Fiche techniques

Synopsis : Explorant la voie d’un cinéma non narratif, bannissant le commentaire, Pick Up détourne la petite station balnéaire de Benidorm en un endroit multiforme et démesuré, cocasse et inquiétant à la fois.

Genre : Documentaire

Durée : 36’

Année : 2005

Pays : France

Réalisation : Lucia Sanchez

Montage musical : Chazam

Production : Local Films

Article associé : la critique du film

Fiche technique

extrait du film

Synopsis : Déroulant les atours de la fiction, Connaissance du monde propose un voyage cinématographique onirique et précis entre couleurs et noir et blanc, solitude et nécessité de la rencontre, l’ici et l’ailleurs. Une mise à jour du monde par ses fonds lumineux et sombre.

Genre : Fiction

Durée : 44′

Année : 2004

Pays : France

Réalisation : Philippe Fernandez

Scénario : Philippe Fernandez

Image : Fred Mousson, Pierre Wéité

Son : Philippe Léchelle

Montage : Philippe Fernandez

Interprétation : Bernard Blancan

Production : Karé production

Article associé : la critique du film

Rendez-vous sur la plateforme d’inscription en ligne Short Film Depot pour enregistrer votre film :

(voir le règlement et les conditions sur Short Film Depot)

EN

Submission deadline: May 22nd, 2011
Entry fee: no fee

Requirements :
1) Films completed after : 1st September 2009
2) Maximum running time : 60 minutes (Documentary : 35min.)
3) Country of production : all
4) Screening formats : 35 mm, Digital Betacam, Betacam SP DV, DV Cam (Pal)
5) Genres accepted : all

Link : Short Film Depot

Avant de passer derrière et devant la caméra, Luc Moullet a usé de sa plume aux Cahiers du cinéma. Dès 1956, il officiait aux côtés de Jacques Rivette, Éric Rohmer, François Truffaut et Jean-Luc Godard, avec lesquels il entretenait des rapports étroits et partageait une conception commune du cinéma. Devenu réalisateur, Luc Moullet s’est distingué rapidement du groupe par sa présence et son flegme caractéristiques. D’Un steak trop cuit (1960) à Toujours moins (2010), son œuvre compte aujourd’hui plus de quarante films, en majorité des courts-métrages. La première partie de notre entretien aborde les débuts d’une personnalité sous-estimée de la Nouvelle Vague, les relations avec ses pairs et l’essence comique de son inimitable travail de cinéaste.

Format Court : Avant d’analyser votre œuvre de cinéaste, il est difficile de ne pas évoquer votre carrière de critique de cinéma et, plus précisément, votre travail aux Cahiers du cinéma. Avant de tourner votre premier film, vous avez en effet écrit pour cette revue dès 1956. Comment vous êtes-vous glissé dans l’équipe des Cahiers ? Sur quels sujets, sur quels auteurs, se sont fixés vos écrits ?

Luc Moullet : Très tôt, je souhaitais rentrer aux Cahiers. Avant d’y parvenir, j’ai eu deux ou trois textes de refusés. Mais le quatrième est passé, c’était un article sur Edgar George Ulmer. J’avais pu, étant bien documenté, faire une bio-filmographie assez complète d’Ulmer que j’étais le seul à pouvoir obtenir parce que j’étais assez débrouillard. J’ai un côté “rat de bibliothèque”. L’article, qui n’était pas très bon d’ailleurs, est passé uniquement pour la filmographie, donc si je suis rentré, c’est parce que j’étais le mieux documenté. Et une fois qu’un premier texte est passé, il y en a un deuxième, un troisième, etc. Concernant les thèmes et les sujets, mes textes étaient variés, ils portaient sur Ulmer, sur Samuel Fuller, sur Luis Buñuel aussi. Après, j’ai été amené à travailler pour d’autres journaux dans lesquels il fallait écrire les articles du mercredi, en fonction des films qui sortaient en salle.

Progressivement, un lien de confiance semble s’être créé avec cette “bande”, composée de Jean-Luc Godard, Jacques Rivette et quelques autres. C’est d’ailleurs Godard qui vous a permis de réaliser votre premier court-métrage, n’est-ce pas ?

L.M. : Oui. Mon premier texte important dans Les Cahiers fut un article d’une dizaine de pages sur l’œuvre de Godard, lors de la sortie d’À bout de Souffle (1960). J’ai été invité au cocktail juste avant la sortie du film et Godard a dit à son producteur, Georges de Beauregard : « Produisez un film de Moullet ». Le producteur a obtempéré car Godard l’avait sauvé de la faillite grâce aux recettes colossales d’À bout de souffle. Il ne s’y connaissait pas trop en cinéma donc il se fiait à la parole de Godard. Godard, c’était une sorte de “pygmalion du cinéma français” puisque c’est lui qui a dit : « Produisez un film de Demy, de Rozier, de Varda… » Il a également attiré son attention sur Jean-Pierre Melville qui a fait son premier film dans le système – avant cela, il était assez underground – et il a permis la production de La Religieuse, le deuxième film de Rivette. Il donnait beaucoup de coups de main aux autres réalisateurs et à ceux qui voulaient tourner. Il avait un petit côté “Saint-François-d’Assise”, Godard.

Justement, vous-même, songiez-vous déjà à réaliser des films à cette époque-là ? En écrivant sur les autres cinéastes, aviez-vous eu la tentation de devenir réalisateur ?

L.M. : Oui, bien sûr. Mais, à l’époque, au moment où j’ai commencé dans la critique, il me semblait très difficile d’accéder à la réalisation parce que seulement sept premiers films étaient produits chaque année, alors qu’aujourd’hui, il y en a soixante. En plus, on accédait à la réalisation au terme d’un curriculum vitae assez long, il fallait un certain nombre d’années d’assistanat. On a l’exemple de Marcel Camus, qui a pu faire son premier film à quarante-cinq ans, après avoir fait un certain nombre de films comme stagiaire ou assistant. Moi-même, j’étais incapable d’être assistant, donc je ne pouvais pas suivre cette filière-là, qui était en plus très sélective. Cependant, en effet, j’avais l’idée de réaliser. J’avais commencé à écrire des scénarios vers l’âge de dix ans, mais ce n’était pas très sérieux. Et lorsqu’il y a eu le grand succès des réalisateurs des Cahiers, j’ai suivi la vague. D’ailleurs, il était difficile à l’époque pour un critique de ne pas réaliser de film. Les producteurs se jetaient à vos genoux. Pour eux, c’était une sorte de filon d’or, les critiques des Cahiers.

