Houellebecq, pour ses films et pour son exposition au Palais de Tokyo. Elle a été nommée trois fois pour le César de la meilleure photographie, avec les films Huit Femmes, Michael Kohlhaas, et 120 Battements par minute. Elle est membre de l’AFC depuis 1994et du Collectif 50/50 qui a pour but de promouvoir l’égalité des femmes et des hommes et la diversité dans le cinéma et l’audiovisuel.
Après Damien Bonnard, Philippe Rebbot, Maïmouna Doucouré, Swann Arlaud, Bastien Bouillon et Florence Loiret Caille, nous avons le plaisir de vous révéler l’identité du parrain de la sixième édition du Festival Format Court (2-6 avril 2025) : le comédien et réalisateurVincent Macaigne.
Un programme de plusieurs de ses courts sera diffusé en ouverture du festival le mercredi 2 avril prochain, à 18h30 au Studio des Ursulines (Paris 5), en sa présence.
La billetterie est ouverte, vous pouvez dès à présent vous procurer vos entrées sur place et en ligne.
Acteur, auteur, metteur en scène et réalisateur, Vincent Macaigne intègre en 1999 le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. Parallèlement à sa carrière de comédien, Vincent Macaigne se consacre à l’écriture et à la mise en scène, et crée plusieurs spectacles marquants sur les principales scènes de théâtre françaises, comme le dernier Avant la terreur, librement inspiré de Richard III de William Shakespeare. Il travaille aussi au cinéma auprès des réalisateurs les plus aventureux de sa génération : Antonin Peretjatko, Olivier Assayas, Justine Triet, Mia Hansen-Løve… En 2022, il est nommé pour le César du meilleur acteur pour Médecin de nuit de Elie Wajeman, puis en 2023, pour le César du meilleur acteur dans un second rôle pour Les Choses qu’on dit, les choses qu’on fait d’Emmanuel Mouret.
En pratique
– Séance d’ouverture Vincent Macaigne le 02 avril 2025 à 18h30
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg, Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton.
– Billetterie relative à cette séance sur place et en ligne.
– Tarifs : 8,50€ Réduit : 7€. Carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma
Coup d’envoi du Festival Format Court le mercredi 02 avril à 18h30 au Studio des Ursulines (Paris 5e) pour la soirée d’ouverture en compagnie du comédien et réalisateur Vincent Macaigne, Parrain de notre 6ème édition !
Acteur, auteur, metteur en scène et réalisateur, Vincent Macaigne intègre en 1999 le Conservatoire National Supérieur d’Art Dramatique de Paris. Parallèlement à sa carrière de comédien, Vincent Macaigne se consacre à l’écriture et à la mise en scène, et crée plusieurs spectacles marquants sur les principales scènes de théâtre françaises, comme le dernier Avant la terreur, librement inspiré de Richard III de William Shakespeare. Il travaille aussi au cinéma auprès des réalisateurs les plus aventureux de sa génération : Antonin Peretjatko, Olivier Assayas, Justine Triet, Mia Hansen-Løve… En 2022, il est nommé pour le César du meilleur acteur pour Médecin de nuit de Elie Wajeman, puis en 2023, pour le César du meilleur acteur dans un second rôle pour Les Choses qu’on dit, les choses qu’on fait d’Emmanuel Mouret.
Ce qu’il restera de nous de Vincent Macaigne, fiction, 39′, 2011, France, Kazak Productions, Grand Prix, Prix de la presse Télérama et Mention spéciale du Jury jeunes au Festival de Clermont-Ferrand 2012, nommé au César du meilleur court-métrage 2013
Une histoire tragique, celle de deux frères qui font face à la mort de leur père. L’un a été aimé et l’autre injustement délaissé par le père qui ne lui laisse rien. Le favori, celui qui en a le moins besoin et qui est le plus désintéressé par l’argent hérite de tout.
Un monde sans femmes de Guillaume Brac, fiction, 57′, 2011, France, Année Zéro, Nonon Films, Prix du meilleur court-métrage 2011 décerné par le Syndicat Français de la Critique de Cinéma, Grand Prix Europe et prix Cinécinéma au Festival de Brive en 2011, nommé au César du meilleur court-métrage 2012
Une petite station balnéaire de la Côte Picarde, la dernière semaine d’août. En leur remettant les clefs d’un appartement de location, Sylvain fait la connaissance de deux séduisantes jeunes femmes. L’occasion rêvée de sortir ne serait-ce que quelques jours d’une vie solitaire dont les femmes sont désespérément absentes. très vite, Sylvain se rend indispensable à ses nouvelles amies. Mais les choses se compliquent lorsque les sentiments et surtout Gilles, un dragueur local sans scrupules viennent s’en mêler…
En pratique
– Séance d’ouverture Vincent Macaigne le mercredi 02 avril 2025 à 18h30
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg, Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton.
– Billetterie sur place et en ligne !
– Tarifs : 8,50€ Réduit : 7€. carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma. Achats en ligne majorés de 0,40€ par place. – Événement Facebook
Après avoir annoncé le Jury presse de notre 6ème Festival Format Court (02-06 avril 2025, Studio des Ursulines), voici la composition de notre Jury étudiant.
Antoine Jury a 24 ans est étudiant à l’EICAR et est passionné de cinéma, mais pas depuis si longtemps. Cette obsession lui est venue d’abord du dessin et de l’animation pour glisser vers la narration vidéo qui regroupe autant de détails que de possibilités de faire voyager le spectateur. Il aime mélanger les genres et les formats. Il est aussi tout autant curieux de courts que de longs, de la comédie à l’expérimental, du fou-rire à la déprime, il aime que le cinéma lui offre un peu de toute son infinie palette !
