Fiche technique
Synopsis : Recardo, 7 ans, interface malgré lui, tisse des liens entre mondes; celui de ses parents,roms et le nôtre, dans la Bruxelles d’aujourd’hui.
Genre : Documentaire
Pays : Belgique
Année : 2010
Durée : 26′
Réalisateur : Stan Zambeaux
Scénario : Stan Zambeaux
Image : Stan Zambeaux
Son : Stan Zambeaux
Montage : Julien Larcanché
Musique : Gjovalin Nonaj
Production : IAD
Article associé : la critique du film
Tu es déjà un homme mon fils
Parmi les films proposés ces jours-ci par le festival virtuel pointdoc, figure le portrait d’un enfant rom formidable, « Recardo Muntean Rostas ». Âgé de 7 ans, Recardo pétille, gribouille, aime le foot et fréquente l’école. C’est aussi un adulte immergé dans les difficultés financières et l’instabilité quotidienne qui fait office de trait d’union entre sa famille et les étrangers.
D’un côté, une famille rom, avec ses rites, sa spontanéité et ses airs d’accordéon, de l’autre, une Bruxelles grise, anonyme et impersonnelle. Entre les deux, un petit gars débrouillard, futé, et hilare. Malgré son jeune âge, Recardo endosse un rôle et une responsabilité importante dans le cercle familial, d’autant plus que son père ne peut plus assurer les revenus du foyer. Pourtant, Recardo reste encore et toujours un enfant avec ses jeux, ses émotions et son besoin cruel de contact avec les êtres de son âge et de sa taille.
Filmé à hauteur de gosse, ce documentaire, le premier d’une trilogie sur l’enfance, suit avec humour, pudeur et humanité la réalité de ce petit mec, alternativement centre de l’attention et objet de rejet, faisant un incroyable apprentissage de la vie en dépit de ses jeunes années. La fraicheur de Recardo, sa vigueur, son toupet aussi rendent ce film tout à fait particulier et déjouent les stupides et nombreux clichés entourant une communauté plus que fragilisée.
En documentaire, on parle de distance et de respect avec et pour le sujet. Stan Zambeaux, le réalisateur de ce film – d’écoles, précisons-le – applique bel et bien ces deux idées : il se fait discret en étant témoin de l’intimité de cette famille, développe une belle relation de confiance avec eux et filme de loin les discussions mère-fils (qu’il ne traduit d’ailleurs pas toujours, les plans parlant d’eux-mêmes).
Par moments, ce film fait penser à une géniale fiction incrustée de visages hauts en couleur et de situations ultra réalistes. Pourtant, c’est la vie et les vraies gens que Zambeaux filme et c’est un regard plein d’amour et de respect qu’il porte sur le réel qu’il a choisi. Son film fait du bien, donne de l’espoir, et contrecarre une certaine actualité anti-rom. Les enfants sont les meilleurs porte-paroles du monde, ils ont leur mot à dire, leur personnalité à imposer et leur rôle à jouer. Recardo appartient lui aussi à ce groupe, le temps d’un film et peut-être même au-delà.
« LOGORAMA » réalisé par H5 (François Alaux, Hervé de Crécy, Ludovic Houplain)
« MONSIEUR L’ABBÉ » réalisé par Blandine Lenoir
« PETIT TAILLEUR » réalisé par Louis Garrel
« UN TRANSPORT EN COMMUN » réalisé par Dyana Gaye
« UNE PUTE ET UN POUSSIN » réalisé par Clément Michel
Le 40ème festival de Rotterdam a lieu bientôt, du 26 janvier au 6 février, et les courts métrages en lice pour les Tiger Awards est connue. Trois prix seront remis par le jury composé de Tan Fiona, (Pays-Bas), Anocha Suwichakornpong (Thaïlande) et Thom Andersen (USA), le 31 janvier.