À cette époque, quand on parlait de cette équipe des Cahiers, passant du statut de “critique” à celui de “réalisateur”, on parlait surtout de la « Nouvelle Vague ». Vous sentiez-vous appartenir à ce groupe ? Certaines personnalités étaient un peu plus émergentes que d’autres. Acceptez-vous par ailleurs d’être catalogué comme “cinéaste de la Nouvelle Vague” ?

L.M. : Le sentiment d’appartenance provenait du fait qu’on avait à peu près les mêmes idées sur les films. Sur le plan de la critique, il y avait peu de divergences. Il arrivait qu’il y en ait quelques-unes, mais souvent on les gommait parce qu’il y avait un esprit de corps. Mais au niveau de la carrière, ça allait être complètement différent : rien de plus opposé qu’un film de Chabrol et un film de Rivette, par exemple, ou qu’un film de Godard et un film de Truffaut.

Quant à la carrière de cinéaste, on me catalogue assez souvent comme membre de la Nouvelle Vague. Quand j’ai débuté, c’était un an et demi après Les Quatre cent coups (1959) et il n’y avait plus d’autres places pour un grand nombre de cinéastes issus des Cahiers. Trois d’entre nous ont percé tout de suite, et d’autres autres ont connu certains malheurs avant de réaliser leur deuxième film, Rivette et Rohmer par exemple. En effet, la vis était un peu serrée; le public comme les médias ne pouvaient pas ingurgiter quinze nouveaux réalisateurs. C’est pour cela que les carrières des réalisateurs des Cahiers ont été assez difficiles. Mais on était un peu en porte-à-faux, Jean-Marie Straub, Jean Eustache, Jean-Daniel Pollet, Marcel Hanoun, Louis Garrel, Paul Vecchiali, Jacques Rozier, et moi. On était plus underground, nos œuvres étaient peut-être plus étranges, et on avait moins de talent que Godard ou Truffaut. Je crois qu’aucun de nous ne voulait appartenir à la Nouvelle Vague. Notre rapprochement était surtout important sur le plan critique : on défendait les mêmes auteurs mais il y avait d’énormes différences au niveau de notre cinéma.

Concernant les différences entre vous, certains ont rapidement choisi de réaliser des longs-métrages, alors que d’autres, comme vous par exemple, ont continué à faire des courts-métrages. Pourquoi avez-vous poursuivi votre travail de cinéaste dans la forme brève ?

L.M. : En fait, il y avait un principe qui existait dans les années 60 : on faisait d’abord de la critique, puis des courts-métrages, puis des longs. Si après avoir fait un long, on faisait un court ou de la critique, on était un peu dévalué dans le système. Pour ma part, quand j’ai réalisé mon premier long, je n’ai pas cherché à faire des courts. C’était un peu bête parce que j’ai eu des trous, comme ça, et j’ai suivi un peu le système. Ensuite, j’ai été un peu influencé par Straub, Varda, ou Vechialli, qui faisait des courts-métrages en même temps. À l’époque, de nombreux cinéastes refusaient de revenir aux courts. Je pense à Louis Daquin, par exemple, qui était bloqué après son dernier long-métrage, et qui n’a plus fait de films après. Le plus souvent, c’était le long-métrage ou rien.

L’argument de vos films est généralement très sommaire. Il est fondé sur un gag, une sorte de ligne directrice très simple que vous développez, que vous répétez, tout au long de votre travail. Dans Essai d’ouverture (1989) par exemple, vous essayez d’ouvrir une bouteille de Coca-Cola de différentes manières. Vous travaillez beaucoup avec l’effet comique. La forme brève vous aide-t-elle à susciter le rire ?

L.M. : Je me sens assez à l’aise dans des films de treize minutes par exemple, mais je peux faire des longs aussi, avec des durées assez courtes, de l’ordre d’1h20. C’est dommage d’ailleurs qu’Essai d’ouverture soit si court, j’aurais bien aimé que le film dure trois heures ! Mais c’était peut-être difficile à faire, un film de trois heures sur l’ouverture d’une bouteille, il faut vraiment être génial pour y arriver. Je sais que si Spielberg l’avait fait, ça aurait duré trente secondes. En fait, comme je fais des films comiques, c’est plus facile avec les durées courtes. Le spectateur a lui aussi des difficultés devant les films comiques très longs. Vous n’allez pas en trouver beaucoup des comédies réussies de deux heures. En général, le rire fatigue, c’est une usure des zygomatiques, et puis il y a une certaine lassitude. C’est pourquoi le film comique s’est surtout exprimé par la brièveté surtout au temps du muet ; je pense à Laurel et Hardy, à Chaplin, qui a fait soixante courts-métrages, et dix longs-métrages après, et à Buster Keaton la longueur normale pour un film comique est une durée très courte.

Le travail de critique de cinéma, à partir duquel vous avez commencé, est resté très présent : vous continuez à l’exercer aujourd’hui. Il vous arrive même de revendiquer être davantage un critique qu’un cinéaste. Qu’en est-il ?

L.M. : Pas forcément plus… D’abord, il y a moins de concurrence comme critique que comme réalisateur. Peu de gens ont la vocation d’être critique, par rapport à ceux qui veulent tourner un film. Donc on est un peu catapulté au premier rang quand on veut vraiment faire de la critique. Effectivement, moi, j’ai continué à faire de la critique. Mais je n’aime pas beaucoup le mot ” critique” parce qu’il est un peu contradictoire. C’est comme le droguiste, il ne vend pas de la drogue. Moi, j’étais plutôt un « laudateur », ou un “louangeur”. Il m’arrive rarement de dire du mal d’un film. Si celui-ci ne m’intéresse pas, je n’en parle pas.

Le nom de Godard revient souvent dans vos phrases. Quel lien entretenez-vous avec lui ? Est-ce de l’ordre de la fascination ?

L.M. : Il a une œuvre très importante. J’ai dit beaucoup de bien de certains de ses films que je considère comme les plus grands du cinéma comme Puissance de la parole (1988). On a des échanges parfois un peu distants. Je lui envoie mes DVD, je ne sais pas ce qu’il en fait. Mais Godard, il me sert d’attaché de presse, sans en avoir le titre. Il dit aux festivals : « Prenez le dernier film de Moullet », et mes films sont sélectionnés !