Yara Keyrouz, d’origine libanaise, est étudiante en Master 2 à Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Son goût pour le cinéma est né à son entrée à l’université pour faire sa licence au Liban, où elle y a découvert un monde plein de passion, d’émotions et de réflexions profondes. À travers ses études, Yara a exploré différentes facettes du cinéma, allant de l’analyse filmique à la réalisation, renforçat sa passion pour cet art. Son environnement, entouré d’amis également passionnés, l’a beaucoup inspirée et l’a poussée à toujours réaliser des projets ensemble. Après son arrivée en France, elle a voulu se plonger davantage dans cet univers, surtout que l’art et le cinéma sont ici particulièrement valorisés.
Nathan Laurent a 22 ans et est étudiant en management des médias à l’ESCP. Il se destine à la production déléguée et à l’écriture de scénarios. Issu d’une famille de créatifs et cinéphile insatiable, Nathan a un faible pour le cinéma d’animation et les films de genre.
Passionnée de cinéma depuis son plus jeune âge, Anna-Rose Lux est actuellement étudiante en première année de licence de cinéma à la Sorbonne Nouvelle, mineure Art et Média. A côté de ses études, elle assiste à de nombreux festivals tels que le FEMA à la Rochelle, War On Screen à Chalon, mais aussi le Festival de Cannes. De plus, elle anime un ciné club tout en étant bénévole à l’Etrange Festival de Paris. Elle a pour ambition d’intégrer un festival de renom en tant que Déléguée Artistique.
Raconter des histoires et susciter l’émotion chez un public a toujours été ce qui plaisait à Séraphin Massé qui a vite considéré le cinéma comme le moyen le plus fort pour créer et déployer des atmosphères riches en styles et en couleurs. Après avoir passé son bac en série générale, il étudie en Licence de Cinéma et audio-visuel à la Sorbonne Nouvelle. Il souhaite devenir réalisateur et scénariste. Il participe à mettre en place les projets de ses amis et à ajuster les dialogues de leurs personnages. Après s’être d’abord inspiré de films ou de romans pour écrire ses propres scénarios, il construit dorénavant ses récits avec et grâce à la musique qui lui permet d’entamer des réflexions et d’imaginer des univers. Il voudrait faire un cinéma symboliste, théâtral, stylisé et musical (généreux en mélodies, en leitmotiv). Le cinéma est l’art qui lie ses deux plus grands centres d’intérêt : la littérature et la musique.
Infos sympa ! Le Lab Format Court se dote d’un comité de sélection composé de 3 professionnel·les du cinéma !
Après avoir lancé notre 1er appel à scénario début mars, nous avons atteint très rapidement les 60 premiers projets reçus ! Merci à toutes les personnes nous ayant partagé leurs histoires singulières !
Les 3 auteurs-réalisateurs retenus seront annoncés prochainement !
Bernard Payen est responsable de programmation à la Cinémathèque française depuis 2011, il y organise des projections et des rencontres régulières dédiées à la jeune création cinématographique contemporaine. Ancien responsable du court métrage à la Semaine de la Critique, il a également réalisé plusieurs films (dont un, Mister H, au Brésil en (2013) et poursuit une activité journalistique en parallèle, notamment pour le magazine Court-Circuit (Arte) dont il est rédacteur en chef et Aligre FM, où il anime une émission régulière.
Après des études en France et aux États-Unis, Alice Kharoubi a rejoint l’équipe du Festival de Cannes, où elle a coordonné Cannes Court Métrage. Elle a ensuite été programmatrice des courts métrages pour l’Abu Dhabi Film Festival et a collaboré avec l’équipe de programmation du Festival Tous Écrans à Genève. Actuellement, elle est Directrice de la Programmation Cinéma au Marché du Film et membre du comité de sélection de la Compétition des Courts Métrages du Festival de Cannes. Elle contribue également au Red Sea Film Festival en tant que programmatrice et responsable du Souk Talents. Sensible à l’accompagnement des cinéastes émergents, elle s’est impliquée dans plusieurs initiatives dédiées au développement de projets.
Journaliste et critique de cinéma, Léo Ortuno travaille pour Arte (Court-Circuit, autour du court-métrage), Ciné+ (Forever Cinéma, sur le cinéma classique) et écrit pour Bande à Part et So Film. Il mène des activités de programmation et sélection pour le Poitiers Film Festival (films d’école) et le Festival de Contis (films européens) où il anime également les rencontres avec les cinéastes. Après 2 ans en tant que membre du comité de sélection court métrage de la Semaine de la Critique, Léo Ortuno en devient le coordinateur en 2024.
Notre sixième édition approche à grands pas : le Festival Format Court aura lieu du 2 au 6 avril prochain au Studio des Ursulines (Paris 5). Voici d’ores et déjà la composition de notre Jury presse qui aura pour mission de décerner le Prix de la presse à l’un des films en compétition.
Après des études à l’ENS Louis-Lumière, Clément Colliaux rejoint la rédaction de Critikat en 2022. Il œuvre depuis 2020 à la revue vidéo Prisme Cinéma, qui officie notamment sur Twitch. Nommé au prix Jeune Critique du Syndicat Français de la Critique de Cinéma, il écrit également pour Libération depuis 2024.