Films sélectionnés
* 1989 (Den gang jeg var fem år gammel) / 1989 (When I Was Five Years Old), Thor Ochsner, Danemark, 2010, 11’
* Slow Action, Ben Rivers, Royaume-Uni, 2011, 45’
* Players, Pilvi Takala, Finland, Pays-Bas, 2010, 8’
* Pastourelle, Nathaniel Dorsky, Etats-Unis, 2010, 16’
* I lupi / The Wolves, Alberto De Michele, Italie, 2011, 17’
* A Short Film About War, Jon Thomson, Alison Craighead, Royaume-Uni, 2010, 10’
* End Transmission, James T. Hong, Chen Yin-Ju, Taiwan, Pays-Bas, Allemagne, 2010, 17
* Lesser Apes, Emily Vey Duke & Cooper Battersby, Canada, 19
* Stardust, Nicolas Provost, Belgique, 2010, 20’
* These Hammers Don’t Hurt Us, Michael Robinson, Etats-Unis, 2010, 13’
* Maska, Brothers Quay, Pologne, 2010, 24’
* Khleb dlya pticy / Bread for Bird, Aleksandra Strelyanaya, Russie, 2010, 26’
* Beyond-ism, Sun Xun, Chine, 2010, 8
* Maria Theresia und ihre 16 Kinder / Maria Theresia and her 16 Children, Roland Rauschmeier & Ulu Braun, Autriche, Allemagne, 2010, 30’
* Versions, Oliver Laric, Duitsland, Corée du Nord, 2010, 9’
* Tse / Out, Roee Rosen, Israël, 2010, 34’
* Jan Villa, Natasha Mendonca, USA, Inde, 2010, 20’
* A History of Mutual Respect, Gabriel Abrantes, Daniel Schmidt, Portugal, 2010, 23’
* Home Movie, John Price, Canada, 2010, 27’
* Mercúrio / Mercury, Sandro Aguilar, Portugal, 2010, 18’
* After Empire, Herman Asselberghs, Belgique, 2011, 52’
* Lubaben, Eva Pervolovici, France, Roumanie, 2011, 30’
* Otolith III, The Otolith Group, Royaume-Uni, 2010, 49’
* The Story of Elfranko Wessels, Erik Moskowitz & Amanda Trager, Etats-Unis, Canada, 2011, 16’
* Mirages, Emanuel Licha, Canada, France, 2010, 19’
* It, Heat, Hit, Laure Prouvost, Royaume-Uni,, 2010, 6’
* Immortal Woman, Jakrawal Nilthamrong, Thaïlande, 2010, 9
* La dame au chien / The Lady with the Dog, Damien Manivel, France, 2010, 16’
Retrouvez prochainement notre focus consacré au festival
Fiche technique
Synopsis : En janvier 2009 nous rencontrons Hocine dans une friche artistique à la périphérie de Toulouse. A deux, apprentis et curieux de la surdité qu’il vivait nous décidons de faire un film, entre nous et lui, dans un endroit où nous pouvions communément le construire. Cet endroit nous l’avons cherché entre Arnehm, Toulouse, Paris et Strasbourg.
Genre : Documentaire
Durée : 22′
Pays : France
Année : 2010
Réalisation : Matthias Berger
Image : Matthias Berger
Son : Gregory Buchert, Jonathan Schall, Hélène Orth, Matthias Berger
Montage : Matthias Berger
Musique : Metacelse
Production : Matthias Berger
Article associé : la critique du film
Ce documentaire sélectionné à pointdoc suit les travaux d’un jeune artiste : Hocine. La particularité de ce dernier, celle qui a éveillé la curiosité du réalisateur Matthias Berger, est que, bien qu’étant danseur, Hocine est sourd-muet.
En s’intéressant à la surdité, Chink, revient sur un sujet qui, du moins en Grande-Bretagne, était cher au mouvement moderniste qui, dans les années 1950, a révolutionné le cinéma documentaire : le cinéma direct. En effet, déjà en 1954, pour Thursday’s Childern, Lindsay Anderson filmait la façon dont les enfants de l’Ecole Royale pour Sourds apprenaient à communiquer par la parole. En 1956, c’est Lorenza Mazzetti qui réalisait Together, l’histoire de deux adultes sourds-muets qui, en raison de leur handicap, se trouvent marginalisé spar leur entourage.
Avec Chink, Matthias Berger retrouve donc l’enjeu cinématographique qui avait animé, plus tôt, Anderson et Mazzetti : un questionnement sur l’utilisation du son dans le cinéma moderne quand se présente la possibilité de recourir à une bande-son postsynchronisée, à une bande son enregistrée en direct, à des commentaires enregistrés en voix-off ou, bien sûr, au langage visuel pur qui a fait les chefs-d’œuvre du cinéma muet.
Il n’est pas question dans Chink de voix-off, encore moins d’interviews. C’est sur un mode non interventionniste que le réalisateur a choisi de capter la matière visuelle et sonore de son film. Ainsi, ce documentaire communique par les voix des personnes filmées, par leurs signes et, se destine aussi bien à un public malentendant qu’à un public ne connaissant pas le langage des signes, par les sous-titres. Quelques rares intertitres font toutefois office de commentaires.
L’un de ces intertitres nous dit : « Hocine, entouré d’amis sourds, rencontre compositeurs et musiciens dans la recherche d’un contact et d’une manière de rapprocher deux univers. » Ces deux univers sont, d’une part, celui sonore et, d’autre part, celui muet, le seul à être connu des sourds. Dans sa volonté de confondre ces deux univers, Hocine se met en scène. Avec un peu d’imposture, sur un fond sonore de mix électro, il entreprend une chorégraphie hip-hop. Cette chorégraphie est en fait son chant, un chant que seuls les initiés au langage des signes comprendront pleinement. Pourtant, en rappelant les pantomimes du cinéma muet, cette même chorégraphie confère au langage d’Hocine une dimension universelle. Dans la confusion, le handicap se dissout.
C’est aussi de cela que nous parle Chink : de la capacité des sourds-muets à communiquer au-delà des pollutions sonores, au-delà des obstacles qui filtrent les voix, et surtout, au-delà des frontières. Car, si Hocine ne connaît qu’une langue, celle-ci lui permet de se produire aussi bien en France qu’à l’étranger.