Propos recueillis pas Katia Bayer et Mathieu Lericq

Articles associés : la suite de notre entretien avec Luc Moullet, Luc Moullet : le short lui va si bien

Du 2 au 8 février 2011, les 11èmes journées cinématographiques de Saint-Denis (93) sont dédiées au thème « La comédie du travail ». À travers une programmation à la fois riche et diverse, les films et les invités — parmi lesquels Luc Moullet, Aki Kaurismäki et Marcel Hanoun — ont pour objet commun d’interroger, non sans humour parfois, les relations de l’homme et de son travail. Le clou de ce spectacle « laborieux » a eu lieu le vendredi 4 février avec la master-class du cinéaste finlandais, Aki Kaurismäki. Mais les séances se poursuivent jusqu’au 8 février avec une carte-blanche à Luc Moullet, la projection du chef d’œuvre chinois en trois parties À l’ouest des rails (2003) de Wang Bing et d’autres réjouissances aussi inattendues que pertinentes.

Retrouvez dans notre Focus :

– L’interview d’Aki Kaurismäki

– Le travail, c’est la santé, un reportage autour de « Misère au Borinage » « Le Sabotier du Val de Loire » et « Le 1er mai à Saint-Nazaire »

– l’interview de Luc Moullet : 1ère partie

– La suite de notre entretien avec Luc Moullet

Le coffret DVD des Lutins du Court-Métrage 2011 arrive bientôt. Cette année, 25 films (16 fictions, 3 documentaires, 5 films d’animation, 1 documentaire animé) ont été retenus sur 609 inscrits.

Ceux qui souhaitent recevoir le coffret et participer au vote, vous pouvez dès à présent remplir votre formulaire d’adhésion aux Lutins 2011. Ainsi vous devenez un membre du jury public ou professionnel.

– Adhésion Lutins 2011 – Vote public : http://leslutins.com/du_court_metrage/spip.php?article127

– Adhésion Lutins 2011 – Vote professionnel : http://leslutins.com/du_court_metrage/spip.php?article128

Vous pouvez également télécharger votre bulletin d’adhésion et nous le faire parvenir par courrier : http://leslutins.com/du_court_metrage/spip.php?rubrique25

Pour plus d’informations : www.nuitdeslutins.com

Entre 2007 et 2009, à l’occasion du festival Hors Pistes et en collaboration avec les éditions Lowave, le Centre Pompidou a sorti trois DVD comprenant chacun trois films issus de la sélection. Fidèles aux principes fondateurs de cet événement innovateur, et malgré leur diversité de durée, de genre, de nationalité et de style, ces œuvres partagent un trait commun : ils posent tous un regard inédit sur l’image cinématographique et son rôle narratif. Aperçu de quatre titres marquants dans les trois numéros.

DVD #1 : 3 moyens métrages

Connaissance du monde (Drame psychologique)

Le troisième court métrage de Philippe Fernandez est typique de l’œuvre de ce cinéaste atypique. Avec son penchant pour exprimer la solitude et l’incommunicabilité humaines sur fond d’un humour à la fois absurde et sardonique, il se place parmi ces auteurs, en grande partie français, qui échappent à une catégorisation usuelle pour créer leur genre à part – Tati certes, mais également Huillet et Straub entre autres.

Connaissance du monde, comme le suggère son titre, se base sur la série des conférences télévisées éponymes qui ont eu le vent en poupe pendant plusieurs décennies dans toute la Francophonie. En construisant une fiction à partir de cette série, Fernandez remet en scène son acteur fétiche Bernard Blancan, qui incarne un « scientifique zététique » tentant en vain de convaincre son audience du rôle des pouvoirs extra-terrestres dans les constructions soi-disant humaines à travers différentes civilisations. Encouragé par ses collègues qui partagent son point de vue, il part aux îles de Pâques à la recherche de preuves irréfutables de ce qui pourrait selon lui altérer, ou en tout cas compléter, la vision théologique de la création.

extrait du film

Loin de favoriser un dialogue ou un jeu d’acteurs exagéré, le réalisateur prend le parti de la sobriété de forme et de fond pour renforcer l’humour noir du récit. Par exemple, il s’appuie sur le personnage de la mère du protagoniste (très probablement interprété par la mère de l’acteur lui-même), une femme inexorable qui dénigre les ambitions de son fils, pour apporter au film son aspect ouvertement hilarant, voire bouffon. Le résultat est un ton comique malgré des vacillations thématiques tout à fait sérieuses, notamment l’isolement du personnage et son incapacité à communiquer avec les autres. Ceux-ci sont représentés par un jeu scénique qui consiste à mal encadrer le protagoniste, à l’écraser sous l’imposante géométrie architecturale de la ville moderne, une technique évocatrice de la description de la non-communication moderniste opérée par Antonioni dans l’Ecclisse. Par ailleurs, Fernandez parsème son image d’éléments dédoublant le sentiment de solitude : des miroirs, de très grands espaces, une chambre d’hôtel avec deux lits simples, une table vide à côté du protagoniste, autant d’éléments qui créent une profondeur de champ vide, soulignant l’absence de l’autre.

Au final, le protagoniste est lui-même un artiste et un narrateur qui fait des expériences sonores, qui filme et qui persiste malgré l’indifférence de ses interlocuteurs. Lorsque qu’on considère cette suggestion autobiographique et l’aplomb avec lequel Fernandez combine le sérieux de son sujet avec le ton ironique (remarquable jusqu’au sous-titre « drame psychologique »), on se rend pleinement compte des mérites de ce film à l’allure si modeste.

Pick Up

Lorsque la comédienne espagnole Lucia Sanchez s’est placée derrière la caméra, nul ne se serait douté du degré d’excentricité dont ses films feraient preuve. Pick Up, par exemple, également sur le DVD #1, est un film des plus expérimentaux si non carrément déconcertant.

Ce documentaire non narratif (au sens littéral du mot) montre avec nonchalance la station balnéaire de Benidorm, fréquentée quasi exclusivement par des Européens pensionnés. Ceux-ci profitent de leur temps libre au soleil à bronzer, à manger et le soir tombé, à danser aux côtés des quelques jeunes frénétiques et débridés qui offrent un contraste marqué à cette scène. Ce n’est pas tant les corps surannés, les tentatives de s’accrocher à une jeunesse longtemps disparue ni le côté grégaire et conformiste du sujet qui interpellent. Au contraire, c’est la brillante retenue avec laquelle Sanchez pose son regard et le subtil minimalisme dont elle se sert pour se positionner sans jamais prononcer de propos explicites qui en font un bon documentaire.