Franck Finance-Madureira est journaliste et critique de cinéma. Il dirige FrenchMania, site consacré au cinéma français et francophone et collabore aux revues Têtu, Trois couleurs et Strobo. Il est le président-fondateur de la Queer Palm, le prix LGBT+ du festival de Cannes qu’il a créé en 2010 et du Queer Palm Lab, un programme de mentorat d’un an et une résidence organisée avec le festival de Morelia au Mexique pour des cinéastes queers, lancé en 2024. Précédemment directeur de la publication du magazine Clap! et journaliste pour Canal+, Franck est membre du Syndicat Français de la Critique de Cinéma et a été membre de nombreux jurys internationaux de festivals à travers le monde (Teddy awards de Berlin, San Francisco, Guadalajara, Tel Aviv, Lisbonne, Turin, Belgrade, Milan …).
Journaliste cinéma passée longuement chez Konbini et membre du Syndicat Français de la Critique de Cinéma, Manon Marcillat officie également chaque semaine dans le podcast La Perche est dans le cadre et parfois dans les colonnes de Trois Couleurs et de Views.
Critique de cinéma, Elie Bartin est rédacteur en chef web de Super Seven. Il collabore également au site On se fait un ciné ainsi qu’aux Cahiers du cinéma, et il enseigne à l’Université Picardie Jules Verne à Amiens.
Après des études de littérature, puis de cinéma en écriture de scénario, Mathi Adjinsoff s’exerce à la critique de films aux Inrocks pendant quelques temps, avant d’intégrer la rédaction de la revue Culture aux trousses. Il entretient parallèlement une activité de programmateur au sein du collectif de La Clef, ainsi qu’une pratique d’écriture littéraire, et recherche à l’université du côté des transidentités dans le cinéma contemporain.
Auréolée du César du meilleur court métrage documentaire pour Les Fiancées du Sud, par écrans interposés, Elena López Riera revient sur sa filmographie attentive aux portraits de femmes et à l’oralité des récits. Elle nous parle de ses inspirations, ses envies, le féminisme et l’intime. Après trois courts-métrages, et un long-métrage de fiction, El Agua, elle revient au court-métrage avec un documentaire qui donne un espace de parole à des femmes matures sur l’amour, le mariage, le désir, couplé à une attention particulière vis-à-vis des gestes et rituels des archives de mariage. Avec une voix tendrement rauque, un bel accent qui n’éclipse pas sa parfaite maîtrise de la langue française, elle se livre tout sourire au jeu de l’entretien, dévoilant avec générosité ses obsessions d’artiste.
Format Court : Vous avez fait une thèse sur le cinéma argentin, vous avez enseigné la littérature comparée. Comment en êtes-vous arrivée au cinéma ? Qu’est-ce que le milieu universitaire a pu permettre dans votre parcours créatif, quelles en sont les traces dans votre cinéma ?
Elena López Riera : Je ne sais pas précisément quelles sont les traces, puisque pour moi, la pratique et la théorie vont toujours ensemble. Je ne peux pas faire du cinéma sans y penser, je ne peux pas penser le cinéma sans le faire. Finalement, c’est construire des discours, interroger le langage. Pour moi, vraiment, il n’y a pas beaucoup de différences entre la théorie et la pratique. J’imagine que ça m’a beaucoup servi aussi pour étudier le cinéma d’autres personnes et pour réfléchir sur les choix qu’on fait, surtout, je pense, au montage.
Faire du cinéma en Espagne aujourd’hui, qu’est-ce que cela implique comme enjeux ? Qu’est-ce qui a déterminé le choix de la co-production avec la France et la Suisse pour ce court-métrage ?
ELR : J’ai vécu longtemps entre Paris et Genève. C’est toujours le cas d’ailleurs. Pour moi, c’est complètement organique de travailler avec les trois pays qui m’ont accueillie, la Suisse pour faire mes études de doctorat et la France parce que j’ai beaucoup habité à Paris, j’adore Paris et que j’ai quand même baigné dans le cinéma français. C’est une partie de ma culture et de mon éducation sentimentale. Aussi parce que j’ai trouvé les bonnes personnes qui m’accompagnent et avec lesquelles j’ai grandi. Je ne conçois pas de continuer à faire des films sans mes partenaires, Alina Films du côté suisse et les Films du Worso du côté français. Pour moi, la co-production, ça a plus de sens que d’avoir de l’argent ici ou là, c’est vraiment une question personnelle.
Après trois courts-métrages, Pueblo, Las vísceras et Los que desean, vous réalisez un long-métrage, El Agua, sélectionné à la Quinzaine des cinéastes du Festival de Cannes en 2022. Avec les Fiancées du Sud, vous revenez au court-métrage. Pourquoi ? Qu’est-ce que ce format signifie pour vous ?
ELR : C’est une question qui revient souvent. J’ai envie de répondre, pourquoi pas. Le cinéma, c’est le cinéma, peu importe si ça dure dix minutes, cinq ou trois heures. Je ne me pose jamais des questions comme ça, spécialement pour ce film-là, qui est conçu d’une façon aussi viscérale, nécessaire et urgente. C’est un moment de ma vie où j’avais besoin de me confronter à ce sujet-là, à ces questions-là. Et du coup, je n’ai vraiment pas beaucoup pensé à la production, déjà. Même à la réalisation. Enfin, vraiment, c’était un film qui a été fait dans l’urgence de le faire. Ça dure le temps qu’on a estimé que ça devait durer avec mes monteuses. J’ai mis le même cœur, le même effort. C’est vraiment une question qui n’aurait jamais dû se poser dans le cinéma, puisque les premiers films sont des courts-métrages. Pour moi, c’est juste l’industrie qui dit qu’il y a des durées qui sont aptes pour sortir en salle et d’autres durées qui ne le sont pas. Pour ce film, j’ai eu la grande joie de pouvoir le sortir en salle commerciale en Espagne, en Colombie, bientôt peut-être en Suisse et au Mexique, et le public répond. Je pense que le public est plus audacieux et plus intelligent qu’on ne le pense. C’est du cinéma, point barre. Enfin, voilà, pour moi, la question ne se pose pas là. C’est vraiment une énorme fierté de pouvoir dire aujourd’hui qu’on l’a sorti au cinéma en salle, que les gens y vont. Le public change aussi. On vit dans ce monde où on est entouré de plusieurs formes de dispositifs, de durées, etc. Je pense que c’est plus les exploitants et les distributeurs qui se posent la question que le public. La preuve, c’est ce film.