Cliquer sur l'image pour voir le film dans son intégralité
Nous savons que Beethoven était presque sourd lorsqu’il a composé ses dernières symphonies. Hocine n’est pas Beethoven, il a toujours été sourd et n’a jamais appris le solfège. Il nous apprend néanmoins que s’il ne peut entendre la musique, il peut la sentir, par son corps, et la voir, à travers les ambiances qu’elle provoque. Le documentaire nous montre alors comment, sur cette base sensitive, Hocine conçoit son nouveau spectacle et, du même coup, repousse ses limites pour ouvrir les portes de l’expérimentation musicale.
En travaillant avec ses musiciens, Hocine cherche à transcoder des signes, non pas en mots, mais en sons. Il choisit aussi les registres musicaux qui illustrent le mieux l’histoire qu’il cherche à raconter. Il développe ainsi un langage musical, qu’il renforce par ses signes, lesquels le place en chef d’orchestre au milieu de son spectacle.
A travers ce documentaire, Matthias Berger parvient facilement à nous faire comprendre ce qui l’a séduit dans le personnage d’Hocine : la volonté, l’innovation, la différence, et plus certainement, l’aptitude à concevoir comme une force ce qui pourrait être considéré comme une faiblesse.
Bonne info pour le documentaire. Depuis quelques jours, le Festival pointdoc offre l’accès libre à une compétition de films documentaires d’auteur répartis en deux catégories, «Première création» et «Film jamais diffusé». Premier festival en ligne de films sur le réel, il offre un moyen de diffusion supplémentaire aux réalisateurs, contribue à la visibilité et à l’appréciation du genre et rapproche le public des créateurs par le biais de tchats proposés tous les soirs. Jusqu’au 30 janvier, trouvez donc le temps de visionner les vingt films sélectionnés sur le site www.festivalpointdoc.fr, participez au prix du public, et rencontrez virtuellement les auteurs des films mis à l’honneur.
Retrouvez dans ce focus :
– Festival Pointdoc, les coups de cœur
– La critique de « Nous trois » de Annick Ghijzelings (Belgique)
– Le reportage Pointdoc : Parcours en terres réelles
– La critique de « Brûlure » de Leila Chaïbi (France, Tunisie)
– La critique de « Recardo Muntean Rostas » de Stan Zambeaux (Belgique)
Films en compétition
– J’aurai pu être une pute de Baya Kasmi
– Je pourrais être votre grand-mère de Bernard Tanguy
– Monsieur l’abbé de Blandine Lenoir
– Mendelssohn est sur le toît de Jean-Jacques Prunès
– Deyrouth de Chloé Mazlo
– Thermes de Banu Akseki
– Le Piano de Levon Minasian
– On ne mourra pas de Amal Kateb
Pour visionner les films et voter : http://www.lemonde.fr/cinema/visuel/2011/01/13/elisez-votre-court-metrage-favori_1465240_3476.html
Né en 1934 à Prague, berceau de grand noms du cinéma d’animation comme Jiri Trinka ou Bratislav Pojar, Jan Švankmajer ne se considère pas comme un cinéaste d’animation. Peintre, sculpteur, « plasticien » (ce terme, pourtant d’usage, semble impropre à quelqu’un qui a passé sa vie à travailler la chair), il partage sa vie et son travail avec Eva, sa femme. Peintre talentueuse, elle est à la fois sa partenaire (certaines sculptures on été faites à quatre mains) et sa muse (la méchante reine d’Alice, c’est elle).
Lors de son passage au Forum des images en octobre 2010, Jan Švankmajer est catégorique : le numérique et la 3D, ce n’est pas fait pour lui. À 76 ans, après près d’une quarantaine de films, Švankmajer ne croit qu’en ce qu’il touche. Car Švankmajer est un cinéaste de la matière. Devant sa caméra, la glaise, le verre, le métal, la viande et le papier s’animent, image par image.
En 1970, il intègre le groupe surréaliste de Prague. Profondément iconoclaste, ce groupe ne pourra travailler que dans la clandestinité pendant la période communiste. Les œuvres de Švankmajer ne sont pas directement politiques, même si, parfois, de par leur violence plastique et leur liberté de forme, elles dérangent la Tchécoslovaquie soviétique de l’époque.
C’est ce régime totalitaire qui lui donnera d’ailleurs sa plus grande obsession d’artiste et de cinéaste : la nourriture. Jugé trop maigre pendant l’adolescence, il est envoyé dans un centre ou l’on gavait littéralement les enfants. Ainsi, chez Švankmajer , les repas sont souvent une torture, que ce soit pour le mangeur ou pour la nourriture elle-même, les rôles pouvant parfois s’inverser.
Švankmajer n’est pas un cinéphile au sens stricte du terme, pour lui, le cinéma s’est arrêté à Murnau (mince… et s’il avait raison ?). Plusieurs cinéastes s’inspirent de son travail et le revendiquent. Du coup, quand il a devant lui Terry Gilliam, David Cronenberg, Peter Greenaway ou les frères Quay, c’est la première fois qu’il entend leur nom.