En effet, hormis la caméra, son ciné-œil pudique mais fouinard, le principal outil de la réalisatrice tient dans son usage habile de la bande-son musicale. Celle-ci a rarement été aussi parlante, jouant elle le rôle de la narration en l’absence de tout autre élément narratif. Elle anime le sujet de façon diégétique, accompagnant la plupart des activités en cours. En même temps, elle sert de musique de fond extra-diégétique et conditionne le regard du spectateur, en suggérant différents registres affectifs, du ridicule au sombre. En somme, elle véhicule la voix cachée du narrateur invisible qu’est Sanchez, mais sans pour autant être catégorique. En n’explicitant pas son point de vue ironique, la réalisatrice laisse le libre choix au spectateur-comme-voyeur pour se questionner au sujet de l’intention de l’auteur et de sa propre interprétation du film.

DVD #2 = L’autre cinéma

Forst

Coréalisé par trois Autrichiens, Ascan Breuer, Ursula Hansbauer et Wolfgang Konrad, Forst est un pseudo-documentaire décrivant les expériences d’un groupe de réfugiés politiques détenus dans une forêt imaginaire quelque part en Europe. Basé sur des témoignages réels de membres du Voice Refugee Forum, le film montre la séquestration et l’abandon de la part d’un pouvoir invisible qui représente l’autre côté de la communauté internationale humanitaire.

À l’instar du « Village » dans Le Prisonnier, ou bien de l’île mythologique de La Plage et plus récemment de Lost, la forêt prend le rôle de personnage à part entière, voire de protagoniste, autour duquel tout gravite. En effet, elle dépasse le cadre narratif et explose le champ visuel pour devenir le centre même de toute la perception filmique, presque tout au long du récit. Sur fond de cette tapisserie graphique, les voix des détenus expriment tour à tour leurs craintes, leur colère et leur désespoir. Grâce à l’expérimentation formelle à l’image, le spectateur éprouve ces mêmes sentiments claustrophobes avec une grande empathie à l’envers du sujet, peut-être même plus fort que si les témoignages s’étaient faits de façon explicite. Ici en revanche, l’image floue, pixélisée et achromatisée de la verdure semble parfaitement exprimer l’état psychique du sujet. En même temps, il y a une certaine hybridité de registre due à la présence des images plus figuratives, celles qui donnent un visage aux victimes et aux autorités. La familière étrangeté qui en sort rappelle l’onirisme de Tarkovsky mais avec une dimension plus cauchemardesque, ce qui rend le traitement de cette aberration humaine plus percutant.

DVD #3 : Un autre mouvement des images

The Music of Regret

Ce n’est peut-être pas un fait très connu que la comédienne Meryl Streep, avant de s’aventurer dans les acrobaties abba-esques de Mamma Mia, s’était déjà essayée au genre de la comédie musicale dans le court (moyen) métrage de Laurie Simmons. Tout comme dans le long de Phyllida Lloyd, elle porte le film sur ses belles épaules, ses pommettes saillantes et ses cordes vocales impressionnantes.

extrait du film et bande annonce du DVD

The Music of Regret est entièrement construit sur le registre du spectacle, avec trois actes. Le premier acte, « The Green Tie », suit l’histoire de deux familles très proches à tous niveaux : les deux grands-pères sont meilleurs amis, leurs fils et filles, également proches, se marient entre eux, et leurs enfants à leur tour deviennent fatalement inséparables. Suite aux suggestions peu judicieuses de la part d’une des filles – la préparation d’un gâteau à la vanille au lieu d’un dessert au chocolat, et le port d’une cravate verte pour obtenir une promotion, la vie de l’un des deux couples est complètement basculée et bouleverse les rapports entre ces deux foyers proches, et va vers une fin relativement tragique. Le deuxième acte, nommé « The Music of Regret », mêle live-action et animation en volume, avec la gracieuse silhouette de Streep vivant une histoire d’amour rhapsodique avec de nombreuses marionnettes identiques, ce qui fait penser à l’Escale à Hollywood, où Gene Kelly danse avec Jerry la souris, ou encore au clip d’Opposites Attract, avec Paula Abdul et scat Kat MC. Finalement, le troisième acte, « The Audition », s’éloigne le plus des codes de la comédie musicale animée. Ici, il s’agit entièrement de live-action, Meryl Streep étant réduite à une voix qui commente une audition de ballet lors de laquelle les candidats sont eux-mêmes totalement déshumanisés. La figuration est ici complètement mise à mal au profit du spectacle pur, montrant ainsi une progression très intéressante de la narration vers la monstration à travers ces trois actes. Le film de Simmons est léger et divertissant sans pour autant être frivole, dans la mesure où il revisite le genre avec intelligence et humour.

Adi Chesson

Consultez la fiche technique de Connaissance du monde, de Pick Up, de Forst et de The Music of Regret

DVD Hors Pistes : Editions Lowave

Fiche technique

Synopsis : Cette narration documentaire est montée uniquement à partir de vidéos sur internet. Nullement moqueuse, elle présente le monde des vidéos blogs, où des adolescents livrent leurs corps et leurs âmes au regard de la communauté virtuelle, via webcam. Les vidéos choisies sont diverses et poétiques. Il en ressort pourtant avec force des angoisses, des craintes et des solitudes qui se font échos. Et un nouvel usage de l’image se confirme.

Réalisation : Olivia Rochette, Gerard Jan-Claes

Scénario: Olivia Rochette, Gerard Jan-Claes

Genre : Documentaire expérimental

Durée : 47′

Année : 2010

Pays : Belgique

Image : Olivia Rochette, Gerard Jan-Claes

Son : Olivia Rochette, Gerard Jan-Claes

Montage : Olivia Rochette, Gerard Jan-Claes

Musique : Ethan Rose, Mount Kimbie

Production : KASK

Article associé : la critique du film

Dialogue avec mon vlogger

« Because We Are Visual » d’Olivia Rochette et Gerard-Jan Claes, diplômés du KASK (Koninklijke Academie voor Schone Kunsten de Gand), porte un regard inédit sur la communauté des vloggers à travers le monde. Un essai documentaire d’exception sélectionné au Festival Hors Pistes.

Qu’on se le dise, le virtuel a envahi les chaumières même les plus réfractaires et a redéfini notre manière de voir et de donner à voir. Le vlogger ou vidéo blogger participe de cette révolution technologique. Exhibitionniste à souhait, il attise la pulsion voyeuriste de tout un chacun en se confessant sur la grande toile. Ainsi, on peut rentrer dans les secrets les plus intimes d’un parfait inconnu en suivant régulièrement ses vidéos postées sur l’espace cybérien. À la différence du blogger, le vlogger a un visage et il ne s’en cache pas, à la différence du journal intime traditionnel, le vlog peut être vu et commenté par le monde entier. Voilà qui pose question sur la notion d’intimité et de limite des espaces privés et publics.