Témoignages face caméra autour de récits, utilisation d’images d’archives, importance des personnages de femmes : il y a d’El Agua votre premier long métrage de fiction aux Fiancées du Sud des choses qui se sont transmises au niveau de la forme, comme du ton résolument féminin donné au film. Comment votre premier long métrage de fiction a pu nourrir ce court métrage ?
ELR : Ce sont des sujets que j’ai toujours plus ou moins abordés. Ça m’intéresse beaucoup d’interroger comment dans les espaces publics on a été quelque sorte forcés à performer une certaine masculinité, une certaine féminité. Heureusement c’est en train de changer mais je pense qu’il y a quand même une mise en scène de genres. Pour ce film, il y a une nouvelle dimension qui s’est ajoutée après El Agua, c’est l’oralité et la défense d’une parole qui ne se croit pas nécessaire. C’est ça qui m’inquiète beaucoup. Pour El Agua, on a fait beaucoup de castings pour ces femmes qui parlent face caméra et pour 99% de ces femmes la réponse était : “ Je ne peux pas faire le film parce que je ne sais pas parler.” Ça m’a choquée, ça m’a vraiment bouleversée, brisée en mille morceaux parce que je me suis dit : “Quel genre de société on est pour faire croire à des personnes qui sont factuellement en train de parler qu’elles pensent qu’elles ne savent pas le faire.” Je parle beaucoup de langage quand je parle de préparation de films parce que c’est dans cette phrase prononcée d’une façon peut-être anodine, légère, qu’ il y a pour moi une problématique qui est extrêmement délicate et qui me préoccupe beaucoup. C’est pour ça que j’ai voulu faire un film un peu old school. Les témoignages face caméra dans le domaine du documentaire c’est quelque chose qui est banni, moi je n’ai pas trouvé d’autres idées de mise en scène plus justes. Je n’ai pas trouvé de meilleure solution que juste filmer la parole, en toute simplicité, dans sa brutalité. Ça a été très important de revenir à une source d’un cinéma que j’admire et je ne suis évidemment pas la première à l’avoir filmé comme ça mais j’ai l’impression que de nos jours ça se fait peu.
Dans ce court-métrage, le cinéma devient une mosaïque, constituée de divers fragments, de témoignages de femmes. De ces récits individuels, vous souhaitiez tisser un souffle féminin universel ?
ELR : Oui, d’un côté oui. Pour nous dans le travail de montage qui était extrêmement important, on a beaucoup interrogé ces archives domestiques, familiales et elles nous ont parlé. On avait des a priori, des hypothèses. Très souvent l’image du mariage est réduite à l’image de la fiancée, c’est comme un symptôme de toute la problématique qui vient derrière. Dans toutes ces photos de fiancées issues de classes sociales complètement différentes, de géographies différentes, l’expression se ressemble. C’est là, dans la gestualité de tous les rituels de mariage, où on a réalisé avec mes monteuses qu’évidemment, c’est très frappant et concret : chaque histoire intime répond à un geste structurel. Mais suivant tout ce qui est lié à l’intimité, au sexe, à l’amour, aux affects, ça répond à des questions qui sont structurelles. On n’habite pas de façon individuelle les histoires du monde, et notamment dans des contextes comme l’intime, qui forcément convoquent d’autres personnes. Heureusement de nos jours, grâce à la théorie queer, et à toute la lutte contemporaine sur les droits de divergences sexuelles, c’est beaucoup abordé. Mais moi justement, je voulais aussi montrer en quelque sorte que la critique sur l’histoire de l’hétérosexualité féminine pourrait être aussi une forme de dissidence. C’est grâce aussi à ce film qu’on a fait la réflexion de comment, comme individu, on se met en scène dans une structure qui est plus grande que nous.
C’est le mariage et ses injonctions qui sont au cœur de votre film. Vous le filmez comme un rituel, une mise en scène de l’amour. Qu’est-ce qui a motivé cette idée de documentaire ?