Jan Švankmajer est l’un des derniers cinémagiciens de sa génération. Un Méliès Tchèque qui utilise des tours, des subterfuges, vieux comme le cinéma. Et n’en déplaise à Tim Burton, cet homo faber tchèque a réalisé à ce jour la meilleure version d’Alice aux pays des merveilles de Lewis Caroll.
Article associé : la critique des DVD de courts de Jan Švankmajer
Chalet Pointu propose dans son catalogue trois DVD non exhaustifs des courts-métrages de Jan Švankmajer. Présentés dans un ordre non chronologique, ils abordent un aspect particulier du travail du cinéaste tchèque. De l’animation classique au surréalisme en passant par les différentes recherches formelles, c’est l’occasion idéale d’aborder une œuvre plurielle et singulière.
Courts-métrages Volume 1
Ce premier DVD est une entrée en matière, un apéritif. Il comporte six courts-métrages recouvrant une période large de l’œuvre de Švankmajer, de Et Cetera (1967) à Obscurité-Lumière-Obscurité (1990). On y retrouve un panel de styles d’animation différents qui recouvre une bonne partie des talents du maître. Trois films sont essentiels :
– Obscurité-Lumière-Obscurité (1990)
Au commencement, il y a une main, puis deux… Dans le salon exigu d’une maison de poupée, les membres d’un corps en glaise se rencontrent et s’assemblent pour former un corps, le cerveau ne faisant qu’une entrée tardive dans la construction. On retrouve ici une torture du corps chère à l’auteur et un mélange de matière (glaise et morceaux de viandes tels que la cervelle ou la langue), l’homme ainsi reconstitué ne trouvant pas ainsi le bonheur.
– Les possibilités du dialogue (1982)
« L’un des meilleurs films de l’histoire du cinéma » selon Terry Gilliam. On y retrouve trois situations de dialogues entre des têtes ou des langues, du Arcimboldo revisité et torturé, des personnages qui se dévorent les uns les autres. Film somme des obsessions du cinéaste, Les possibilités du dialogue est un film phare, le plus connu et primé en festival dans l’œuvre foisonnante du cinéaste.
– L’appartement (1968)
Film réalisé l’année du printemps de Prague, il est le manifeste surréaliste de Švankmajer. On y voit un personnage (un acteur en chair et en os cette fois) dans un appartement récalcitrant où les murs sont mous, les œufs durs (mais alors vraiment durs !) et la soupe servie avec une cuillère trouée. Le noir et blanc n’est pas sans rappeler celui d’Un chien Andalou. Ce court offre un réel aperçu de la période strictement surréaliste de Švankmajer.
Courts-métrages Volume 2
Ce deuxième opus se focalise essentiellement sur les années 60 et s’attache à montrer que Švankmajer était surréaliste bien avant d’intégrer le mouvement en 1970 et ce, dès son premier film. Les titres de ce DVD sont moins connus, l’animation est parfois balbutiante. Nous pourrions appeler ce DVD « le laboratoire surréaliste de Jan Švankmajer » tant la forme est torturée, en perpétuelle évolution. Ces films sont aussi les plus sombres du cinéaste. Paradoxalement, ce sont aussi les plus humains. L’homme y trouve sa place en tant qu’acteur (une rareté chez Švankmajer), son rapport au monde est mis à mal par les objets, et des forces invisibles et incontrôlables, le parti communiste tchèque y est indirectement visé, ce qui entrainera pour Švankmajer une interdiction de tourner pendant sept ans. Trois exemples :
– Une semaine tranquille à la maison (1969)
Pendant une semaine, un homme s’introduit dans une maison pour observer ce qui s’y passe, et dans ce cas, cela dépasse l’entendement. Film sur le voyeurisme et la place du spectateur, Une semaine tranquille à la maison met en perspective le regard, (le nôtre ou celui de l’auteur) pour nous donner une vue imprenable sur son jardin secret et mettre à mal la position d’observateur et d’observé. Ce film peut être vu comme une métaphore de l’état stalinien qui observe l’art et les artistes, sans rien y comprendre, alors qu’en fait, c’est l’observateur lui même qui est l’objet d’étude, le centre de l’oeuvre.
– La fabrique de petits cercueils (1966)
Deux marionnettes se battent pour la possession d’un cochon d’inde (seul personnage de chair et de sang du film). Nous retrouvons ici les duels chers au réalisateur (même si cette fois, ce n’est pas pour de la nourriture) et le genre classique des marionnettes tchèques est détourné grâce à des gros plans de matière en mouvement propres au surréalisme. Film sur le désir de possession, La fabrique de petits cercueils pousse le duel jusqu’au bout, et seul l’objet de désir s’en sort indemne. Film prophétique, vous avez dit ?