Derrière les images, des vies sont tissées, des vies que l’on devine solitaires. À fleur de web, les âmes seules se dévoilent, se racontent, s’ouvrent au spectateur voyeur dans l’anonymat le plus abstrait relevant l’un des paradoxe de l’époque actuelle. Dans ce jeu de confessions, on soulève bien des non-dits, on révèle parfois des secrets sans jamais vraiment se rapprocher de la vérité car le vlogger se sait filmé alors il se permet quelques subtilités de mise en scène manipulant gentiment les répliques pour son seul en scène virtuel. C’est que le net offre un espace de liberté où tout semble possible.

Monté en évitant soigneusement de tomber dans les mailles du sensationnalisme, le film expérimente les possibilités d’un nouveau support médiatique (internet) tout en réussissant le tour de force de construire une narration captivante affichant le spectacle de la banalité comme preuve d’existence. Un récit inspiré évoquant la poétique du spleen baudelairien.

Marie Bergeret

Consultez la fiche technique du film

Jusqu’au 6 février 2011, se déroule au Centre Pompidou la 6ème édition du festival Hors Pistes, qui pose, au travers d’une programmation de moyens métrages, un regard sur la variété des formes que l’image prend aujourd’hui : projections, performances, installations, images en réseau ou images éphémères, projection mentale ou images en devenir. Pendant trois jours encore, intéressez-vous au cinéma hybride, à l’ouverture des frontières, et aux nouvelles narrations.

Retrouvez dans ce focus :

– La critique de « Because We Are Visual » de Olivia Rochette et Gerard-Jan Claes (Belgique)

– la critique des DVD Hors Pistes : Vers une narration hors des chemins battus

Short Screens lance sa saison 2011 avec sa quatrième édition, consacrée à trois auteurs d’animation belge. Rendez-vous au Micro Marché (9 quai à la Houille, 1000 Bruxelles) le 3 février 2011 à 20h!

Un projet de l’asbl Artatouille et Format Court.
Contact: artatouille@gmail.com, info@formatcourt.com

Suivez l’événement sur Facebook.com !

Dans la catégorie « Première création », c’est « Recardo Muntean Rostas » de Stanislas Zambeaux qui emporte à la fois les suffrages du jury et aussi du public.

Dans la catégorie « Film jamais diffusé », c’est « Yézémed Yébaèd » de Leila Morouche qui a su séduire le jury et « La Chambre Cambodgienne, situations avec Antoine D’Agata » de Tommaso Lusena De Sarmiento et Giuseppe Schillaci qui a été largement plébiscité par le public .

Les trois films « primés » seront en ligne sur le site jusqu’au dimanche 6 février 2011. Il seront également diffusés sur grand écran lors de la soirée de clôture du festival le vendredi 11 mars à la salle Jean Dame à Paris (sur réservation, nombre de places limité).

Retrouvez également notre focus consacré à Pointdoc

Fiche technique

Synopsis : Oran. Vendredi. Eté 1994. Après un reportage à Kaboul, Salim revient dans sa ville à l’heure de la prière. Il retrouve Houria, la femme qu’il aime, cachée dans un appartement clandestin. Pour fêter leurs retrouvailles, Salim sort une bouteille de vin, dénichée en Afghanistan. Seulement voilà, Houria n’a pas de tire-bouchon…

Genre : Fiction

Durée : 20′

Année : 2010

Pays : France

Réalisation : Amal Kateb

Interprétation : Kader Fares Affak, Amal Kateb

Scénario : Amal Kateb

Image : Thomas Favel

Son : Romain Cadilhac

Montage : Anita Perez

Production : Les films au long cours

Article associé : l’interview d’Amal Kateb

Fiche technique

Synopsis : Taos, une très belle jeune femme, rencontre régulièrement un homme dans le jardin zoologique d’Alger. Les couples d’amoureux sont mal à l’aise devant les regards hostiles des promeneurs et ne trouvent d’intimité qu’à l’abri de la végétation.

Genre : Fiction

Durée : 19′

Pays : France

Année : 2009

Réalisation : Nazim Djemaï

Scénario : Nazim Djemaï, Messaoud Djemaï

Montage : Anne-Catherine Mailles

Image : Frédéric Choffat

Son : Matthieu Perrot

Interprétation : Amal Kateb

Production : Capricci Films

Article associé : l’interview d’Amal Kateb

Parfois, il se passe quelque chose d’important lors des interviews, ces moments peu naturels où deux inconnus se font face pour la première fois, où l’un est censé se livrer plus que l’autre. Ce genre de situation se produit rarement mais survient quand on rencontre quelqu’un comme Amal Kateb, comédienne et réalisatrice de On ne mourra pas, Prix des bibliothécaires à Angers et film en lice pour le Prix France Télévisions. Habitée par l’Algérie, marquée par l’engagement et à l’origine de trous dans les murs, elle se raconte sur le fil, autour d’un film et d’une certaine histoire.

Tu es née, tu as grandi en Algérie. Comment es-tu arrivée en France ?

Amal Kateb : J’ai grandi en Algérie, je suis arrivée en France pour faire des études universitaires. En parallèle, j’ai commencé le théâtre. C’était un rêve d’enfant que je n’avais pas pu réaliser en Algérie car quand j’ai voulu le pratiquer, le Front islamique du salut (FIS) a gagné les élections municipales législatives et leur première action a été de museler les endroits de création et de culture, de fermer les lieux de musique, de danse, de théâtre.

La peur commençait à s’amplifier, on sentait les interdits grandir et une montée de l’intégrisme et du terrorisme. Après, pour des raisons personnelles, je suis partie en France avec comme objectif de rentrer en Algérie et de partager ce que j’avais appris. Je sentais cette responsabilité-là.

Quand on part, on est exilé, on est impuissant. On ressent doublement les choses : on est loin et on est encore là-bas.

A.K. : Il y a plusieurs choses. Le départ a été douloureux. En plus, les attentats, les assassinats continuaient. Je pense que comme la plupart des Algériens, j’ai perdu des proches, des connaissances. Être loin, c’était terrible parce qu’on est impuissant. Je me rappelle, j’étais branchée tout le temps sur France Info, j’apprenais l’assassinat de gens que j’aimais, que je connaissais, en écoutant les informations. Moi, j’étais à Dijon, toute seule, je ne connaissais personne, j’écoutais la radio et j’entendais l’énumération des morts et j’avais peur pour mes proches qui étaient encore en vie. La peur est là, tout le temps là. Vivre ailleurs n’a pas empêché la peur, l’angoisse et l’impuissance. C’est vrai que ce sont des choses qu’on ne reconnait pas forcément, on a l’impression que ceux qui partent oublient ou se détachent. Ce n’est pas le cas. Même si on est ailleurs géographiquement, dans nos têtes et dans nos cœurs, on est avec nos proches, on est avec notre peuple.