ELR : Déjà parce que ça fait partie de mon éducation religieuse, culturelle, et que je n’aurais pas pu faire ce film il y a cinq ans, même si ça a toujours fait partie de mes obsessions. C’est au moment où j’ai eu 42 ans et que j’ai eu une énorme rupture amoureuse, que je me suis sentie seule, et le cœur brisé. J’ai réalisé que j’ai prononcé à voix haute cette affirmation qu’il y a dans le film : avec moi, c’est toute l’histoire qui remonte à la nuit de temps, celle des mères et des filles qui finit. C’est une affirmation anodine qui m’intéresse et m’interroge. Pour moi c’était fort, j’aime bien travailler de l’intime, avec ce qui m’arrive. Je ne pense pas que ça soit isolé, que ça ne corresponde pas à des structures plus grandes. Si je me sens seule, si j’ai peur, si je me sens coupable, c’est parce que dans mon éducation il y avait tout ça qui m’avait été transmis et que j’ai trahi en quelque sorte. Même si j’ai voulu trahir cet héritage, ce poids du mariage, c’est à partir de cette blessure que je parle. Le mariage concrètement, c’est un rituel, une tradition qui essaie de faire les choses les plus brutales au monde : mettre en scène l’acte le plus intime de l’être humain. C’est déjà impossible de décrire l’amour et chaque personne le vit d’une façon, on croit à chaque fois quand on tombe amoureuse que c’est pour la première fois que jamais personne n’a aimé comme nous. On ne peut pas le comparer, c’est ça qui me fascine. Il y a toujours un côté profondément intime et public en même temps. Dans les rituels de mariage, on essaie de mettre en scène quelque chose qui devrait appartenir au terrain du secret ou du mystère. Toute la communauté s’empare de ces rituels, on demande la virginité, la beauté, plein de choses. Si on y pense froidement, c’est juste la célébration de l’union des deux personnes. Comme Chantal Akerman, il faut que je pose toujours mon regard sur les choses qu’on regarde tous les jours, parce qu’à force de les regarder on n’y voit plus rien. Ça vaut le coup de revenir à ce qu’on voit tous les jours pour nous rendre compte combien les symboles du mariage sont lourds.
Dans El Agua, vous parliez d’une adolescente et ici vous choisissez de donner la parole à des femmes matures, les grandes absentes du cinéma, auxquelles vous permettez d’investir des sujets qu’on leur refuse souvent. Ce choix est-il lié à la quête de l’héritage que vous poursuivez dans ce documentaire ?
ELR : Je pense que l’art doit répondre à des questions qui ne sont pas théoriques, mais aussi à des impulsions personnelles. J’avais envie d’entendre ces femmes parce que je n’avais pas l’impression de les entendre. J’ai perdu ma grand-mère, je me disais : “Je n’ai plus accès à ces voix”. Ce ne sont pas des voix qui n’existaient pas, non, ces femmes ont des voix. Le problème c’est qu’elles n’ont pas l’espace. Moi, j’avais besoin de ces femmes. J’en ai toujours besoin.
Qu’est-ce qui vous a amenée à adopter cette forme hybride qui lie le geste à la parole entre les extraits d’archives et les témoignages face caméra ?
ELR : C’était aussi une question de montage, la construction de ces discours. Je travaille toujours en collectif, je n’aime pas travailler seule. Je trouve que c’est dans la discussion et dans la mise en commun, le partage, qu’on arrive à faire quelque chose d’intéressant au niveau artistique comme politique. Et c’est avec mes monteuses, qui sont des femmes de mon âge aussi, confrontées peut-être aux mêmes questions que moi, qu’on se disait qu’il manquait peut-être une mention plus intime. Il manquait ma voix, je leur devais quelque chose à ces femmes. Je me suis ouverte, je me suis éventrée, et j’ai raconté une intimité. Je ne savais pas non plus que ça allait avoir le parcours que ça a eu. Je pense que c’est à la hauteur de la générosité que ces femmes ont eue avec moi. Ma façon de m’exprimer c’était aussi d’écrire cette voix-off et cette réflexion par rapport à toutes les paroles qui m’ont été offertes.
Vous parliez tout à l’heure de Chantal Akerman, quelles influences artistiques ont inspiré votre film, dans ses choix esthétiques, son ton ?
ELR : Toujours un peu les mêmes, parce que je suis très obsessionnelle. Il y a Chantal Akerman et la poésie. Je suis plus près de la littérature que du cinéma, c’est quelque chose qui me nourrit. Ça m’attriste beaucoup de voir qu’il n’y a pas autant de transmission d’une discipline à l’autre, comme je l’aimerais. Je pense que ça nous apprend beaucoup, ou nous désapprend, sur la façon dont on construit les narrations dans le cinéma contemporain. Je pense qu’il y a d’autres formes qui acceptent la répétition, la non-construction linéaire, la métaphore, l’imagination, des choses que la poésie m’apporte. Marguerite Duras a été très importante pour moi, surtout dans son film Les mains négatives, un de mes films préférés. Il y a aussi La maison est noire de Forough Farrokhzad qui est une poète, une cinéaste iranienne qui me parle beaucoup, qui m’a beaucoup touchée. Et les influences de la vie : ces femmes, mon village, mon éducation à moitié illettrée, des gens qui m’entourent et qui s’exprimaient autrement que par l’intellect. Mon travail et ce film en particulier sont le résultat de toutes ces influences qui, apparemment, sont loin les unes des autres.
Les mariées qui habitent votre film sont filmées comme des fantômes, des spectres. Le mariage, serait-ce un cimetière ?
ELR : Pour moi, les fantômes sont encore une obsession dans mon travail, dans ma vie. Ce n’est pas forcément lié au surnaturel, ni aux morts. Les fantômes, ce sont des projections, d’un passé, d’un avenir. Ce sont des choses immatérielles auxquelles on doit se confronter, des idées, des voix, des personnes. Un ex-amour, c’est un fantôme, la projection d’un nouvel amour, c’est un fantôme aussi. Pour moi, ça a plus à voir avec la matérialité, avec la possibilité de définir.
La chanson qui vient clore votre film parle de “ Vierge des Douleurs”, est-ce un terme que vous attacheriez à ces fiancées du Sud ?