– Le puits, la pendule et l’espoir (1983)
Film postérieur aux autres courts-métrages du DVD, il y a toute sa place de par la forme cinématographique adoptée. Il s’agit du film le plus angoissant de Svankmajer. Allégorie de la torture tournée entièrement en caméra subjective, le film entraîne dans un flot d’images jamais gore, mais souvent oppressantes. On peut voir ce film comme une continuation d’Une semaine tranquille à la maison tant il est question ici de la place du spectateur, cette fois au centre d’une torture visuelle et sonore dont il ne pourra évidemment pas sortir indemne.
Courts-métrages Volume 3
Ce troisième volume est un florilège de films allant de la commande (clip pour MTV et autres) à des film plus connus. Ce sont en général des films plus caractéristiques du style du Švankmajer que nous connaissons, des films peut-être moins formels, mais qui nous donnent à voir les prémices de son fameux Alice. Après les expériences parfois cauchemardesques du second DVD, nous entrons dans un monde à l’apparence plus sereine, mais toujours aussi torturé. La chair est mise à mal, les personnages se décomposent (quand ils ne se mangent pas), les régimes politiques s’anéantissent. A noter qu’en bonus, se trouve un extrait de l’émission « La nuit s’anime » consacré à Eva et Jan Švankmajer à l’occasion de leur exposition au musée-château d’Annecy. Une occasion de découvrir une autre facette de cet artiste.
– Flora (1989)
Film consacré à l’une des obsessions de Švankmajer : la décomposition. Nous y voyons une femme faite de légumes, à la Arcimboldo, impuissante face au pouvoir du temps. Très court (moins de deux minutes) mais d’autant plus percutant, le film comporte lui aussi une violence faussement atténuée par le fait qu’au fond, ce ne sont que des légumes que nous voyons pourrir. L’animation de Flora, son anthropisation et la situation de huis clos donnent toute leur force à cette œuvre.
– La nourriture (1992)
Ce film est un triptyque à la manière des Possibilités du dialogue avec petit déjeuner, déjeuner et dîner. L’obsession de Švankmajer est ici poussée à son paroxysme. L’homme se retrouve tour à tour distributeur de nourriture, auto-cannibale et anthropophage. Nous sommes dans une espèce de Grande Bouffe à la violence démesurée dirigée vers la nourriture de l’autre et les objets. Manger est, dans ce film aussi, une façon de dialoguer. A regarder en dehors des repas.
– La mort du Stalinisme en Bohème (1990)
Švankmajer règle ses comptes avec le stalinisme dans ce film aux références politiques variées (peu lisibles des néophytes) mais ceux qui rêvent de voir Staline se faire fendre la tête en deux seront ravis. Dans le film, les couleurs du drapeau tchèque envahissent peu à peu les objets du quotidien et les icônes du régime, les figures du parti sont mises à mal. Il s’agit du film ou Švankmajer traite de la politique de manière frontale et non métaphorique comme dans ses autres œuvres. On ressent réellement la joie libérée (et parfois sadique) du cinéaste.
Article associé : Jan Švankmajer, le cinéma fait main
Fin 2010, le Forum des images montre une rétrospective des films de Jan Švankmajer en sa présence et les éditions Chalet Pointu proposent trois DVD de ses courts-métrages. Il n’en fallait pas plus à Format Court pour revenir sur l’un des plus grands cinéastes d’animation qui soit. À moins que ce ne soit un des plus grands cinéastes, tout court.
Retrouvez dans ce focus :
Du 21 janvier au 6 février 2011, se déroulera la 6ème édition du festival Hors Pistes, qui pose, au travers d’une programmation de moyens métrages, un regard sur la variété des formes que l’image prend aujourd’hui : projections, performances, installations, images en réseau ou images éphémères, projection mentale ou images en devenir.
La particularité de cette sélection est qu’elle ne se limite pas aux images artistiques mais y mêle des images scientifiques, télévisuelles ou encore des images d’amateurs. Cette ouverture des frontières décèle chaque année des influences, des orientations, des fractures et des tendances.
A travers une sélection de 40 films de 20 pays, Hors Pistes célèbre les récits déconstruits, les films hybrides et les narrations détournées aux démarches novatrices.
Au stade de l’art au Forum -1, Hors Pistes s’intéresse à un domaine étroitement lié à l’image contemporaine : le sport. Par le moyen de sculptures interactives, d’objets sonores, de programmes vidéos et de performances, il cristallise les gestes, les attitudes et les émotions du sport.
Retrouvez la programmation complète sur le site du festival.
Deux ans… Qui l’aurait cru ? Pas moi, pas vous, pas nous.
Format Court a deux ans. Ca se fête. Débouchez les bouteilles, faites péter les corsages, dénichez les bougies (“elles sont dans le tiroir”, dit un mec en slip. Merci, mec en slip).