En Algérie, la création diminuait publiquement, est-ce pour cela que tu voulais revenir avec un projet propre, un projet algérien ?

A.K. : Je crois que les choses étaient plus simples que ça. Les choses s’arrêtaient mais si les gens se faisaient tuer, c’est parce qu’ils n’arrêtaient jamais. Où qu’ils soient, ils continuaient à se battre, à lutter, à dénoncer, à vivre, à tomber amoureux, à jouer comme le font les enfants dans le film. La vie ne s’arrêtait pas, la pulsion de vie était beaucoup plus forte que tout ce qui se passait autour.

Effectivement, le fait d’être en France m’a permis de concrétiser des rêves, d’apprendre des choses et d’avoir du recul par rapport à moi-même. Si je n’étais pas partie, si j’avais été constamment confrontée à cette violence-là, à cette terreur-là, je n’aurais pas fait le même film, j’en suis sûre. Mais j’étais loin, ça m’a permis de prendre du recul et de nuancer des images, de faire un gros travail sur le hors champ.

Quel était le point de départ de On ne mourra pas ? T’es-tu inspirée de ta propre histoire ?

A.K. : De mon histoire, oui. Il y a des choses que j’ai vécues et d’autres que j’ai inventées. Je suis partie d’une anecdote que m’a raconté ma tante sur un tire-bouchon. Petit à petit, cet objet-là m’a marquée, cela m’intéressait de voir à quel point un objet anodin, simple pouvait devenir un objet de transgression dans un autre cadre, un cadre de terrorisme et de guerre, et à quel point il pouvait susciter des situations cocasses et terribles à la fois.

Est-ce que pour ce film, tu t’es basée sur des références extérieures à toi ? La question de la terreur, du tabou, c’est quelque chose que tu as pu voir dans d’autres courts métrages algériens ?

A.K. : Ce qui a été compliqué quand j’ai voulu écrire et réaliser cette histoire, c’est que je n’avais aucune référence de court métrage algérien. Souvent, quand on débute, on a besoin de voir les films qu’ont faits les autres sur la même situation. Je n’en ai pas trouvé donc j’ai commencé à écrire sur mon ressenti, avec mon instinct, mon vécu, mon imaginaire, mon imagination. Par hasard, quatre, cinq ans après, je suis tombée à la télévision sur le court métrage Cousines de Lyes Salem qui avait été tourné à Alger. Pendant cinq ans, je me disais que je voulais tourner en Algérie, avec des comédiens algériens parlant arabe, mais je n’avais pas d’exemple avant ce film. Ça m’a bouleversée de voir Cousines, c’était exactement le chemin que je voulais prendre. Cette année-là, il y a eu d’autres courts métrages autour du même sujet dont Le Secret de Fatima de Karim Bensalah. Ces films ont été les premiers courts de la même génération que moi, après 10 ou 15 ans sans images.

J’ai vu des films sur la guerre d’Algérie faits par des Algériens et d’autres mais, par rapport à ce que j’ai vécu, moi, je n’ai rien vu, rien trouvé. Je trouve ça terrible et dangereux de ne pas avoir d’images faites par les Algériens sur leur propre pays et sur leur propre histoire. Je me suis battue pour que ce film-ci existe, le faire était vital. Ou je le faisais ou je crevais.

Au théâtre, tu as lu des textes engagés, des lettres de prisonniers irakiens notamment. C’est important pour toi de prendre des risques et de donner une voix, un corps à des sujets pareils ?

A.K. : Pour moi, c’est essentiel. C’est vrai que par rapport aux choix que j’ai fait, j’ai été vers des textes, des auteurs, des metteurs en scène qui avaient des choses à dire, à dénoncer, et que je me sens investie, proche et habitée par ce besoin d’écorcher, de faire des trous dans les murs. Je n’ai pas la prétention de changer le monde mais je reste nourrie et habitée par un besoin de continuer à dire les choses qui me bouleversent et qui me sont proches.

Comment as-tu vécu le fait de jouer dans ton pays lorsque tu étais comédienne sur La Parade de Taos de Nazim Djemaï ?

En tant que comédienne, ça a été très important pour moi de faire ce film. C’était la première fois que j’allais tourner en Algérie. La rencontre avec Nazim a eu lieu au bon moment par rapport à nos parcours respectifs. Je me suis rendu compte qu’il y avait des metteurs en scène qui dirigeaient trop chaque geste, chaque regard. Avec lui, on travaillait autrement, il voulait un jeu très naturel, il donnait le cadre et moi, je pouvais évoluer dedans et jouer avec mon ressenti. C’est très agréable en tant que comédienne de ressentir cette confiance.

Est-ce que On ne mourra pas a été montré en Algérie ?

A.K. : Je l’ai d’abord fait pour les Algériens. Pour moi, l’essentiel, c’est qu’il soit vu là-bas. Pour l’instant, il n’est pas encore passé dans un festival en Algérie mais je sais qu’il a été vu parce qu’il est passé sur France 2 et que pas mal de personnes l’ont vu à la télévision.

Et quels sont les retours que tu as reçus ? Les gens sont-ils prêts à mettre des mots, à parler ?

A.K. : Dans les retours que j’ai eus, il y a toujours beaucoup d’émotion. Les gens sont heureux que cette partie de leur histoire soit racontée, mise en images, parce que c’est comme un bulldozer qui est passé sur nous. Des horreurs ont eu lieu, il fallait continuer à vivre et des choses sont passées sous silence. Il n’y a pas d’images, de sons de cette période-là, mais les gens sont touchés qu’il y ait une trace de ce qu’ils ont vécu, des peurs qu’ils ont eues, des êtres qu’ils ont perdus.

Propos recueillis par Katia Bayer

Au programme

1ère partie TREMPLIN (50min44) :

– BEAUTE EN TOUCHE de Géraldine Fréry (HD – 5min – 2010 – autoproduction) :
Ils fraient leur chemin, ils bottent en touche, ils ne prennent pas leurs jambes à leur cou.

– LES BEAUX HABITS de Clémence Madeleine-Perdrillat (HD – 12min – 2010 – La Baleine Rose) :
Un lavomatic, à Paris. Un garçon timide y rencontre une jeune fille énervée, sur le point de rompre avec son ami ; celui-ci survient et s’explique avec elle dans la rue.

– BLOODY CRUMBLE d’Eric Périssé (HD cam – 11min30 – 2009 – Eight 35 et Phenix Films) :
Trois braqueurs se retrouvent avec un contrat sur leur tête pour s’être fait braquer l’argent de leur commanditaire. Désormais, ils n’auront qu’une obsession : trouver le magot avant que la mafia albanaise ne les trouve.