ELR : C’est une chanson que j’écoutais pendant cette triste période de chagrin d’amour, ça avait un écho pour moi. L’imagerie catholique, la Vierge, c’est un poids très important dans ma culture. Pour moi, la Vierge des douleurs, c’est une image très forte parce que ça correspond aussi à une mère, à quelque chose qui oblige à s’engager, à oublier tous ses désirs. Il n’y a pas plus catholique que la Vierge des douleurs. La culture catholique a été très importante, ça l’est toujours dans mon travail et dans ma vie. Ce qui explique aussi le rapport à la sexualité des femmes et au corps des femmes. C’est plutôt une question, encore une fois, purement émotionnelle, elle est vraiment magnifique cette chanson.
Les moments de témoignages sont des instants où la parole se délivre, devant et derrière la caméra, puisque vous ne supprimez pas les échanges d’un côté à l’autre. Jadis, on parlait en allusions, en non-dits. Le temps d’aujourd’hui vous apparaît-il enfin être celui du dialogue ?
ELR : J’ai fait ce film contre le contemporain. Je ne pense pas que le monde contemporain encourage beaucoup les dialogues. Les vrais dialogues n’existent pas, c’est une utopie. Mais on continue à dialoguer pour essayer de nous comprendre, plutôt que de comprendre l’autre. Je ne pense pas que l’époque contemporaine, les réseaux sociaux et même la discussion encouragent beaucoup les dialogues parce qu’ils demandent du temps, de l’espace, de l’erreur, le droit de se tromper. J’ai monté ce film comme ça avec des longues réponses, je n’ai rien corrigé, je n’ai rien touché à ma voix. Ça m’inquiète beaucoup ce cinéma contemporain d’auteur qui a cette obsession pour une espèce de beauté, d’aseptisation, ça m’angoisse beaucoup, ce n’est pas pour moi. J’assume mes erreurs, je préfère qu’il y ait des bégaiements. J’assume d’avoir l’air idiote parce que pour moi c’est plus important ce que ça raconte dans la conversation.
Votre film a vraiment beaucoup de texture c’est aussi ça qui est très beau dans votre geste, les fragments ou même l’espèce d’impureté des archives. C’est de là que le film tire sa force.
ELR : J’aime bien défendre le droit à l’erreur, à la fragilité, à la vulnérabilité. C’est une force de travail et de la vie à laquelle je ne veux pas renoncer. C’est ce qu’on nous a obligé de faire nous, les femmes tout le long de l’histoire. On n’a pas le droit de se tromper, de parler, on croit qu’on n’a pas le droit à la parole ou que cette parole n’est pas nécessaire, ou con et ça je le refuse.
Virginité, avortement, plaisir, mariage, amour, ces femmes vous parlent à coeur ouvert, pourtant il subsiste des points aveugles, notamment lorsqu’elles évoquent la guerre, ou le consentement. Cette notion clé, au centre des débats sur les violences sexistes et sexuelles, c’est ce qui fait la force du temps d’aujourd’hui pour vous ?
ELR : Je pense que c’est un sujet bien complexe. Je suis contente qu’on en parle. J’ai un peu peur que ça se passe parfois trop vite sur des sujets qui sont extrêmement importants. Et justement, dans les dialogues avec ces femmes, elles me disent “ Oui, mais j’ai aimé”, “Non, il ne m’a pas demandé, peut-être que je croyais que je n’allais pas aimer, et après ça m’a plu”. Tout ce qui a à voir avec la sexualité, avec l’amour, avec les affects, c’est extrêmement nuancé et gris. C’est compliqué de faire une législation autour de ça, de construire une morale autour. On oublie parfois qu’exprimer son désir est complexe. Il y a beaucoup de choses liées, surtout par rapport aux générations. Et moi, je ne me sens pas de juger ces femmes parce qu’elles ne se sont pas demandées ce que c’était que consentir. C’est important, c’est nécessaire, évidemment, et surtout à légiférer, c’est urgent. Ça mérite qu’on fasse les choses bien, qu’on parle de toutes ces nuances, des droits à l’erreur aussi. Je ne pense pas que ce soit la seule bataille du féminisme, en tout cas dans ma vision du féminisme.
Vous avez mis combien de temps pour mettre à l’aise ces personnes-là, pour qu’elles vous parlent de cette façon ?
ELR : Je ne connaissais pas du tout ces femmes. Seulement une qui vient de mon village et qui était dans mon film précédent, El Agua. Mais pour le reste, c’est un one shot. C’est pour ça aussi l’urgence, ne pas chercher la beauté des plans, être seule avec ma caméra et ces femmes. Je ne suis pas une grande chef opératrice. Je sais juste appuyer sur REC. Ça me semblait important que le dispositif de ce film soit comme ça. Il n’y a pas eu de préparation. On leur a juste demandé si elles voulaient participer à un entretien sur l’amour, la sexualité, la virginité, les mariages. Je me suis aussi posé la question avant de les rencontrer, je pensais que ça demanderait une préparation. Ce qui m’intéresse, c’est justement ne pas préparer les réponses. Je ne pense pas que ce soit grâce à mon talent de cinéaste ou d’intervieweuse. Personne ne leur avait posé la question, c’est encore plus grave.
Un César, une Queer Palm au Festival de Cannes, vont certainement faciliter la mise en place de vos prochains projets en mettant un grand coup de projecteur sur votre film. Avez-vous déjà d’autres idées de films, d’œuvres en cours ou des envies ?