Faire le bilan de ces deux années écoulées ne m’intéresse pas. Bien sûr, cela pourrait être tentant d’aller fouiller dans les souvenirs, de retrouver nos vielles têtes d’époque, de se remémorer ce fameux jour où un projet sur le court a osé voir le jour. Personnellement, je n’ai pas envie de cela. Si vous désirez savoir ce qui est arrivé, faites dérouler les éditos, faites jouer votre souris, faites défiler nos sujets. Après tout, ce site conserve ses archives. 1000 sujets publiés en deux ans, dont plus de 300 fiches techniques et près de 160 critiques, cela peut orienter les yeux.
Je ne suis pas la meilleure amie des éditos, cela se sent dans leur rythme de parution. Un jour, lors d’un tel exercice, j’ai tenté d’être Ben, cet artiste aux petites phrases choc du genre “J’aime pas l’école”. Imiter les autres n’est pas chose facile. Combien de feuilles de papier ai-je usées ce jour-là pour illustrer plus que moyennement mon texte ? Mais après tout, c’est ça, Format Court : de la débrouille, de l’humour et beaucoup d’impro.
C’est sûr, nous ne savions pas que ce projet serait plus ambitieux que prévu et que le nombre de films et de festivals à chroniquer allait être plus qu’étourdissant. Tout ce que nous savions, c’était que le cinéma court avait peu de relais médiatiques sérieux et qu’un nouvel objet pouvait le servir, le promouvoir et lui prêter allégeance.
Alors, que dire en vérité à part merci ? Merci à ceux qui nous ont encouragés, qui nous ont soutenus dans notre démarche, qui nous ont dit de ne pas lâcher, qui nous ont invités en festival, qui nous ont remerciés pour nos articles, qui ont déposé des commentaires comme d’autres laissent des pétales sur leur passage.
À Marie, Adi, Sarah, Anne, Gwendoline et Désiré, les acharnés du début qui ont cru à la pertinence d’un site sur le court métrage et qui m’ont suivie dans cette belle mais difficile aventure, à Thierry, Amandine, Amaury, Mathieu, Nadia, ceux et celles qui ont embarqué en cours de route, à Charlotte, Rémy, Manuel, Julien, Cyrille qui viennent juste de se poser sur nos ailes fragiles : merci aussi.
Format Court réunit vos sensibilités, vos styles et vos personnalités. Il n’aurait pas été le même sans vous : il vous, il nous ressemble. Allez, court, Format, court.
Katia Bayer
Rédactrice en chef
PLUS D’INFOS
APRÈS LES COMBATS DE COQS… LES COMBATS DE TEE-SHIRTS !
Si on faisait autrefois s’affronter les coqs dans les Gallodromes, c’est aujourd’hui à un tout autre combat que nous vous proposons d’associer votre court métrage.
AFFICHEZ VOS COULEURS !
Chicon, wassingue, terrils, carnaval, géants… notre région, le Nord-Pas-de-Calais, est riche de traditions, de symboles, d’expressions qui n’appartiennent qu’à nous… et qui font notre fierté !
Ces codes, nous vous proposons de vous en emparer pour les détourner, les (ré)interpréter, les recomposer à votre sauce, selon votre patte (de coq ou de poule) artistique pour nous pondre un court métrage d’animation très « couleur locale » !
CONTRAINTES
Les créations doivent comporter un lien évident avec la région Nord-Pas-de-Calais (symboles, expressions, etc.) et mettre en scène le support tee-shirt. En gros, évitez de pasticher un film de Romero en mettant en scène un zombie basque endossant un tee-shirt « I LOVE THE JAMBON DE BAYONNE » ! On en rencontre très peu dans la région…
Calendrier :
21 février 2011 : date limite de réception des candidatures à l’adresse postale mentionnée ci-dessus
1er mars 2011 : publication de la liste des films en compétition
Ouverture des votes pour le Prix du public
19 et 20 mars 2011 : projection des films en compétition sur la Fête de l’animation.
Prix :
Remise du Prix : un prix du public sera décerné par les internautes, et un prix du jury par un jury de professionnel.
Le meilleur film d’animation recevra un prix de 500 € et 1 tee-shirt du Gallodrome au choix par participant.
Les lauréats seront annoncés lors de la Fête de l’animation (horaire précis communiqué ultérieurement), en présence des réalisateurs et du Jury (sous réserve).
Fiche d’inscription à télécharger sur www.fete-anim.com
Tél. 03 20 53 24 84
http://www.fete-anim.com/spip.php?rubrique313
Nous sommes à la recherche de personnes résidant de préférence à Paris (mais pas seulement), ayant un peu de temps et de chouettes qualités humaines (curiosité, ouverture, …) à consacrer au projet ainsi qu’une connaissance approfondie du court métrage dans la poche.
L’équipe rédactionnelle de FC est de plus en plus sollicitée par le nombre de films et de festivals. Pour couvrir au mieux l’actualité du court, nous avons besoin de nouveaux rédacteurs, étudiants en cinéma, critiques en herbe ou « simples » cinéphiles. Dites-nous pourquoi vous souhaitez écrire pour le site, faites-nous part de vos qualifications, centres d’intérêt et/ou expériences personnelles en lien avec votre candidature, et envoyez-nous la critique d’un court métrage que vous avez aimé. Pour tout renseignement ou pour nous montrer vos petites mains : info@formatcourt.com.