– L’INSTANT SUIVANT de Fabien Carré (Super16 / 1.66 – 6min – 2009 – autoproduction) :
Un homme âgé ans est assis dans son salon. Il se remémore des événements passés tandis que le spectateur est invité à regarder les photos exposées dans son salon…

– JE NE VEUX PAS GUERIR de Nicolas Plouhinec (35mm – 16min17 – 2010 – 3iS) :
Si l’amour était une maladie, alors Etienne et Charlotte en sont presque guéris. Alors qu’ils étaient fou amoureux à 17 ans, les voici trentenaires et proches de la séparation. Tandis qu’ils se disputent sur le bord d’une route, leurs homologues adolescents apparaissent. Ceux-ci vont essayer de comprendre ce qui a changé en 15 ans et tenter de les réconcilier.

BANDE ANNONCE : RAQUETTE de Loïc Geraci et Renaud Branciard (HD – 3min45 – 2010 – Mes Couilles dans ton Slip) :
Parodie de la bande annonce de Machete dans l’esprit Grindhouse…

à 22h30 : 2ème partie ENFANCE (41min) :
– PLANTER DES RÊVES de Pierre-Antoine Carpentier (Super16 / 1.85 – 16min – 2009 – Les Films au Clair de Lune / Prométhée Productions) :
Théo, 6 ans, est atteint d’un cancer. Il découvre dans un livre que la lune a des pouvoirs guérisseurs. Avec son frère, il va se mettre à la recherche d’un morceau de lune. Pierre, homme d’entretien, va se retrouver, bien malgré lui, associé à cette quête…

– MON PERE de Patrice Gablin (HD 4K 2 :39 – 13min – 2010 – Fear’y Dream Production avec la participation de ECMP Media Production) :
Il se passe quelque chose d’étrange dans la famille Ergo. Une tension permanente, un secret de famille… Et la venue d’un camarade d’école qui risque de tout faire basculer.

– CONTACTS de Michaël Guerraz (35mm – 12min – 2009 – Le G.R.E.C) :
Un photographe ressort un vieil appareil photo brisé qu’il avait offert à son fils, quelques mois plus tôt. Il développe la pellicule et tente d’attirer l’attention de sa femme sur une mystérieuse photo…

Infos de programmation : diffusion@collectifprod.net
Page Event Facebook : http://www.facebook.com/pages/Collectif-Prod/113598972034398#!/event.php?eid=133142733417142

Rendez-vous le vendredi 04 février à 20H pour discuter, à 21H pour la projection
au CAFE DE PARIS
158 rue Oberkampf – 75011
Métro : Ménilmontant (L2)

Stimulé par le jeu et le naturel des ados, Rudi Rosenberg fait des films avec eux après être passé par la case comédien. Son dernier film « Aglaée » a remporté le Prix CCAS et le Prix d’interprétation féminine à Angers et part bientôt pour Clermont-Ferrand. Rencontre entre deux villes, dans un café apaisant, à peine chamboulée par les rongeurs d’opéra.

On t’a connu comédien. Qu’est-ce qui t’a poussé vers la réalisation, après un passage par l’EICAR ?

J’y ai toujours un peu pensé. Je savais que tôt ou tard, j’allais m’y mettre. J’ai eu l’occasion de faire un stage subventionné par l’AFDAS. Tous les deux ans, les professionnels du spectacle ont droit à un stage. Tu peux devenir cuisinier, fleuriste, faire de l’informatique, de l’anglais, etc. La première fois, j’avais fait du théâtre. En 2007, j’ai hésité entre la musique et le cinéma. Finalement, j’ai décidé de faire l’EICAR pendant un an. Je me suis donné à fond, et j’avais des petits rôles en parallèle.

En fin d’année, tu as réalisé « 13 ans ». Tu as fait ressurgir des souvenirs personnels dans cette histoire autour de l’adolescence ?

J’ai écrit quelque chose sur l’adolescence en piochant un peu dans mes souvenirs et en essayant de scénariser, de construire une histoire. Ce n’est pas du tout autobiographique (“le mec qui se protège !”) mais la première scène du film est arrivée. Ça peut être un lieu commun de traiter de l’adolescence dans ses premiers films. Mais le temps passe et j’ai toujours envie d’approfondir ce sujet.

Qu’est-ce qui t’intéresse dans l’adolescence ? L’individu par rapport au groupe, les garçons contre les filles, le sentiment de gêne ?

L’individu par rapport au groupe, j’aime bien. Ce n’est pas que j’ai vraiment un regard sur l’adolescence. Non, ce que j’aime bien surtout, c’est les adolescents, c’est eux. Je suis davantage admiratif devant un ado qui est juste et vrai devant une caméra que devant le plus grand des comédiens. Je vois ça dans les films de Sophie Letourneur, Philippe Faucon, et Larry Clark.

Comment encadres-tu tes jeunes comédiens ? Comment travailles-tu avec eux alors que ce sont tes premières expériences en tant que réalisateur ?

« Aglaée », c’est une sorte de laboratoire avant le long métrage que je suis en train d’écrire. J’avais envie de faire des impros avec des jeunes, de voir comment ils réagissaient. C’était surtout une expérience de direction d’acteurs avant d’envisager un quelconque circuit en festival. Le film marche bien, j’en suis super heureux mais au départ, je voulais vraiment m’entraîner à diriger des jeunes. Il y a eu beaucoup plus d’impro sur « Aglaée » que sur « 13 ans ». Quand on tourne en 35 mm, c’est difficile d’improviser. On avait très peu de pellicule, on ne pouvait faire que deux prises par plan. Pour « Aglaée », on a vraiment pu travailler plus.

Comment as-tu choisi le comédien d’« Aglaée », Marc Faria-Chaulet ?

On a fait pas mal de castings sauvages. Le comédien roux qui joue le rôle de Benoît, je l’ai trouvé à la dernière minute le dernier jour, dans la rue. Il foutait le bordel devant son collège avec ses copains, il nous a balancé des pétards sur la gueule et il nous a fait mourir de rire ! Au départ, je voulais un mec petit, marrant, qui essaye de sortir avec la fille plus grande, un peu plus belle, un peu handicapée. Je pensais qu’il y avait là un ressort comique. Finalement, le film a pris un sens différent avec ce choix de casting.