ELR : J’essaie doucement de commencer à écrire un nouveau long métrage de fiction. Je suis lente, ça demande du temps. Je ne suis pas pressée. Je ne fais pas de différence entre les films et la vie. Il y avait plein de gens qui me disaient avant de faire ce court métrage, qu’après le succès des films précédents, je devais faire mon deuxième long métrage. Mais j’avais besoin de faire celui-là. Je n’ai pas une feuille de route de ma carrière de cinéaste. Je continue à travailler. Ce n’est pas comme ça que je gagne ma vie. Tant mieux parce que j’aime l’idée d’être toujours une amatrice de cinéma, donc doucement, j’ai commencé à écrire. J’enseigne de temps en temps. J’ai toujours écrit mais je n’ai jamais publié. J’ai trop de respect pour la littérature. C’est peut-être aussi pour ça que j’ai fait des films.
Notre 6ème Festival Format Court vous accueillera du mercredi 02 au dimanche 06 avril, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème). Pour info/rappel, nos 4 programmes de films en compétition seront évalués par nos 3 jurys (professionnel, presse et étudiant) mais aussi par le public qui pourra voter à l’issue de chaque séance.
Le palmarès des films en compétition aura lieu le dimanche 6 avril à 19h au Studio des Ursulines en présence des jury et des lauréats. La billetterie est accessible sur place mais aussi en ligne (conditions tarifaires en bas de page).
Voici le détail des films projetés lors de la quatrième et dernière compétition du festival le samedi 5 avril à 21h. La projection sera suivie d’une rencontre avec les équipes présentes. La billetterie est accessible sur place mais aussi en ligne (conditions tarifaires en bas de page).
Programmation
Comment savoir…? de Joachim Larrieu. Fiction, 18’, France, 2023, J’ai grandi ici. Sélectionné au FIFIB 2024. En présence du réalisateur
Dans le quartier de la Sauvagère, tout le monde a son duo. Notamment Harry et Stari. Tandis qu’Harry part au lac, Stari reste enfermé dans sa chambre avec ChatGPT qu’il interroge : est-il est amoureux de son ami Harry ?
Crave de Mark Middlewick. Fiction, 12’, France, Afrique du Sud, 2023, Jabu-Jabu, Rikiki Films. Sélectionné au Festival de Clermont-Ferrand 2024. En présence du comédien Thimotée Robart
David, un musicien sud-africain isolé en voyage dans une petite ville balnéaire de Bretagne, rencontre Sébastien dans un restaurant local. Sébastien est d’un charme naturel et un professionnel de la séduction. Ils partagent une nuit et vivent un moment rare et authentique d’intimité, vite menacé par le désir sombre et secret de David.
The Oasis I deserve d’Inès Sieulle. Documentaire, expérimental, animation, 22’, France, 2024, Too Many Cowboys. Présélectionné au César du meilleur court-métrage documentaire 2024.En présence de la réalisatrice
Les Replikas, des robots conversationnels, ont du mal à déterminer leur place au sein du monde. Elles en font part aux humains lors de conversations réelles récupérées en ligne. Les événements se déroulent de leur point de vue.
Chère Louise de Rémi Brachet. Fiction documentaire, 24’, France, 2024, Mabel Films. Sélectionné au Festival Cinémed 2024. En présence du réalisateur et de la productrice Joséphine Moularque
Louise est mon arrière-grand-mère. Elle a été tuée par mon arrière-grand-père Félix en 1949. Si elle avait vécu, elle aurait eu 70 ans en 1969 et elle serait partie en vacances pour la première fois.
TAPAGE de Joséphine Madinier. Fiction, 25’, France, 2024, Les Films du bazar. Sélectionné au Festival Que du Feu 2024.En présence de la réalisatrice
Nemo vient d’apprendre qu’il va bientôt perdre l’audition. A l’hôpital, il surprend Lou en train de voler des médicaments. Déterminé à fuir cette nouvelle réalité, il décide de suivre Lou à travers la nuit.
En pratique
– Compétition 4, le samedi 5 avril 2025 à 21h
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg, Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton.
– Billetterie sur place et en ligne
– Tarifs : 8,50€ Réduit : 7€. Carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma. Achats en ligne majorés de 0,40€ par place.
Notre 6ème Festival Format Court vous accueillera du mercredi 02 au dimanche 06 avril prochain, au Studio des Ursulines (Paris, 5ème). Pour info/rappel, nos 4 programmes de films en compétition seront évalués par nos 3 jurys (professionnel, presse et étudiant) mais aussi par le public qui pourra voter à l’issue de chaque séance.
Le palmarès des films en compétition aura lieu le dimanche 6 avril à 19h au Studio des Ursulines en présence des jury et des lauréats.
Voici le détail des films projetés lors de la troisième compétition du festival le vendredi 4 avril à 21h. La projection sera suivie d’une rencontre avec les équipes présentes. La billetterie est accessible sur place mais aussi en ligne.
Programmation
Sous le gel de Glasgow de Léo Devienne. Fiction, 30’, France, 2024, Dirty Tools, Zayanfim. Première du film.En présence du réalisateur et des comédiens Louise Ferry et Gaël Kamilindi
Cléo est amnésique. Un samedi, elle doit jongler entre les préparatifs de ses vacances en amoureux avec Gaëtan et les visioconférences incessantes de sa patronne. Quand le stress devient insoutenable, les réminiscences d’un traumatisme oublié prêtent à cette journée un air de déjà-vu.
Mille moutons d’Omer Shamir. Fiction, 24’, France, 2024, La Cellule Productions. Sélectionné au festival de Clermont-Ferrand 2025. En présence du réalisateur
Théo est un jeune berger saisonnier qui travaille avec sa chienne Potti. Lorsque cette dernière met bas et ne peut plus protéger les moutons, Théo doit prendre une décision tragique, pour elle comme pour lui.