Jusqu’ici, nos entretiens s’articulaient beaucoup autour du registre parlé. Nous avons dorénavant (enfin ?) envie de vraiment prendre en considération la vidéo et de recueillir la parole de nos interviewés (réalisateurs, producteurs, comédiens, techniciens, programmateurs de festivals, …) en images. Vous résidez à Bruxelles ou à Paris et vous avez envie de faire un bout de chemin avec nous ? Envoyez-nous vos démos, liens, qualifications, etc. à info@formatcourt.com.
Programme
Je criais contre la vie. Ou pour elle – Prix de la Presse et Prix Emile Reynaud des adhérents de l’Afca
De Vergine Keaton, 8’, 2009, 25 films production
Dans une forêt, un troupeau de cerfs se retourne contre la meute de chiens qui le poursuivait jusque-là.
Georges – Mention spéciale du jury professionnel pour un film de fin d’études
De Gaëlle Lasne et Maxime Ganger, 5’, 2009, Emca
Georges, un petit garçon qui se grattait le nez sans cesse.
Mémoires de chiffons – Mention spéciale du jury presse pour un film de fin d’études
De Marie-Pierre Hauwelle, 4’30, 2009, La Poudrière
Lucie, une femme d’âge mûr, redécouvre les robes de son passé. Une à une, elles lui évoquent des souvenirs
de sa sœur aînée.
Hubert, l’homme aux bonbons – Mention spéciale du jury presse pour un court métrage pro-
fessionnel
De Marie Paccou, 8’30, 2009, Les Films de l’Arlequin
L’histoire vraie d’un homme qui cherchait l’amour.
Au bal des pendus – Mention spéciale du jury professionnel pour un court métrage professionnel
De Johan Pollefoort, 8’, 2010, Les Films du Nord
C’est dans la mort qu’on se retrouve tous ensemble, libres et égaux.
Sauvage – Mention spéciale du jury professionnel pour un film de fin d’études
De Paul Cabon, 4’40, 2009, La Poudrière
Le retour à l’état sauvage d’un homme chauve.
Parade – Prix SACD du meilleur film de fin d’études (ex aequo) et Mention spéciale du jury professionnel
pour la composition musicale originale
De Pierre-Emmanuel Lyet, musique : Mathieu Balanant, 8’, 2009, Ensad
Un personnage veut se libérer de son imaginaire débordant pour séduire une femme.
Stretching – Prix SACEM de la meilleure composition originale
De François Vogel, musique Alain Cure, 4’30, 2009, Drosofilms
Un personnage excentrique pratique une sorte de gymnastique urbaine, le long des rues de Manhattan.
L’architecture se mêle à son jeu et entre dans cette drôle de danse.
Ru – Prix SACD du meilleur film de fin d’études (ex aequo)
De Florentine Grelier, 8’50, 2009, Les Trois Ours & Les Sentinelles Eternelles
La fusion sexuelle ne suffit pas à Céline, qui aimerait tout connaître de Matthieu.
Fard – Prix de la Jeunesse et Mention spéciale du jury pour un court métrage professionnel
De David Alapont et Luis Briceno, 12’55, 2009, Metronomic
A mi-chemin entre Matrix et Métropolis, l’histoire d’Oscar, citoyen émérite, qui fait malgré lui la découverte
d’une chose atroce : la réalité.
Je en Jeu – Grand prix du film de fin d’études
De Guillaume Bourrachot, 4’, 2009, La Poudrière
Dans un théâtre, deux comédiens répètent une pièce avec leur metteur en scène.
Mei Ling – Grand prix du court métrage professionnel
De Stéphanie Lansaque et François Leroy, 15’, 2009, Je suis bien content
Mei Ling, jeune chinoise oisive, vit seule dans son appartement en attendant son amant. Jusqu’au jour où
elle découvre un minuscule poulpe caché dans l’évier. Elle décide de l’adopter pour tromper son ennui. Le
poulpe grandit…
Infos pratiques :
Cinéma Le Denfert, 24 place Denfert-Rochereau, Paris 14e – M°Denfert-Rochereau
Tarif unique : 5 euros – Gratuit sur présentation de la carte d’adhérent Afca, dans la limite des places disponibles
Date/heure : mardi 11 janvier 2011 19:30
Rens. Afca, 01 40 23 08 13, contact@afca.asso.fr
La première édition du festival de cinéma documentaire FranceDoc aura lieu début mai 2011 à Paris et Saint-Denis (Ile-de-France). Une partie de la programmation sera reprise ensuite à l’étranger dans différents pays. L’inscription est gratuite. Courts et longs métrages sont acceptés. Les reportages, films d’entreprise, publicitaires ou institutionnels ne sont pas admis.
Les copies des films documentaires sont à envoyer avant le 15 mars 2011 :
– par courrier comprenant la fiche d’inscription et un DVD à :
Association FranceDoc 214 rue Saint-Denis 75002 Paris.