Dans le film, il y a une scène qui gêne parfois les ados et les profs qui les encadrent, celle où Aglaée voit du sperme sur un coussin…

Ah bon ? J’ai l’impression que les gens ne réagissent pas à cette scène. On ne m’en parle jamais, du coup, j’ai oublié le problème. C’est marrant que tu m’en parles parce que je déteste ça, mettre les gens mal à l’aise. J’ai essayé quand même d’être le plus soft possible, du moins, je le croyais. Pour moi, c’était plus un prétexte pour une scène de comédie mais cela devient oppressant pour le personnage. Ce que je voulais, c’est que le garçon se mette dans une situation délicate et que la fille lui vienne en aide. En tout cas, pour mon long, je veillerai à ne pas montrer des choses aussi crues.

Qu’est-ce que tu as appris sur le deuxième film que tu n’avais pas découvert sur le premier ?

Je pense que j’ai fait des progrès en direction d’acteurs. Enfin, j’ai appris des choses sur les ados, sur l’équipe. Déjà, je sais que si je fais un long avec des ados, je ne les mets pas dans le même hôtel ! J’en mets un par hôtel !

Ça va faire un sacré budget !

Ah non, mais là, ce n’était pas possible, ils ne dormaient pas de la nuit ! Ça a été le plus beau tournage de ma vie, il y avait une ambiance extraordinaire. On s’est tous pleuré dans les bras en repartant. C’est incroyable à quel point les jeunes sont capables de se lier d’amitié en très peu de temps comme ça.

Est-ce que tu leur as apporté des trucs que tu as appris en tant que comédien ou tu les as laissés se débrouiller seuls ?

Au contraire, il faut les laisser libres. C’est plus de la délicatesse, de l’attention qu’il faut avoir pour eux. En tant que comédien, j’ai pu subir le manque d’attention de certains réalisateurs, et c’est quelque chose que j’essaye de ne pas reproduire. Le réalisateur termine une prise et ne dit pas si c’est bien ou pas. Le comédien a besoin d’être mis en valeur, surtout lorsqu’il a 13 ans et que son image est importante.

Ton rapport au court, c’est quoi en fait ?

Pour moi, c’est un laboratoire et un apprentissage. Un jour, en allumant la télé, je suis tombé sur « Manue Bolonaise » de Sophie Letourneur, un film avec des ados. Je suis resté scotché dessus, j’étais mort de rire pendant une heure. Je croyais que c’était un documentaire mais en fait, c’était une fiction. Je me suis dit que c’était exactement ce que je voulais faire, des films avec des ados. Ça m’a donné envie de devenir réalisateur.

Qu’est-ce qui s’est passé ce soir-là ?

Je me suis dit que ces ados étaient super naturels. Ça t’arrive de voir une fiction et de te dire c’est un documentaire ? Jamais, quoi. Il n’y a que les ados pour être aussi bons, pour te faire croire à ça.

Propos recueillis par Katia Bayer

Article associé : la critique du film

Fiche technique

Synopsis : Viktor n’arrive pas à dormir, alors il erre dans la ville. Il rencontre des amis et des inconnus… A la recherche de quelque chose. Un peu comme chacun d’entre nous.

Genre : Fiction

Durée : 36′

Année : 2010

Pays : Hongrie

Réalisation : Bàlint Szilmer

Scénario : Bàlint Szilmer

Image : Marcell Rév

Son : Bence Bükki

Montage : Robert Gradvolt, Wanda Kiss

Interprétation : Viktor Vida, Szilvi Murànyi, Gàspàr Bonta

Production : SzFE (Zìnhàz ès Filmuvészeti EgyetemSzenrkiràlyi)

Article associé : la critique du film

Bàlint Szilmer a réalisé « Itt Vagyok » lors de sa troisième année d’étude à l’Université d’Art du Spectacle de Budapest. Le film raconte l’errance de Viktor (Viktor Vida) dans la capitale : ses rencontres, ses sorties, ses visites… En voyant la qualité tant esthétique que scénaristique de ce troisième court-métrage, on ne peut qu’être impatient de voir aboutir le nouveau film que le réalisateur a en projet : son premier long-métrage. En effet, déjà avec « Itt Vagyok », le jeune réalisateur prouve qu’il est capable de bien s’entourer.

Dans un noir et blanc très contrasté, le chef opérateur Marcell Rév sculpte le clair-obscur pour faire ressortir avec beaucoup de finesse le trait particulier d’un visage, un espace précis de la scénographie ou l’atmosphère particulière des différents lieux dans lesquels il tourne. Que ce soit dans son travail sur la lumière, dans la composition des plans ou dans l’utilisation de la profondeur du champ, son savoir-faire est ici au rendez-vous pour le plus grand plaisir des yeux.

Les acteurs sont quant à eux excellents et donnent une bonne représentation de la jeunesse actuelle de la capitale hongroise. Viktor Vida, l’acteur principal, campe un personnage dont il laisse transparaître le caractère avec beaucoup de naturel : timide, gêné parfois, mais faisant pourtant preuve de beaucoup d’audace dans son habileté à provoquer les rencontres et à entretenir les liens d’amitié.

Si Viktor s’attache tant à son entourage, c’est peut-être qu’il n’a pas le choix. Le doute à son sujet plane tout au long du film sans que rien ne soit jamais clairement explicite. Dans le court laps de temps au cours duquel se passe le film, deux jours tout au plus, pas une seule fois nous ne nous éloignons de Viktor. Ses rapports aux autres nous invitent d’abord à nous questionner sur sa sexualité, puis, toujours à travers ses rapports aux autres, nous découvrons peu à peu son mode de vie. En observant les détails sur lesquels il porte son attention, on devine ce qu’il cache derrière ses mots ainsi que ses craintes les plus profondes.

Tout n’est que suggestion dans ce film. N’en disons donc pas plus et laissons sur cette œuvre suffisamment de flou pour que le spectateur, en voyant « Itt Vagyok », s’y enfonce et s’y attache.

Rémy Weber

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Fiche technique

Synopsis : Une reconstitution de scène de crime, la nuit. Florence, une comédienne d’une trentaine d’années, incarne la victime. Entre la minutieuse mise en scène de la reconstitution, la réalité d’une scène violente passée, la fatigue, les angoisses et les souvenirs, Florence se perd parmi ses émotions…

Genre : Fiction

Durée : 17′

Année : 2010

Pays : France

Réalisation : Juliette Soubrier

Scénario : Juliette Soubrier

Image : Isabelle Dumas

Montage : Saskia Berthod

Son : Stéphane Roché

Interprétation : Florence Loiret-Caille, Elise Berthelier, Vincent Ozanon

Production : 4a4 Productions

Articles associés : la critique du film, l’interview de Florence Loiret-Caille