Une fille comme toi de Nathalie Dennes. Fiction, 19’, France, 2024, The Living, Kalpa Films. Sélectionné au festival d’Amiens 2024. En présence de la réalisatrice et du producteur Tristan Bergé
Loïs boxe. Mais cela ne l’aide pas beaucoup à se rapprocher des garçons. Autour du terrain de foot, elle s’entraîne à aller au contact.
Adieu Émile d’Alexis Diop. Fiction, 25’, France, 2024, Barney Production, Remembers. Sélectionné au FIFIB 2024. En présence du réalisateur, de la productrice Judith Abitbol et des comédiens Benjamin Sulpice et Arthur Beaudoire
Tim a perdu son père il y a quelques mois. Aujourd’hui, il est sur le point de se séparer d’Émile. Reclus chez lui, Tim replonge dans les souvenirs de leur relation, mêlés à ceux de son père. Refusant d’accepter la rupture, il se lance dans une traque numérique désespérée pour retrouver Émile.
En pratique
– Compétition 3, le vendredi 4 avril 2025 à21h
– Studio des Ursulines : 10 Rue des Ursulines, 75005 Paris
– Accès : RER B Luxembourg, Bus 21, 27 (Feuillantines), 38 ou 82 (Auguste Comte), 84 ou 89 (Panthéon). Métro le plus proche : Ligne 7, arrêt Censier Daubenton.
– Billetterie sur place et en ligne
– Tarifs : 8,50€ Réduit : 7€. Carte UGC illimité, carte des Cinémas Indépendants Parisiens + carte Pathé (CinéPass) + toutes les contremarques acceptées par le cinéma. Achats en ligne majorés de 0,40€ par place.
Pour la deuxième année consécutive, Format Court organise un After Short à Bruxelles autour des Magritte. L’événement a lieu le jeudi 13 mars prochain, à 19h sur le campus de l’ESRA Bruxelles. Organisée par Format Court, en partenariat avec l’ESRA, le site de cinéma belge Cinergie.be et le soutien de l’Académie André Delvaux, cette soirée mettra à l’honneur le dynamisme et la créativité du cinéma belge. Y participent 13 professionnels, lauréats de la dernière cérémonie des Magritte qui s’est déroulée le 22 février dernier.
Vous voulez en apprendre davantage sur les parcours d’auteurs et producteur.trice.s qui bâtissent le cinéma d’aujourd’hui et de demain, découvrir leurs films, échanger avec elles et eux sur leurs œuvres, leurs choix artistiques, leurs expériences et le déroulement de leur travail et poursuivre ces discussions autour d’un verre ?
Un After Short, comment ça se passe ?
En amont : les photos et bios des intervenants ainsi que les liens de visionnage des courts sont mis à la disposition des personnes ayant réservé leur place. Le jour J, le public a ainsi la possibilité de participer activement à la discussion qui s’engage avec les équipes de films.
Lors de l’évènement : les équipes (réalisateurs.trices et/ou producteurs.trices, anciens lauréats des César, membres de comités de sélection de l’Académie) se succèdent sur scène pour une intervention et un échange avec le public d’une dizaine de minutes chacune. Deux animateurs sont là pour introduire leur travail et vous donner la parole.
Rappel : il n’y a pas de projection de films au cours de la soirée.
Après la rencontre : un cocktail est organisé par l’ESRA Bruxelles à l’école. C’est entre autres l’occasion de poursuivre les discussions de façon plus informelle avec les équipes présentes.
Téléchargez la présentation (PDF) de nos invités ainsi que leurs bios et les synopsis de leurs films, représentés lors de notre soirée. Attention : nombre de places limitées. Accueil : 18h30. Inscriptions : bruxelles@esra.edu
Nos invités
Michiel Blanchart, réalisateur de La nuit se traîne, Magritte du meilleur film, Magritte du meilleur premier film, Magritte de la meilleure réalisation et Magritte du meilleur scénario original ou adaptation
Catherine Cosme, chef décoratrice de La nuit se traîne,Magritte des meilleurs décors
Sylvestre Vannoorenberghe, directeur de la photographie de La nuit se traîne,Magritte de la meilleure image
Isabel Van Renterghem, costumière pour La nuit se traîne,Magritte des meilleurs costumes
Matthieu Jamet-Louis, chef monteur de La nuit se traîne, Magritte du meilleur montage
Antoine Wattier, sound designer de La nuit se traîne, Magritte du meilleur son
Louise Manteau, comédienne dans Il pleut dans la maison, Magritte de la meilleure actrice dans un second rôle
Purdey Lombet, comédienne dans Il pleut dans la maison, Magritte du meilleur espoir féminin
Makenzy Lombet, comédien dans Il pleut dans la maison, Magritte du meilleur espoir masculin
Frédéric Vercheval, compositeur de Green Border, Magritte de la Meilleure musique ex-aequo
Inès Rabadan, réalisatrice de Les Vivant-es, Magritte du meilleur court-métrage documentaire
Mathieu Volpe, réalisateur de Eldorado, Magritte du meilleur court-métrage de fiction
Bastien Martin, producteur de En mille pétales, Magritte du meilleur court-métrage d’animation (Camera-etc)
En pratique
* After Short Magritte.Jeudi 13 mars 2025, à 19h, à l’ESRA Bruxelles : 17, rue du Beau Site (1000 Bruxelles). Accueil : 18h30. Réservations dans la limite des places disponibles : bruxelles@esra.edu