– ou par mail (info@francedoc.com) comprenant la fiche d’inscription
et un lien internet vers le film en ligne ou en téléchargement.
Vous pouvez télécharger la fiche d’inscription sur www.francedoc.com, rubrique « Festival ».
Contact : Mickael Muraz
Association FranceDoc
Tel +33 (0)1 80 06 69 89
Depuis de nombreuses années, le Carrefour de la création soutient la découverte de films et favorise l’émergence de projets d’animation. Les Appels à projets permettent de donner une impulsion souvent décisive à la création. Ainsi, le Festival est l’occasion pour les réalisateurs de présenter leur projet devant un panel de professionnels. Ils rencontrent les partenaires financiers et artistiques nécessaires à l’aboutissement de leurs projets.
Les Appels à projets se déclinent en 4 catégories : Courts métrages, Longs métrages, Séries et spéciaux d’animation pour la télévision, Cross-média
Pour tous, sélection par un comité d’experts, organisation de rencontres, aide à la prise de rendez-vous… Profitez du contexte unique d’Annecy pour réunir des partenaires et propulser vos projets à la conquête des écrans.
Comment inscrire un projet?
Consultez le règlement et les modalités d’inscription pour chaque catégorie dans les formulaires correspondants.
Pour inscrire votre projet, envoyez le dossier d’inscription complété avec l’ensemble de la documentation spécifiée dans les différents formulaires avant le 15 février 2011 à :
CITIA, Géraldine Baché,
c/o Conservatoire d’art et d’histoire,
18 avenue du Trésum, BP 399,
74013 Annecy Cedex, France.
Infos : http://www.annecy.org/edition-2011/participer/inscrire-un-projet
Pour inscrire un film, vous devez :
* respecter les conditions de présélection
(œuvre réalisée image par image…),
* remplir le PDF interactif d’inscription et l’envoyer par courriel à film@citia.org
Puis, imprimer et signer le formulaire PDF interactif d’inscription, et l’envoyer avant le 1er février 2011 (pour les longs métrages le 15 mars 2011) accompagné des documents et du matériel demandés à
CITIA, Laurent Million,
c/o Conservatoire d’art et d’histoire,
18 avenue du Trésum, BP 399,
74013 Annecy Cedex, France.
Télécharger le formulaire d’inscription
Infos utiles : http://www.annecy.org/edition-2011/participer/inscrire-un-film
Date limite d’inscription : 1er février 2011
Katia Bayer
1. Translating Edwin Honig : A Poet’s Alzheimer’s d’Alan Berliner (États-Unis)
2. Höstmannen de Jonas Selberg Augustsén (Suède)
3. The Cow Who Wanted to Be a Hamburger de Bill Plympton (États-Unis)
4. Incident by a bank de Ruben Östlund (Suède)
5. All Flowers in time de Jonathan Caouette (États-Unis)
Adi Chesson
1. Kwa Heri Mandima de Robert-Jan Lacombe (Suisse)
2. The Lipsett Diaries de Théodore Ushev (Canada)
3. Stardust de Nicolas Provost (Belgique)
4. Nola d’Askia Traoré (Tchad, France)
5. Magic for Beginners de Jesse McLean (États-Unis)
Marie Bergeret
1. Thermes de Banu Akseki (Belgique)
2. Hideway de Petra Szocs (Hongrie)
3. A Lost and found box of human sensation de Martin Wallner et Stefan Leuchtenberg (Allemagne)
4. Stardust de Nicolas Provost (Belgique)
5. Kwa Heri Mandima de Robert-Jan Lacombe (Suisse)
Amaury Augé
1. All Flowers in time de Jonathan Caouette (États-Unis)
2. Coloscopia de Benoit Forgeard
3. Tussilago de Jonas Odell (Suède)
4. Petit tailleur de Louis Garrel (France)
5. Stardust de Nicolas Provost (Belgique)
Mathieu Lericq
1. Archipel de Giacomo Abbruzzese (Palestine)
2. C’était quand ? Non. Il y avait quoi ? Oui. Hommage à Éric Rohmer de Jean-Luc Godard (France)
3. La Confession de Tanel Toom (Royaume-Uni)
4. Day & Night de Teddy Newton (États-Unis)
5. Mort par suffocation de Visar Morena (Allemagne)
Xavier Fayet
1. Man in a Room de Rafael Palacio Illingworth (États-Unis, Suisse, Mexique)
2. On the Way to the Sea de Tao Gu (Canada, Québec, Chine)
3. The External World de David O’Reilly (Allemagne)
4. Traumdeutung de Lauri Warsta (Royaume-Uni, Angleterre )
5. Shikasha d’Isamu Hirabayashi (Japon)
Rémy Weber
1. The Shutdown » Adam Stafford (Royaume-Uni)
2. Itt Vagyok de Bàlint Szimler (Hongrie)
3. Hurlement d’un Poisson de Sébastien Carfora (France)
4. Noyla de Murat Cem Öztükefçi (France, Turquie)
5. La Petite Sirène d’Adrien Beau (France)